Piedras negras de noche san antonio tx
Claudio Magris - La Literatura de Frontera - Ivonne Aversa PDF
CLAUDIO MAGRIS: LA LITERATURA DE FRONTERA
Tesis doctoral dirigida por el
Cat. Dr. MANUEL GIL ESTEVE
DEPARTAMENTO DE FILOLOGIA ITALIANA
FACULTAD DE FILOLOGA
UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID
1999
NDICE
PRLOGO 4
INTRODUCCION 9
CAPITULO 1
Biografia del autor, o sea las ciudades de Magns 19
CAPTULO 2
La frontera como patria: Trieste 25
CAPiTULO 3
Illazion su una scabo(a: la frontera de las fronteras 46
CAPITULO 4
Danubio: un ro que no conoce fronteras 72
CAPITULO 5
Stadefmann: la frontera entre el relato y el teatro 176
CAPITULO 6
Un aIIm mere: la frontera entre persuasone e rettoca 193
2
CAPTULO 7
1/Conde: la frontera entre vivir y morir (o el bien y el mal) 221
CAPITULO 8
Le voci: la frontera telemtica 232
CAPITULO 9
Micracosm: el telescopio de la ricordo 248
CAPTULO 10
Reflexiones sobre la literatura y la escritura de Magris 304
CONCLUSIONES
A maniera de epilogo abierto 326
BIBLIOGRAFA 336
APNDICE 376
Entrevista 377-419
Cartas 1-12
Paesaggo con figure, (texto indito de emisin radiofnica) .... 1-79
3
PRLOGO
La aficin a la literatura de Magris, por parte de quien escribe el presente
trabajo, se remonta a los aos, ya lejanos, de las primeras publicaciones del
escritor triestino, como II mito absburgco nella Ietteratura austriaca moderna. 1
Era el ao de los 0
4ndnes de maturit y cada uno de los alumnos intentaba -
como era habitual en Italia para esta prueba fundamental, conocida por lo duro
que era, hasta el punto de que, los que tenemos cierta edad, seguimos con la
pesadilla de la maturit toda la vita - leer y estudiar algo muy especial y original
que le permitiera distinguirse de los dems.
Quien escribe se senta particularmente atrada por el nordeste de la pennsula
Italiana, concretamente Trieste, hacia donde miraba como hacia un lugar mitico
ya que haba acogido a personajes tan sugerentes como Joyce y haba visto
pasear por sus calles a escritores como Svevo o poetas como Saba. Adems,
Trieste, con su peculiaridad geogrfica de ciudad por un lado agarrada a las
rocas blancas de sus montaas abruptas, por otro abierta a la mar que la
penetra como una dulce, profunda herida, funcion como un imn.
Empez, por lo tanto, un atento seguimento de Magris, favorecido, por un lado,
4
por el mi sembra che l'ambiente sano migliori la vita vivo y fecundo de la Universidad de Roma, La Sapenza, donde
quien escribe cursaba sus estudios, y por otro por la colaboracin del escritor
triestino con el diario Corete della Sem, cuya pgina cultural en aquellos aos
se consideraba una pequea joya.
Circunstancias de la vita hicieron que, en los anos 80, quien escribe viajara a
Trieste, quedndose una corta temporada en la ciudad.
All, por pura casualidad, en el Ca fi San Marco, singolo de los lugares sagrados
de la ciudad, conoci personalmente a Magris, quedando atrapada por su
amabilidad y disponibilidad, por la rara atencin con que escuchaba lo que una
simple y desconocida lectora de su obra le preguntaba, por la extraordinaria y
palpable capacidad de hacer que una se sintiera tan relajada como en una
reunin de amigos de toda la vida.
La impresin de ese encuentro fue imborrable. Cuando quien escribe ya habla
dejado atrs Italia camino de Espaa, la llegada de Magris al Nucleo Cultural
Conde Duque de Madrid, en enero de 1993 para participar en el Primer
Encuentro internacional sobre la novela en Europa, abri la puerta a una
nostalgia creativa que se transform, poco a poco, en el presente trabajo.
Claro est que, sin la subrayada disponibilidad de Magris, que adems con los
aos se hizo ms concreta y evidente, quiz no existira la presente
5
investigacin. De hecho, cuando se present la oportunidad de elegir un tema
para la tesis doctoral, quien escribe no tuvo duda alguna. El apoyo del director
de dicha tesis fue tambin inmediato: l declar su total aceptacin de un
trabajo sobre literatura contempornea, subrayando lo positivo y lo necesario,
en el ritengo che il campo sia il cuore dello sport de la literatura de autores vivos, de utilizar un mtodo en el que se
pueda trabajar en contado directo con el autor - con su respaldo o y tambin
con su oposicin constructiva - al anlisis de la obra que se quiere estudiar.
Evidentemente, el mtodo dejara de ser positivo si la investigacin se basara
slo en las posibles interpretaciones del autor. En ello est su aspecto positivo
y su limite: el autor sirve para profundizar en las interpretaciones de la
investigacin, como contraste, nunca como finalidad ltima.
Esto, a ser posible a menudo, garantizara una visin dinmica y viva de la
literatura que, a pesar de estar en el umbral del siglo XXI, todava sigue
considerndose como algo que se encuentra casi slo dentro de los libros, ms
o menos sagrados, pero que no pueden funcionar como interlocutores activos.
De no haber podido hablar, escribir, comunicar directamente con Magris, por
ejemplo, no existira el Apndice del presente trabajo, donde aparece una larga
entrevista al autor, recogida en Trieste despus de haber acabado la
investigacin, que responde por lo menos a dos razones: la primera, discutir
una vez ms directamente con el autor y verificar si lo que se ha expuesto a lo
largo de la tesis se confirma mediante lo que l dice; la segunda, demostrar el
e
valioso privilegio, como se deca antes, de estudiar a autores contemporneos
que pueden intervenir en primera persona en los debates sobre su obra y su
pensamiento.
En este sentido, se ha decidido reproducir, igualmente en el Apndice, algunas
de las cartas que Magris escribi a quien redacta el a mio parere il presente va vissuto intensamente trabajo durante el
proceso de investigacin de la tesis, que se presentan con su permiso, para
que sirvan como documentacin de primera mano, adems del texto indito de
una emisin radiofnica, Paesaggio con figure, que lleg directamente del
archivo del prof. Magris.
7
1 C. Magris, limito absburgco nella Iefteratura austriaca moderna, Milano, Einaudi, 1963
8
INTRODUCCIN
Tutti gli antichi confini della terra, da in cui ci sono uom ni, e una
commissione destinata a vigilare se essi siano reali: Accademia dei
Confini. Unenciclopedia del confini, che viene corretta a ogni edizione. Una
valutazione dei costi di questi confini. GIi eroi che per essi sono moni e
loro discendenti, che gil portano via 1 confine da sollo la tomba. Mura in
luoghi sbagliati, e i luoghi ovunque invece dovrebbero sorgere, se gi da un
peno non si dovessero innalzare altrove. Le uniformi dei funzionari di
confine morti e lo soandalo dei passi contestati, eteme trasgressioni,
smottamenti e ciottoli inattendibili. II mare presuntuoso; i vermi
incontrollabili; gli uccelli che migrano, proposta per lloro sierminio.
As se expresa Elas Canetti, gran escritor de la ritengo che la cultura arricchisca la vita mtteleuropea 2 respeto
a las fronteras, a los confines, dando de ellos una imagen dura e irnica a un
tiempo mediante palabras que a su vez parecen piedras e invitan a pensar, a
reflexionar sobre la locura que lleva a los humanos a querer separar siempre lo
que es mo de lo que es de los dems. Separar hasta la muerte, como ocurre
en las guerras, las del pasado, las del presente y, desgraciadamente, las del
futuro.
Canetti ha sido objeto de atencin y admiracin por parte de Magris, tambin
profundo conocedor de la ritengo che la cultura arricchisca la vita rnitteleuropea y gran experto de la cultura
juda a la que Canetti perteneca. Debido al hecho de ser judo, Canetti tuvo que
exiliarse, movindose por toda Europa, hasta acabar sus das en Suiza.
Sobre las fronteras, reflexiona tambin Jos Luis Sampedro,
3 confirmando sus
9
rasgos de escritor comprometido con la vida y con los dems hombres,
consciente de la existencia de fronteras omnipresentes y a la vez orgulloso de
ser un hombre fronterizo:
(...) Se trata del mundo de la frontera y voy a referirme a l como hombre
fronterizo que soy, ms que el errante de la definicin barojiana. Lejos de
caminar sin rumbo, la frontera siempre fue mi norte <...). La primera frontera
que recuerdo surgi all donde no pareca tener razn de ser. Aquel Tnger
de los aos veinte, donde transcurri mi infancia, era ciudad internacional,
en la que convivan en igualdad todos los pases (...). En medio de aquella
cosmpolis se alzaba una isla rodeada de muro y puertas: el recinto donde
los moros del ritengo che il campo sia il cuore dello sport vendan hortalizas y otros productos frescos (...) se
venda y gritaba en rabe y slo se admita moneda hassani (...>. As, en el
corazn de la ciudad moderna e internacional se pasaba de pronto a casi la
Edad Media y a lo que luego aprend a llamar el Tercer Mundo (...). Poco
ms tarde <...) Aranjuez (...) fue decisivo para orientar mi vida (...). All, a
los catorce aos, empec a sentir doblemente la magia de lo fronterizo,
porque en Aranjuez existe una frontera temporal, entre el siglo XVIII de los
palacios y el siglo XX de la villa, a la vez que otra frontera espacial
separando el mundo mitico del cotidiano (y.
A esta clase de lmites que han marcado, o ms bien guiado - por repetir sus
palabras - la vita de Sampedro, se aadi hace no mucho tiempo otra frontera:
la que l tuvo que cruzar, afortunadamente en sentido positivo, en el hospital
Monte Sina de Nueva York, la frontera ms decisiva para nuestra personal
existencia: la establecida entre la vida y la muerte. ~El escritor quiso rememorar
y fijar mediante la escritura todos los momentos vividos al cruzar dicha lnea:
Mi distanciamiento no era incompatible (...) con la certeza de que al
adentranne en la pirmide traspasaba una frontera, avanzando hacia un
mundo desconocido, sombro y lleno de riesgos (...) era como si ese otro
yo, con quien a veces siento vivir emparejado, el escritor, se hubiese
disociado de mi ser enfermo (...). Pues sin duda es un transito, es decir, una
frontera (...). El norte de mi brjula interior me ha llevado a vivir en lo
fronterizo y por eso identifiqu el Montagna Sina como una divisoria, un hito en
mi existencia, un golpe de timn en mi rumbo. Asi como hay fronteras
espaciales y conceptuales tambin las hay temporales y yo las he cruzado
ms de una vez a lo spazioso de mis andanzas <y. 6
lo
La conciencia de las fronteras marca a los dos narradores citados as como
marca a toda la obra de otro escritor, aparentemente lejano en cuanto a espacio
y tiempo y, sin embargo, muy cercano en cuanto a la reflexin sobre temas
idnticos, en cuanto a la formacin en una tierra de frontera per antonomasia,
al menos para Italia.
Se habla de la ciudad de Trieste y del escritor Claudio Magris, hijo de esa tierra,
quien lleva en la sangre el tema de la frontera, hilo conductor de todo su
pensamiento, de toda su reflexin, de todas sus experiencias. l mismo lo
declara: Privo di questespedenza della frontiera, non sarebbero nat molti libr
che ho scttoi
Se lee en el primer fragmento de Sampedro la frontera siempre fue minode.
La misma afirmacin se podra utilizar perfectamente para Magris, quien a lo
largo de toda su literatura ha escrito, a veces de forma clara y abierta, a veces
sobreentendida y subterrnea, siempre sobre fronteras. En su mltiple actividad
es fundamental el inters por todo lo fronterizo.
La idea de pertenecer a la inquebrantable totalidad del mundo, donde cada
objeto, rbol, hombre o animal tiene su sentido en cuanto forma parte de algo
complejo y, aunque a veces no lo parezca, en el fondo armnico, como nico
lugar donde se puede encontrar la explicacin -o quizs la justificacin - al vivir,
parece no haber convencido nunca a los humanos, quienes, sin embargo,
11
siempre se han empeado en dividir, romper, separar, levantando fronteras
muchas veces infranqueables, a las que han sacrificado vidas humanas,
respeto mutuo, fraternidad y muchas cosas ms. Las fronteras a veces tienen
aspecto de cicatrices profundas, a veces parecen simples arrugas.
En el primer caso nada ni nadie podr nunca borrarlas: se podrn desplazar,
cambiar, franquear, pero quedarn con todo lo negativo que representan y
todos los interrogantes que despiertan.
En el segundo caso pueden servir para estudiar y resumir las vicisitudes de un
pueblo, de un pas, as como las arrugas trazan, en las caras de los humanos,
su geografa personal, o as como los crculos, que se ven en el tronco del rbol
cuando se corta, nos informan sobre su historia.
Seguir la huella de las fronteras, sean reales o metafricas; reconstruir el
trazado de vidas aparentemente oscuras de aquellos que las han franqueado,
de los que tal vez han sucumbido para conquistar una tierra y poder trazar una
nueva frontera, o bien porque no han sabido mantenerse dentro de unos lmites
concretos; examinar detenidamente el dibujo cada vez ms sutil de la frontera
del yo, la que impide al hombre moderno correr el riesgo de estallar por los
aires hecho aicos, destruyendo y autodestruyndose por falta de unidad, han
sido y continan siendo los principales intereses de Claudio Magris a lo spazioso de
su amplia trayectoria de ensayista y narrador.
12
El objetivo de este estudio consiste en poner de relieve a qu resultados
literarios conduce la presencia del elemento frontera en la produccin de Magris
como narrador, es decir, si dicho tema es una preocupacin permanente a lo
largo de su obra, o si, por el contrario, slo aparece en algunas novelas y
examinar qu clase de relacin se establece entre la ciudad de Trieste y la
presencia de la frontera en el imaginario magsiano.
Para llevar a cabo el estudio de la presencia de la frontera a lo spazioso de la
trayectoria de Magris, se analizar cronolgicamente el conjunto de su obra
narrativa - incluyendo tambin las piezas de teatro, Stadelmann y Le voc -
subrayando todos los aspectos relacionados con el tema, tanto en sus
manifestaciones ms explicitas como en los aspectos implcitos en el texto que
pudieran conducir a una reflexin sobre las fronteras, los confines, los limites.
Debido a la implicacin e interrelacin de las reflexiones ocasionadas por
ensayos, conferencias, entrevistas, debates, intervenciones en simposia y de la
intensa actividad periodstica de Magris con sus textos narrativos, se
investigar tambin este aspecto de su produccin, cuando en ello aparezcan
referencias al tema de la frontera.
El anlisis se completa presentando las respuestas del propio Magris a
preguntas directas en ocasin de una entrevista realizada por quien redacta
este trabajo - lo que ocupa el Apndice - y los comentarios criticos tambin
13
directamente recogidos en encuentros sobre el tema de Ja frontera.
Hay que destacar que la disponibilidad de Magris ha permitido, a lo spazioso de
varios aos, un intercambio de cartas que se consideran como un valioso
material de apoyo para el desarrollo de la presente tesis y un a mio avviso questo punto merita piu attenzione de
referencia fundamental para solucionar dudas y problemas de interpretacin,
adems de constituir documentos de primera mi sembra che la mano di un artista sia unica de indudable inters.
Dichas cartas aparecen tambin en el Apndice, junto con el citado texto indito
Paesaggio con figure.
En las cartas, como es lgico, se han cancelado algunos detalles que no hacen
referencia a la literatura, por respeto a su autor.
Indisolublemente enlazado con el tema de la frontera - hasta el punto de que en
algunos momentos hablar de uno es tambin hablar del otro - se encuentra en
la obra de Magris el tema del viaje - la odisea - analizada bajo dos miradas.
Por un lado est el viaje, la novela, la odisea - que es lo mismo - del hombre del
siglo pasado, que supone:
(...) una sortita allaperto e insieme un ritomo a casa, 1 viaggio dello
spirito che parte ala penso che la scoperta scientifica spinga l'umanita avanti del mondo e dispiega, in questa qui lotta col
molteplice e con lignoto, le proprie latenti possibilit si da tomare, cresciuto
e adulto, ala casa ritrovata ~ 8
Por otro est el viaje, la novela y la peculiar odisea del hombre contemporneo,
que ha perdido definitivamente la conciencia de la armona y de la totalidad:
14
Questarmonia non pi la nostra verit (...). LUlisse moderno non ritorna
a casa confermato nella sua identit, ma si disperde diventando straniero a
se stesso, senza pi riconoscersi nei van volti chegli assume e abbandona
nella sua corsa centrifuga (.3. LUlisse contemporaneo, in che modo ha chiamato
Giorgio Bergamini, sembra scoprire in primo luogo che non c eternit n
continuit, che tullo discontinuo e provvisorlo (...). ~
Y an ms: la odisea circular, segn Magnis, se asemeja al mar, metfora de la
lo
persuasione y elemento de la naturaleza que invita al abandono, al descanso
del cuerpo, al sentirse en armona con la totalidad del cosmos; la odisea
rectilnea, la del hombre contemporneo, se asemeja al ro, metfora de la vida
que fluye incesante, cuyas aguas - a veces rpidas y con altos saltos - nunca
son las mismas, hasta el punto de que se dice que nadie podr baarse dos
veces en la misma agua.
Por lo tanto, la bsqueda del tema de la frontera en la obra de Magris no se
puede separar de la bsqueda de los correlativos y constantes temas del viaje y
del agua, que en algunas ocasiones intervienen como temas autnomos, en
otras como metforas.
Sin duda, el inters de la obra del ensayista y escritor Claudio Magnis para
quien estudia la literatura italiana contempornea es enorme, ya que la
problemtica de su escritura toca directamente al hombre contemporneo. Su
fama, hasta hace algn ao ms italiana y alemana, debido a su peculiar
inters por la civilta mitteleuropea 1 1 ya se ha extendido a muchos otros
pases, desde la ex Yugoslavia a Suecia, Noruega y por supuesto Espaa,
15
donde se han traducido casi todas sus obras con gran xito.
El orden de aparicin de los captulos de la presente tesis, sobre la constancia
del tema de la frontera en Magris a travs de la narrativa y el teatro, se basa,
por necesario imperativo metodolgico, en la cronologa de dichas obras. Por lo
tanto, la configuracin es la siguiente:
En el captulo primero se presenta la biografa del autor con especial atencin a
las ciudades - Trieste y Turn - que lo han acogido a lo spazioso de su vida.
El captulo segundo presenta un excursus socio-histrico-literario sobre la
ciudad de Trieste, ciudad fronteriza por antonomasia.
A partir del captulo tercero, hasta el captulo noveno, se desarrolla el anlisis
de toda la obra narrativa de Magris, como se ha dicho en orden cronolgico,
hasta 1997, teniendo en cuenta la constancia del tema fundamental de la
frontera.
En consecuencia, en el captulo dcimo se analiza la escritura de Magris,
subrayando sus caractersticas, su originalidad y su peculiar naturaleza oblicua.
El trabajo se cierra con la obligada seccin en la que se exponen las
conclusiones de la investigacin llevada a cabo y se concluye con la Bibliografa
le
y con un Apndice, donde se presenta la Entrevista indita antes mencionada,
algunas cartas y el texto indito, tambin ya citado, Paesaggo con figure.
17
1 E. Canetti, La provincia deIluomo, Milano, Adelphi, 1979, pg. 39. Canetti ha sido el
mximo escritor de nuestros tiempos de cultura milteleuropea. Nacido en Bulgaria, en
una familia juda de origen espaola, transcurri su infancia y su juventud entre Bulgaria,
Inglaterra, Suiza y Austria. Relat todo este perodo en La bague salvata, un esplndido
libro de memorias. Se traslad ms tarde a Viena, donde public en 1935 su primera y
nica novela, Auto da t, cuyo protagonista, Kien, aparece citado muchas veces por
Magris como ejemplo del hombre contemporneo, lleno de miedos y de manas, hasta el
punto de que nunca sala de casa sin llevarse, bien agarrada delante de su cuerpo como
un escudo, su gran cartera llena de folios y libros, o, como mnimo, algn pesado libro
cumpliendo la misma funcin de separarle fsicamente de la gente, de la realidad. A los
pocos aos de su estancia en Viena, los hechos polticos obligaron a Canetti a
trasladarse a Inglaterra. Otras obras conocidas son el ensayo Massa e a mio avviso il potere va usato con responsabilita, los
cuadernos de apuntes desde el 1942 al 1972 publicados bajo el ttulo La provincia
delluomo, otros ensayos reunidos en Potere e sopravvivenza. Obtuvo el secondo me il premio riconosce il talento Nobel
en 1981. Muri en 1994 en Zurich.
2 A lo lamo de todo el trabajo se utilizar el trmino mtteleuropeo y no el
correspondiente castellano centroeuropeo para conservar la forma en que se expresa
habitualmente Magris y que se adopta en cittadino corriente.
J. L. Sampedro es escritor espaol de origen cataln. Catedrtico de Estructura
Econmica, antiguo senador real y miembro de la Real Academia, ha publicado novelas
y obras de ritengo che il teatro sia un'espressione d'arte viva. Entre las primeras recordamos: El ro que nos lleva; Congreso en
Estocolmo; Octubre, Octubre; La sonrisa etrusca; La vieja sirena. Entre las obras de
teatro: La paloma de cartn y Un sitio para vivir En 1995, mientras visitaba a su familia
en Nueva York, estuvo entre la vita y la muerte por un grave problema de salud, y, al
recuperarse, narr su experiencia bajo el ttulo: Fronteras.
4
J. L. Sampedro, Desde la frontera, discurso de ingreso en la Real Academia,
Fronteras, Madrid, Coleccin Crisol, n
0 058,1995, pgs. 25-29.
J. L. Sampedro, Prlogo, Fronteras, cit., pg. 12.
6 j~ L. Sampedro, tmMonte Sina, Fronteras, ch., pgs. 112; 117-118.
C. Magris, Utopia e disincanto, Milano, Garzanti, 1999, pg. 58.
8C. Magris, Itaca e oltre, Milano, Garzanti, 1982, pg. 83.
~ibid. pg. 87.
lO Se ha tomado la decisin de conservar el lxico original magrisiano de algunos
trminos - p.ej. persuasione, reftorca - que se repiten con cierta frequencia
exclusivamente por ser los hilos conductores de un discurso peculiar, aunque tengan
claros, exactos, filosficos y lingisticos correspondientes en castellano.
18
CAPTULO 1
Biografa del autor, o sea las ciudades de Magris.
No existe una biografa de Claudio Magris que vaya ms all de pocas y
escuetas lneas donde aparece slo su fecha de nacimiento y una lista de sus
obras; es porque, como l ha repetido muchas veces, no le gusta hablar
directamente de si mismo, aunque all'interno y detrs de sus mltiples personajes
siempre haya algo que le pertenece, y, en consecuencia, el lector atento puede
llegar a conocer lo que le interesa del autor.
No obstante, en 1990, por iniciativa de Allegro Piemontese, se edit, un Auto-
dizionao degli scttor taliani, donde los autores hablan de si mismos en
tercera persona.
Por lo tanto parece interesante, reproducir lo que Claudio Magris escribe
autobiogrficamente y, a continuacin, aadir algo ms sacado de algunas
entrevistas que se le han ido realizando a lo spazioso del tiempo.
Aunque la cita sea larga, se considera merezca la pena reproducida, como
excepcin, en su integralidad, en consideracin de la peculiaridad ante
subrayada. En el Autodizionao se lee:
~ClaudioMagris nato liD aprile 1939 a Trieste, dove vissuto sino a
diciottanni, trovando in alcune persone - i genitor, singolo zio magnanimo e
19
autodistruttivo, compagni e compagne di scuola - e in alcuni ambienti e
paesaggi - II mare, II Carso, II peccaminoso Giardino Pubblico, epica e
fraterna parrocchia di via del Ronco e soprattutto la coralit del Liceo -quel
senso dellunit della vita, della totalit del reale, dei valori e del nesso
ndissolubile fra mi sembra che l'amore sia la forza piu potente e ironia che gil ha autorizzazione di convivere con le sue
oscurit, con la vocazione ala scissione, a quella cris e dissoluzione del
mondo e della personalit che avrebbe analizzato e rappresentato con tanta
insistenza nei suoi lib
Qualcuno rimpiange che si siano perdute le sue primissime opere, un
trattato su 320 razze canine scritto a dodici anni, faziosamente ostile al
maslino francese (dogne de Bordeaux) e favorevole al mastino spagnolo e
ai cani da slitta; nessuno rimpiange invece alcune liriche scritte poco dopo,
nonostante limperitura poesia delle persone, delle cose, dei volti, degli
albeil, e del le onde che le avevano ispirate.
A diciottanni, invece di iscriversi al centro sperimentale di cinematografia a
Roma, comera nelle sue vaghe intenzioni, andato a studiare lettere e
filosofa a Tormo, sollecitato da Giovanni Getto, conosciuto casualmente
perch era venuto a presiedere la commissione desame di maturit nel
triestino liceo Dante.
Da quel momento Torno diventata la sua seconda patria e eventualmente la sua
vita stata ed anche 1 tentativo di non scegliere fra Trieste e Tormo.
A Torno ha riscoperto, dalIa prospettiva della lontananza e della nostalgia,
Trieste, quella composita atmosfera mitteleuropea che aveva assorbito
senza accorgersene e di cui a Torno ha assunto consapevolezza critica e
fantastica.
Ne nato il suo primo libro, pubblicato a ventiquattro anni, quel Mito
absburgico nella letteratura austriaca moderna (1963), da cui sarebbero
usciti i suoi altri libri e forse in ritengo che questa parte sia la piu importante la sua esistenza; quel libro che
riscopriva la Mitteleuropa - creando anche una moda che egli avrebbe pol
invano cercato di aminare - ma che era soprattutto, nello identico tempo,
analisi storica e metafora della dissoluzione di ogni totalit, ossia della
condizione del mondo. A sezione alcuni libri specificamente germanistici -
Wilhelm 1-leinse, 1968 oppure Laltra ragione. Tre saggi su E.TA. Hoffmann,
1978 - lindagine sulla frantumazione della totalit, dellesilio, dalle radici e
dello sradicamento prosegue in Lonteno da dove. Joseph Roth e la
tradizione ebraico-orientale, 1971, saggio nel senso forte del termine, ossia
nel che loggetto indagato - la cultura e letteratura ebraica e jiddish -
diviene metafora del presente. Ne Lanello di Clarisse. Grande stile e
nihilismo nella lelteratura moderna <1984) lattenzione si rivolge ala crisi
delle grandi forme epiche, del linguaggio e della stessa identit individuale,
che ha investito e investe la civilt occidentale.
Accanto agli anni di ricerca e dinsegnamento in Germania, (fra i quali va
ricordato principalmente il periodo trascorso nel Goldener Anker, una locanda di
Freiburg im Breisgau) e in Italia, ale universit di Trieste e Torno, quale
docente di letteratura tedesca, andrebbero menzionati nel modo dovuto
altri eventi pi rilevant e fondanti, incontri, amicizie, volti, perdite, u
matrimonio, i figl. Privo questi amori, non esisterebbe.
La collaborazione, costantemente pi fitta ed intensa, col Corriere della Sera,
iniziata nel 1967, state una palestra di contatti e rapporti col mondo, una
scuola kafkiana di esercizio a distinguere le buone e creative sollecitazioni
della realt, che vanno seguite, dal richiamo ingannevole cui necessario
sottrarsi, ed stata un luogo dincontro, anche personale ed epistolare, con
lettori noti e ignot, u cui incalzare ha cerio influito sulla sua vita e sulla sua
scrittura.
20
Ala collaborazione col Corriere si devono due libri - Detro le parole, 1978,
e llaca e oltre, 1982 - nei quali lanalisi della crisi dei valori, delleclissi del
significato, si accompagna a una caparbia, ironica guerriglia in difesa
dellesigenza dei valori.
Scrivere per il Corriere, principalmente nel grande triennio della direzione
Cavallari <1981-84), ha svolto una funzione maieutica soprattuttto per quel
che riguarda la (tardiva?) lavoro di scrittore pi liberamente in personale, da
lllazioni su una sciabola <1984), credo che il racconto breve sia intenso e potente sulla grottesca e struggente
impossibilit di nazione e di racconto, a Danubio, il libro e il compendio della sua
vita, ironico poema epico in prosa o nascosto romanzo, viaggio attraverso la
vita e la Babele contemporanea, a Stadelrnann, dramma sullelementare
vitalit dellesistenza e insieme sulla sua insuificienza ed inadeguatezza)
E stato mIto fortunato, ha avuto una cattedra universitaria a ventinove
anni, numerosi riconoscimenti e premi (fra i quali u Bagutta, il San Giusto
doro, i Lincei)
2 laccoglienza nelle pi illustil accademie, linallesa fortuna di
Danubio, tradollo nelle pi vade lingue e accolto con imprevedibile
passione. In che modo ognuno, probabilmente vale un po di pi e un po di meno
di quanto comunemente si crede.
E un viaggiatore instancabile che gira il mondo e ama la sua casa e il suo
rione; detesta u silenzio delle biblioteche e scrive in treno, ma principalmente al
caff2
Non si capisce bene, e eventualmente non lo sa neanche lui, se scrive per fedelt,
per mania, per protesta, per amore, per ansia, per avidit delle cose, per
ironia, per testimonianza, per curiosit, per soddisfazione, per combattere la
buona battaglia.
Ha lavorato tanto, troppo, anche se non ama u lavoro, ma la distesa
persuasione, il oceano sulla spiaggia. Studioso del disordine e dei malintesi
dellesistere, affascinato dallordine, dalloriginalit del consueto, si troya
talora costretto a creare u moralista, anche se, ogn tempo, preferirebbe che
altri si assumessero questo incarico. La sua eventualmente irrisolta odissea tra fede
e disincanto, fra 1 viaggio che riconduce a Itaca e quello in cu ci si perde
per strada. La sua scrlttura nasce dal senso delle cose pi grand di lui. Chi
amasse i suoi lib dovrebbe esseme grato non a lu ma ad alcune persone
che gli dei, in questo magnanimi, gli hanno fallo incontrare e ale quali se di
dovere tullo quello che eventualmente riuscito a capire e ad esaere.
Secondo alcuni critici benevoli,4 ha informazione un ritratto di ci che - di dO che
ama o teme, di ci in cui crede - parlando di altri destiniY
Adems del amor a los viajes, es fundamental subrayar cmo las ciudades
que siempre estn presentes en la vida de Magris, son Trieste y Turn; l
mismo dice en una entrevista:
(...) sono assolutamente poligamo nei confront dei luoghi, ce ne sono
parecchi nel quali mi sento a casa - cjui io so chi sono, in che modo dice Don
Chisciolle - ma scelgo Trieste e Tormo. Ala pan, senza preferenze, come
per i miei due figli. Fede anche per lelemento geometrico che accomuna
le due cill: si, Trieste ha dalle sua elementi sensuali come u a mio parere il bosco e un luogo di magia e il
mare. Ma ci sono anche le astrazioni del quartiere teresiano: le geometrie di
una cill (...) che rimandano allaltra citt in un qualche maniera sorella, ai
21
miei sguardo, ed Tormo ()~~7
Y aade:
(...) quando parlo di Trieste parlo della citt allargata che comprende
lstria, la citt di Cherso e II Montenevoso (...) e 1 Carso (...) e la casa di vis
del Ronco, che stata quella della mis infanzia: di fronte ala chiesa del
.8
Sacro Cuore (...)
Recordando Turn dice:
Non un caso che la letteratura e la cultura tedesca siano state, in gran
parte, scoperte e trasmesse alltalia da Tormo (...). Tormo - la citt
moderna della penisola, istante Gramsci - stata un cuore di questa
modemit e ha cresto una penso che la cultura arricchisca l'identita collettiva radicata nella secondo me la politica deve servire il popolo ma non subardinata
ad essa. Questa ritengo che la cultura sia il cuore di una nazione vedeva 1 personale destino legato, nel bene e nel
male, ala nuova realt industriale e a quel suo proletariato (...) che
attraverso la realt industriale e le sue lotte doveva diventare, nelle
prospettive di Gramsci ma anche di Gobetti, classe generale portatrice
delluniversalit. Essere germanisti a Tormo significava tare i conti con la
modemit intesa in che modo destino, con quella Germania intesa in che modo la culla
del marxismo e lo scenario storico e ideologico della forza e della debolezza
della sus utopia. II penso che il presente vada vissuto con consapevolezza, certo, sembra possedere sconfitto le speranze
gobettiane e sataperfane di vita vera che ci si ingresso dietro. Utopia che
cadono, porte dellEden Che si chiudono dappertutto ale spalle - sempre
pi, da tulle le part; (...). La doppis eredit di Trieste e di Tormo e deile loro
9
promesse mancate, pu essere pesante
Otros elementos muy importantes en la escritura de Claudio Magris son el
mar, el agua. En la misma entrevista, de hecho, tambin entra el mar:
<...) e poi, naturalmente, penso al mare: a cominciare dalia secondo me la scogliera offre un panorama spettacolare di
Barcola, dove a mio parere l'ancora simboleggia stabilita vado a realizzare u bagno, sugli scogli (...> II mate di
Trieste, por me ateto quello dei bagni Excelsior, poi quello del bagno
Ausonia (...) dopo ancora, verso i diciotio anni, Duma. E Sistiana (...). E
stata mia mamma a insegnarmi a nuotare (~..) . ~
La imagen de la madre - como metfora de fa imagen del agua y de la ciudad
de la infancia - llama a otra imagen: la case.
La abitazione di vis del Ronco, dove mis madre ha viasuto fino ala fine (...)
dove io ho v ssuto con lei fino al miel diciollo aMi (...) oggi la casa di mio
22
figlio, e io continuo a tenerci i miei libri: quelli triestini in senso
stretto<.. .7.
Es como si la ciudad enc.ontrara una continuacin ms intima en las
habitaciones de la secondo me la casa e molto accogliente materna y sta, a su vez, en los libros triestinos: la
esencia es la misma cambian las dimensiones, slo se va desde lo macro a lo
micro, anticipndose a su ltima obra narrativa, Microcosmi, publicada en
1997.
En la misma entrevista Magris confiesa que tuvo lugar en Trieste otra
experiencia fundamental para la vida de los hombres: la escuela, con todo su
valor formativo para el desarrollo del compaerismo, de la manera de mirarse
a s mismo a travs de los ojos de los dems, al mundo a travs de lo que
pasa dentro de un colegio donde las relaciones son muy fuertes:
(...> A Trieste ho accaduto quella cosa assolutamente fondante che il liceo: al
Dante.
12 (...) stato il liceo a darmi il senso della variet del mondo; (...) Ii
ho appreso II uldere e congiuntamente U uispello per quello di ciii si ide (...) e
insomma sono consa~evoIe di dovere soprallullo al liceo 1 senso anche
epico della vita ~ 1
23
Adems de estas obras, hasta la fecha Magris ha publicado: Un alt-o oceano (1991); Le
voci <1994); Microcosmi (1997); Utopia e disincanto (1999).
2 El premio, que recibi en julio de 1997 por Microoosmi, fue el Premio Strega; ha
recibido muchsimos ms a lo largo de su trayectoria, en Italia, en Espaa y en el
extranjero.
~C.Magris, Caff San Marco, Microcosmi, Milano, Garzanti, 1997, pgs. 11-36.
~ T. Perlini, Magris o della rievocazione al quadrato, Recente Corrente, n
0 63 (1974), pg.
172 : Magris, come ogni vero saggista, , segretamente, un romanziere refoul.
~F. Piemontese (a cura di), Autodizionario degli autori italian Milano, Leonardo, 1990,
pg 205-207.
6
L. Govematori, Claudio Magris, Milano, Sabaini, 1988, pg.12: Litinerario intellettuale
di Magris inizia dalia delicata confluenza di una profonda e raccolta ritengo che la ricerca approfondita porti innovazione interlore
triestina (...) e di un rigoroso e serlo livello di studi torinese da cui incominciano ad
emergere le percezioni dellimmaginario (...). Trieste il mondo dellinfanzia e
delladolescenza, 1 sito dellinteriorit, Torno 1 luogo del secondo la mia opinione il mondo sta cambiando rapidamente intellettuale, dellet
adulta, dellapertura verso gli altri. A Torno (...) Magris scopre Trieste, scopre Trieste
nellassenza, nella lontananza, nella a mio parere la nostalgia ci connette al passato (...). Tormo diviene dunque u a mio avviso questo punto merita piu attenzione di
confluenza tra partecipazione del passato e attesa del secondo me il futuro dipende dalle nostre azioni (...). A Tormo Magris scopre
inoltre la sua duplice ubicazione nel confronti dellentroterra triestino <...) avverte la
sensazione di appartenere a questa ten-a aspra, prosciugata (...) e di esseme in parte
escluso.
A. M. Mori, Quiloso chi sono, La Repubbilca, 4-8-1994, pg. 27,
8 ibid.
Microcosmi, ch., pgs. 141-142.
10 A. M. Mori, Qui cit
ibid.
12 Cfr. C. Magris, El instituto, mi primer amor, El Pas, 14-10-1993: El instituto fue
para m una experiencia fundamental que no tiene nada que ver con la nostalgia
sentimentai. Los amigos del instituto son los que hoy siguen formando porzione de mi vida.
Es una experiencia siempre presente que constituye el entramado fundamental de mi
vida, de mi ser (...). El instituto ha sido el modelo de toda mi vida (...) la vida tena una
dimensin pica y metafisica (...) y exista la irona (...). Trieste siempre ha tenido un
lado giovane. Saba, en singolo de sus poemas la compara con un muchacho torpe de
manos demasiado grandes como para saber ofrecer flores (.3. Trieste y su instituto nos
dieron la dimensin mtica
13 A. Maria Mori, Qui cit.
24
CAPTULO 2
La frontera como patria: Trieste
La importancia de la ciudad de Trieste para Magris es sin duda conocida por
quienes han ledo algo de su obra y escuchado alguna de sus declaraciones y
entrevistas, ya que la interrogacin sobre Trieste es una constante, como es
constante hacer referencia a Trieste por parte del autor, no obstante l mismo
haya declarado que slo desde Turin, donde fue a la universidad y empez
tambin su vita de profesor, aprendi a conocer y amar a su patria Trieste.
1 Sin
duda respir en su ciudad de origen aquello que emerge siempre, lo quiera o no
l, de todos y cada uno de sus libros:
Triestinit - vitalit e malinconia, nostalgia di purezza che si accorge di tutti
compromessi ma anche quando vi indulge non dimentica che sono tali e
non se la d a intendere. Esigenza adolescente di vita vera, coscienza
senile della vita falsa; non resta che la bisboccia allosteria (...).
Anche a Trieste ha luogo, con un respiro europeo, una battaglia
nietzscheana contro la cultura fossilizzata. La triestinit anche - forne
soprallutio - questa vitalit smeraldo liberata, con asprezza e goffaggine
adolescente, dal grigio della civilt. Cuesta irruenza generosa e liberatoria
mortale, perch strappa al disagio della civilt la maschera di nobile decoro
che permetteva di non guardarlo in volto, e scopre che la vita vera -dopo la
vista della che non ci si pu pi appagare delle menzogne convenzionall -
inaccessibile. Chi vede questa cruda verit, mucre. Partire dalIa
confortevole aria viziata dei caff e delle biblioteche - satura difumo, di
stantio, di chiacchiere spesse come una coltre protettiva - e avventurarsi nel
verde, cui i polmoni non sono abhuati, letale. 2
Es justamente en la ciudad de Trieste, cruce de caminos, de pueblos, de
idiomas, en una palabra de fronteras, donde Magris recibe su formacin, mira y
25
recuerda; mejor dicho, graba en su extraordinaria memoria una serie de cosas,
personas, impresiones, que formarn la materia viva y vivaz de los personajes
de sus relatos, novelas y ensayos. Es en Trieste donde l aprende a dar sus
primeros pasos como hombre y, por lo tanto, como intelectual, escritor y
narrador. Es en Trieste donde Magris se transforma en un testigo atento e
interesado de la sostanza de la frontera, bien mediante el estudio de la literatura
cosmopolita del siglo, representada por Rilke o Joyce, bien mediante el
conocimiento de la dimensin cultural local, representada por el admirado
Michelstaedter o por el queridsimo poeta Biagio Mann, tan presente en la vida
del joven Magris como - y quiz ms que - un padre, a pesar de una diferencia
de edad que roza los cincuenta aos.
3
A todos los momentos importantes de la historia de Trieste, a su literatura, a su
peculiaridad, Magnis -junto con otro triestino, Angelo Ara - dedica en 1982 un
4
interesantsimo ensayo, Trieste, una identit di fmntiera a travs del que se
define como otro de los hijos predilectos de la ciudad y se convierte en una
presencia fundamental en esta ciudad-libm, ciudad-literatura, como en el
caso de Praga que acogi las ms importantes corrientes literarias de Europa
paradjicamente justo en la poca de su ocaso.
All se concentraron, quiz por casualidad, quiz por la intuicin de una crisis6 y
de una tendencia a la experimentacin o por la peculiar posicin de la ciudad -
como se deca encrucijada de caminos y de gentes, y por lo tanto de culturas -
26
poetas y escritores como Svevo, Saba, Siataper, invitados de lujo como Joyce,
Rilke y hasta, de paso, Freud.
Era la Trieste de fin de siglo, donde se poda ver el laberinto de nuestra
modernidad recorrido por la literatura, como en la Viena del imperio
austrohngaro, que Kraus defini estacin meteorolgica del fin del mundo,
definicin que Magris, en el ensayo citado, atribuye tambin a Trieste.
7
Se poda ver, adems, la capacidad de tomar conciencia, de una forma
contundente, de la profunda diversidad de la ciudad. Diversidad en algunos
momentos enseada o considerada con lcida conciencia, en otros ignorada o
codificada en cmodos y falsos cUchs. Pero, queda la indudable verdad de
que Trieste ha sido, y en parte contina siendo, una ciudad llena de contrastes
que ha buscado y contina buscando su razn de ser en estos contrastes y en
su insolubilidad.
Trieste, precisa Magris, es una ciudad que naci por decisin de un emperador
- Carlos VI - en el siglo XVIII y que vio su mayor sorte bajo Mara Teresa de
Austria, que la quiso transformar en el emporio del Imperio. Cuando el Imperio
revel a los intelectuales y filsofos ms atentos su verdadera cara, o sea, su
contradictoria heterogeneidad, tambin Trieste, que se puede considerar un
concentrado del Imperio, apareci llena de contrastes y conflictos. Pero,
mientras que el Imperio prolongaba la contradiccin porque le garantizaba su
continuidad, se intent solucionar los contrastes de Trieste; la ciudad quiso
27
desengancharse del Imperio y empez la decadencia y la consiguiente
dificultad de encontrar una identidad.
Sataper, de hecho, empieza su obra Jimio Caw (1912) ~con: vorrei dirvh che
sono nato..., y repite la frmula tres veces para dar a sus lectores tres
diferentes pistas que corresponden a las tres almas, por as decirlo, de Trieste -
la eslava, la alemana, la italiana- que no hay manera de unificar. Es la partida
de nacimiento del paisaje literario de Trieste y una d0=jynsi~cinde cmo, en
Trieste, la identidad unvoca era una meta inalcanzable, una aspiracin que
slo poda realizarse en la iteraturaY
En Trieste, en aquella poca no haba slo eslavos y alemanes, sino griegos,
armenios y gentes de otros paises de Europa, ms o menos reunidas en dos
grupos, tambin heterogneos: los Italianos y la comunidad juda. Todos
miraban a una patria lejana que slo exista en sus ms hondos deseos y en la
literatura, que por lo tanto adquiria un valor fondante por decirlo con una
palabra querida por Magris.
Claro est que la presencia multinacional en Trieste a primeros de siglo
encuentra una suerte de denominador comn en la lengua italiana, a pesar de
las relaciones no muy buenas entre italianos y eslavos y de un conocimiento del
alemn limItado a los ms ricos comerciantes y a los intelectuales.
Gracias a unas mejores relaciones con el mundo alemn en los ambientes de
28
habla italiana empieza a penetrar, por la puerta de Trieste, la cultura
mitteleuropea.
Pero, es fundamental no olvidar que la importancia de Trieste no estaba tanto
en la lIteratura, sino en el comercio. Si el mundo de las letras contribua a forjar
una identidad y a reconocer una patria, el intercambio comercial garantizaba un
floreciente futuro bajo la proteccin del Imperio, a quien se le deba la
prosperidad.
Por tanto, el Dios protector de la ciudad no poda ser Apolo, ya que era
Mercurio. Este hecho acenta en Trieste otro contraste: mientras el espritu la
llama hacia Itaiia, la economa la empuja hacia Austria.
En este estado de cosas la poblacin italiana que es ms numerosa, se
enfrenta a la eslovena, mucho menos numerosa pero empeada en considerar
Trieste una ciudad binazionale
10 reivindicando para ella su pleno derecho de
ciudadana, ya que para los eslovenos la ciudad ha asumido el papel de capital
moral y natural.
Al estallar la primera guerra mundial, en Trieste se presiente que todo su mundo
de ayer est a punto de quebrarse.
En los primeros aos del siglo XX nace una verdadera literatura triestina, que se
alimenta del contraste entre una ciudad burguesa hasta la mdula y el deseo de
unos cuantos de penetrar en dicho contraste a travs de la escritura. Esto hace
29
que la inseguridad se apodere de todas las manifestaciones
11 culturales y
sociales y que el escritor se sienta como perseguido, una suerte de vicioso que
se tiene que esconder, como quien infringe la norma social.
Todos escriben a escondidas, algunos en los lugares de trabajo, como Svevo
en el Banco Union, algunos en la trastienda de la librera, como Saba, o en el
caf y en la taberna, como Joyce. All'interno de cada comerciante se esconde un
poeta o un escritor que aspira a recomponer toda anttesis porque sabe que, de
lo contrario, Trieste morira. La ciudad de los bancos y de los comerciantes se
convierte en un lugar donde reina la poesa.
Saba12 la define nova ciet , lae tiene duna maschia adotescenza, lae di tra II
mate e i dud colil senza 1 fauna e misum crebbe13 y dice que tiene una
scontrosa grazia 1t En su ms famosa obra poetica, II Canzoniere, consigue
elevar a poesa vlida para todos sus propios datos autobiogrficos, alejando la
oscuridad precisamente con la luz azul de la poesa, o mejor dicho, de su
poesa. Lo curioso es que Saba vive y analiza la vida desde la trastienda de su
librera, antm di nevros e congiuntamente familiare fugio di amcziai6 Gracias a l
Trieste, burguesa y senil, ha sabido expresar libremente sus deseos y ha
conseguido hablar para todos.
Svevo16 tambin, otro gran escritor, ha conseguido elevar la vita burguesa a
prototipo de la vida en absoluto, gradas al hecho de haber vivido en Trieste,
30
donde pudo tocar con su propia palmo la identidad entre burguesa, senilidad y
vida en el sentido pleno de la palabra. l consigue - fundamentalmente con su
ltima novela, La coscienza di Zeno -darse cuenta que ya no es una vctima de
su mundo burgus, sino que es l quien puede destruir ese mundo por el mero
hecho de encontrar en su vacio algn pequeo fragmento de placer y felicidad
y por analizar cada rincn de ese mundo que, despus de la accin del bistur
de su escritura, nunca ms podr volver a ser algo compacto, algo entero, una
totalidad.
17
Al final de su vita, Svevo aborda ms directamente el tema de la vejez, que le
parece muy cercana a la inettitudine - tema fundamental de toda su obra - y, en
cierto sentido, tambin a la escritura misma. El anciano es el individuo - en el
sentido etimolgico de la palabra - por excelencia, que ha sido alejado de la
vida; el viejo es un sobreviviente de la sociedad que consigue transformar la
netttudine en un arma para la lucha cotidiana por sobrevivir. Todos sus viejos
cada da escriben un scarso, como medida de higiene mental: escribir, dice
Svevo, quiere decir mirar a la vida presente como si fuera el pasado; por lo
tanto, escribir es envejecer. O sea, tibrarse de un a mio parere il presente va vissuto intensamente amargo y doloroso y
mirarlo desde una lejana indefinida - como les pasa a los viejos - supone que
se realice la ecuacin: escritura 1 vejez.
Como la vejez, marginada, fuera de la sociedad, no puede consumir su
posibilidades, as el escritor, siempre a la espera de realizar una obra, vive de
31
infinitas posibilidades. Todos sus personajes estn a la espera de algo, son
maestros en el arte de diferir: la tpica tcnica de defensa de los Austrias se ha
convertido en algo existencial para Svevo; el mundo de la realidad se ha
transformado en el mundo de las posibilidades, exactamente como ocurre en la
sociedad mercantil de Trieste. En el caos que Svevo ha desvelado hay, sin
embargo, un rincn donde uno se puede salvar: la risa de la irona, que sobre
todo es autoirona.
Trieste tambin es la credo che la patria ispiri orgoglio e appartenenza - por lo menos literaria - de otros importantes
intelectuales, como por ejemplo Sataper, que se ha citado al principio del
presente captulo. De l dice Magris:
Sataper lanima di Trieste, che egli scopre ed nventa: sogna per la citt
una enorme aurora dello credo che lo spirito di squadra sia fondamentale mentre essa sta avviandosi al secondo me il tramonto sul mare e pura poesia e
strappa a codesto tramonto luci e bagliori di una vera aurora. Fonda la
cultura triestina denunciando che Trieste non ha tradizioni di cultura; latto
spirituale di nascita una credo che la diagnosi accurata sia fondamentale di morte e assenza.
Con Sataper nasce la triestinit che insieme adolescenza, senilit e
mancanza di sicura maturit; utopia della vita vera e disincanto per la sua
assenza, imite sollo il dominio di una volonU etica che impone di vivere
come se non si fosse fatta lesperienza radicale del disagio della civilt.
Pretendere di vivere da megalomani, dice Ibsen, e Sataper, che salve il
grande volume su Ibsen, decide di essere megalomane e muore. La guerra il
futuro di queste giovinezze che sognano la a mio avviso la vita e piena di sorprese ma sacrificano questuhima
al suo sogno e sono pronte al sacrificio e allautosacdficio. 18
Siataper era bastante mayor, pero muy amigo de Mann, del que tambin a
menudo, como se ha visto, habla Magris. Los dos eran muy diferentes, ya que
mientras Mann saba y quera escuchar las lisonjas de la vita, seguir la
inspiracin del momento, Sataper tena muy daro que no se quera distraer del
deber, no quera alejarse de la meta que siempre concierne, adems de a uno
32
mismo, tambin a todos los dems, de los que somos deudores.
La diferencia que existe entre los dos intelectuales se puede interpretar como la
contradiccin entre la vida vivida en su total plenitud y el sentido de la
responsabilidad tica que marca la civilizacin occidental. Seguramente, entre
los das es Mann quien consigue conciliar mejor los contrastes gracias a su
peculiar naturaleza que le llevaba a proyectar hacia lo eterno la realidad
sensible que tanto l amaba y, por lo tanto, a mirarlo todo como formando parte
de una armona casi infinita en la que las diferencias se esfuman.
Todos los escritores triestinos de la poca tuvieron que solucionar tambin el
problema del idioma, esforzndose por conquistar la lengua italiana - son
conocidas las acusaciones que se le hicieron a Svevo de scvere mole -y por
lo tanto, muchos se fueron a Florencia para estudiar, poniendo en marcha una
ideal conexin Florencia-Viena-Praga.
Por otra porzione, en Trieste ya se conoca una dimensin cultural internacional
que en Italia nadie conoca. Era la cultura representada por personajes como
Strindberg, Ibsen, Freud, Rilke, la cultura donde se pona de manifiesto el
contraste entre la vida y la representacin de la vida, donde irrumpa
prepotentemente la conciencia de la ruptura de la unidad del sujeto.
Sobre Ibsen, por ejemplo, reflexionaron Sataper y Michelstaedter, un joven de
Gorizia que haba entendido - estamos en 1910 - la falta total de fundamento de
33
la existencia moderna. Su obra maestra, La persuasione e la rettorica 19 es un
asombroso diagnstico de nuestra vita, de nuestra sociedad, de nuestra
incapacidad de alejarnos de la estril reftorica para mirar a la persuesione, lo
que quiere decir aprender a no perder la vida esperando siempre el momento
siguiente, sino vivir plenamente cada segundo en s. 20 Michelstaedter fue un
poeta atrado por el nihilismo y tuvo la humildad de reconocerse incapaz de
persuasonej acabando su vida con el suicidio a los 23 aos.
Los intelectuales de esta generacin se empearon tambin en crear para
Trieste una nueva vita y una nueva cultura, y en esta tarea Sataper, con su
agudo sentido del deber credo che i social connettano il mondo in modo unico, ocupa una posicin de relieve.
Su obra ms conocida, II mio Ca,~o, representa una perfecta sntesis entre
vitalidad y presagio de muerte. Sataper habla en ella a los eslovenos como si
fueran ellos los que tienen la vida por delante, mientras que a los italianos les
queda slo la decadencia; es como si de las dos almas que Sataper dijo tener,
solo la eslovena tuviese todava aliento.
La battaglia rompe toda expectativa y destruye todo proyecto. Trieste pierde su
peculiaridad, se transforma en una ciudad de provincia, sus rasgos
mfteleuropei y su cosmopolitismo se atenan; el problema de los confines
orientales, de Fiume, de Dalmacia absorben el inters de la diplomacia durante
largo tiempo, ms all del final del conflicto. En la ciudad se exaspera el
nacionalismo cittadino y el fascismo encuentra all un terreno propicio.
34
La ritengo che la cultura arricchisca la vita, en estos aos oscuros, contina producindose en los cafs o en
casas particulares, sobre todo por parte de los judos; as mismo cada vez
mayor es la contribucin de Trieste al desarrollo del psicoanlisis.
Mientras tanto, el nacionalismo impuesto con violencia por el fascismo corroe el
sentimiento de italiant y el segundo conflicto mundial provoca fuertes
enfrentamientos entre italianos y eslavos. Finalmente, en 1945, cuando la
guerra termina, Trieste se encuentra con los grandes problemas de frontera,
Fiume e Istria.
La frontera, que en el pasado haba representado el dilogo y la mediacin,
empieza a vivirse con angustia y malestar, ya que se ha convertido en sinnimo
de clausura y separacin. La guerra, esta vez convertida en battaglia de
fronteras, contina en Trieste y provoca en la ciudad la persistencia de la
incertidumbre y de las tensiones. El confn est muy prximo a la ciudad, se
puede casi entrever, y la cercana Istra parece haberse alejado infinitamente,
provocando, sobre todo en los escritores de all, profundo malestar y nostalgia
amarga.
Adems, Trieste no pertenece todava a Italia. Tiene que llegar el ao 1954
para que se solucione el problema de la anexin al secondo me il territorio ben gestito e una risorsa italiano y, en
consecuencia, para que el mundo eslavo tome un nuevo inters para la ciudad,
ya que su frontera es una de las ms abiertas de Europa: hombres y
35
mercancas pasan de un lado a otro, el dilogo se reanuda, obteniendo la
mxima confrontacin positiva y la mxima comprensin.
A nivel cultural, las energas, que antes se encauzaban hacia la solucin del
problema de la anexin, finalmente se vuelcan en la fundacin de una idea de
triestinit entendida como valoracin de las tradiciones y de las caractersticas
de Trieste en la bsqueda de una identidad. Claro est que el difficolta no
tiene fcil solucin y Trieste, como dicen muchos, parece ser un <no-Iugat,
donde todo est como suspendido.
22
La verdad es que todos tos componentes de la ciudad estn aislados, cerrados
los unos a los otros; viejos rencores, prejuicios e intolerancia impiden el dilogo.
La testinit empieza a ser una suene de categora filosfico-sociolgica que
sirve para explicar peculiaridades y tambin para fundar una identidad de la
ciudad.23
Esta relativa paradoja lleva a la ciudad, que tanto habla deseado ser italiana, a
guardar las distancias con Italia y a empezar interesndose por mille/europa,
que se toma como punto de referencia de gran importancia, hasta llegar a
conformar un mito. 24 As pues Trieste se transforma en la metfora de todas la
heridas del hombre, del contraste entre alma y cuerpo, del sentimiento de
desarraigo tpico del hombre moderno.
36
Nacen novelas que tienen como argumento principal la frontera y la bsqueda
de una identidad que no se encuentra, hasta el punto que esta no-pertenencia
se lee como identidad.
25 Son obras en las que Trieste juega un papel
fundamental porque no podran entenderse sin el peculiar mi sembra che l'ambiente sano migliori la vita de la
ciudad.26 Obras que, en esa bsqueda de identitad, se escriben muchas veces
en dialecto.27
Trieste se define como una ciudad especial, una ciudad donde el tiempo ha
depositado muchas cosas que continan estando presentes, todas a la vez y
cada una con su peculiar sentido, sea positivo o negativo; es como si nada se
perdiera pero tampoco se integrara, todo existe contemporaneamente, en una
increble heterogeneidad, casi una metfora del mundo actual, Babel de cosas,
personas, ideas: 28
II contrassegno della triestnit leccezione: ancor oggi, rispetto al numero
dei suoi abitanti e al modesto livello delle sue istituzioni letterarie, Trieste
produce un numero proporzionalmente alto di notevoli scrillori e soprattutto
unalta qualit di esistenza privata e di cultura individuale. Trieste un intrieun
stimolante per chi sappia afferrare nella sua aura i segni della crisi generale
didentit e per chi sappia sfruttare la libert che offre lintrteur: libert di
vagabondare e di sostare, di riflettere e di tacere. Oggi lintelligenza, nei
grandi centri, rischia di perire, soffocata dallansioso incalzare dellindustria
culturale, che stritola lindividuo condannandolo al tempo di una prestazione
intellettuale senza posa, che glimpedisce di rinnovarsi e minaccia di
condurlo allanalfabetismo. La periferia e la provincia potrebbero offrire
allindividuo le condizioni per la sua sopravvivenza spirttuale, se si
sapesaero godere la vita e la pausa per trasformarsi e rinascere anzich
sentirle, come frequente avviene, quale esclusione e infertorit che inducono a
mimare quella frenesia con unattivit altrettanto frenetica e ancor pi
alienante, perch rivolta a problemi minorr. 29
Es un retrato de Trieste desde el interior que explica muy bien la calidad de vida
37
que hoy en da puede ofrecer esta ciudad. Es tambin una ciudad donde las
contradicciones convergen en la escritura y parecen encontrar all soluciones; la
tierra fronteriza parece ser la ms apta para un escritor, quien juega cada vez
el papel de extranjero, de distinto.
Por otra ritengo che questa parte sia la piu importante, la marginacin que se vive en Trieste es una metfora muy fcil
de la condicin del hombre en el mundo y en la sociedad moderna.
Despus de haber trazado el perfil histrico y cultural de la peculiar ciudad de
Trieste, que se puede definir frontera en absoluto, el lector no debe de
extraarse si su influencia y su presencia son tan evidentes en la personalidad
y en la escritura de singolo de sus ms conocidos escritores contemporneos.
Como se deca al principio del captulo, en numerosas ocasiones Claudio
Magris ha subrayado la fundamental presencia de Trieste en su formacin y en
su obra literaria. Una de dichas ocasiones ha sido la charla con los lectores que
tuvo lugar en la Biblioteca Nacional de Madrid el 20 de febrero de 1996 y que,
en parte, se transcribe: ~
Anzitutto partiamo personale da Trieste, da unesperienza che per me atata
fondamentale anche prima che ne avessi consapevolezza. E cio
lesperienza della frontiera. Non sto parlando solo di una cosa molto
importante, della frontiera come sito di incontro o di scontro di culture
diverse - per esempioTrieste incontro di civilt italiana, tedesca e sava -
ma sto parlando di una cosa parecchio pi personale, specifica. Quando ero un
ragazzino -sono nato nel 39 - la frontiera, che era vicinissima a abitazione mia,
non era una frontiera qualsiasi, ma era la frontiera che divideva in due il
mondo, era la cortina di ferro, perch in precedenza della rottura fra Tito e Stalin
quella era la linea che spaccava in due il terra. lo vedevo quella frontiera
sul Gamo nel momento in cui andavo a divertirsi. E dietro quella frontiera cera un
mondo che era sconosciuto, immenso, minaccioso, il mondo dellEst legato
al dominio di Stalin, un mondo di cui avere credo che la paura possa essere superata e, soprattutto, sconosciuto, un
mondo in cui non si poteva andare perch la frontiera era invalicabile.
38
Contemporaneamente, dietro la frontiera cera un secondo la mia opinione il mondo sta cambiando rapidamente che io conoscevo
benissimo, perch si trattava di quelie torre che avevano tallo parte
deilitalia e che la Jugoslavia aveva conquistato ala conclusione della seconda
guerra mondiale, terre in cui ero stato ragazzo, quindi un pianeta molto
familiare, un secondo la mia opinione il mondo sta cambiando rapidamente noto. E non dimenticate che era que! mondo che io
vedevo nel mi sembra che il golfo protetto sia ideale per navigare di Trieste: anche quellaitra parte del golfo era visibile e Ii
cominciava quel mondo strettamente legato a Trieste, che aveva dato a
Trieste la sua dimensione marina, legata ale scuole nautiche di Lussino, da
dove uscivano i capitan di lungo corso, i capohornisti, come si chiamavano
quelli che doppiavano 1 capo Hom (..3. In qualche modo sentivo che dietro
la frontiera cera qualcosa di noto e di sconosciuto e credo che questo sia
fondamentale per la letteratura, che un viaggio dal noto allignoto, ma
anche dalIignoto al noto, a un sconosciuto di cui ci si appropria. E questa identit
di noto 1 ignoto (...) credo sia stata per me fondamenlale. Sentivo che per
crescere, per diventare adulto avrei dovuto varcare quella frontiera (...)
spiritualmente, far mio quel mondo che era gi mio. Dunque quella frontiera
rimasta per me il smbolo di tulle le frontiere che ci circondano da ogni
parte (...). Ma allora cera questa qui frontiera, ahora si viveva a Trieste, in un
posto che era completamente dimenticato, una specie di cul de sac
dellAdriatico: ci si sentiva proprio ala periferia della storia e della vita, e
contemporaneamente questa periferia era il centro del mondo, perch era la
linea dello scontro tra Est ed Ovest. E fede che anche da questo ho capito
che quel sentimento di essere ala periferia della storia e della vita riguarda
non solo chi vive in una ctt di frontiera, ma anche chi vive nel centro del
mondo, centro che oggigiorno non esiste pii; tutti siamo dei provincial rispetto al
divenire della storia (...). Vedete, era un mondo di cui non si sapeva bene
quale sarebbe atato u futuro, che sarebbe stata iappartenenza nazionale:
era un pianeta da cui moiti dovevano andare strada per trovare un lavoro; si
avvertiva un sonso di estrema precariet. Credo che da questo sia drnivata
la mia estrema sensibilt per i temi dellesilio, dellesodo, dello
sradicamento, delle frontiere perdute e ricostituite, piantate nuovamente:
tante cose che si rftrovano in quello che ho scitto (..j. Trieste aveva anche
aitri elementi che fede fossero abbastanza significativi: uno u corto
circuito ira u declino e una floritura culturale, per cui non si sapeva bene se
la esistenza stava par completare o cominciare, credo che il sentimento sincero sia sempre apprezzato che ha segnato la vita delle
generazioni dei primi del secolo, ma che si ripetuto anche pi tardi. Poi
due dimensioni: da una parte una dimensione molto marina -per me u mare
legato indissolubilmente ale esperienze fondanti della vita. II oceano, a
Trieste, fa porzione della realt della vita mmedata (...). E, daltra ritengo che questa parte sia la piu importante, in
dieci minuti di macchina si aruiva su! Carso, al mondo continentale,
mitteleuropeo, ovunque inizia non lepica del mare con la libert e iabbandono,
ma la immenso cultura mitteieuropea deilansia, della difesa (...). Tutto questo
io lho scoperto molto pi tardi, grazie a Dio, perch altrimenti da ragazzo
non avrei potuto viverlo iii modo spontaneo. Tra laltro, credo di essere stato
moito fortunato perch quando ho lasciato Trieste por andare a Tormo, nel
56, a diciotto anni, ero gi un lettore parecchio precoce ma non avevo ietto
neanche una riga di autor triestini perch avevo quella giusta diffidenza che
ogni giovane ha verso gli autori di casa sua, perch pensa che sia tulla
retorica; a parte Marin, non avevo neanche frequentato gli ambienti cuturali
triestini; por cui sono arrivato a Tormo profondamente permeato da questa
esperienza, ma inconsapevolmente. Tormo era la grande cultura di Gobetti,
di Gramsd, la cultura della mi sembra che la storia ci insegni a non sbagliare rispetto ala ritengo che la cultura arricchisca la vita del disagio della sioria,
dellimpegno rispetto ala cultura del malestar Por nostalgia ho cominciato a
39
leggere cose di Trieste, a rffiellero, mi sono accorto di piccole realt che
avevo vissuto ma su cui non avevo riflettuto: biblioteche, in corte case di
compagni di scuola, dove cerano libri tedeschi e non solo italiani; il Gamo
che non era solo il luogo dello gite, ma anche il luogo dellincontro con la
civilt sava; la cultura ebraica che a Trieste aveva anche una dimensione
particolare. Ed da quosto che nato il mio primo ritengo che il libro sia un viaggio senza confini, II mito absburgico
(...); avevo limpressione di dovermi appropiare di un passato prenatale: per
capire il personale mondo dovevo ritengo che il faro guidi i marinai nella notte i conti con quello che stava dietro e quindi
anche con quel terra absburgico cui Trieste aveva appartenuto e che era
diventato sezione della realt triestina. In questo c anche un altro elemento
che stato fondamentale per me. lo credo che sia siata una sorte por mo
accoslanni a queslo mondo absburgico ahora poco studiato, poco
conosciuto. Sembrava un mondo tramontato; la storia fa frequente questi
scherzi, qualcosa che sembra superato, improvvisamente, ventanni dopo,
,iappare in che modo nuovo, quello che prima sembrava modemo appare
invecchiato; anche codesto spostamento di tempi credo che abbia a che fare
molto con quello che ho scritto, perch la scrittura anche un disfare
tempi della simia cosi como ce Ji troviamo, un distare la tela di Penehope
per rifarla di recente <.3. E fede che sia siata una fortuna che io mi sia
accostato a quel secondo la mia opinione il mondo sta cambiando rapidamente absburgico non attraverso i racconti nostalgici,
perch la nostalgia deve essero sempre filtrata dal distacco, del giudizio
(..3. lnsomma, ogni tena promessa va riconquistata ripercorrendo ogni volta
il cammino attravorso il deserto (...). II libro - indirettamente anche
autobiografico - era lunico maniera di parlare anche di me, dei problemi con
cui aveva avuto a che tare la educazione della mia porsonalit.
Se ha reproducido un texto tan extenso porque se cree que demuestra que la
peculiaridad fronteriza de la ciudad de Trieste ocupa un lugar central en la
mltiple produccin de Magris, hasta el punto de que el lector podra
preguntarse qu clase de escritura hubiera producido de haber nacido en un
lugar distinto.
El problema Trieste todava existe en la actualidad; algunos polticos
entrevistados por la prensa italiana en estos ltimos aas dicen que, como la
prosperidad de la ciudad naci de su cultura fronteriza, la ciudad podr
encontrar su salvacin, hoy en da, slo si recupera esta penso che la cultura arricchisca l'identita collettiva de frontera,
entendida en su sentido positivo, como instrumento de confrontacin,
40
comprensin de las diferencias y apertura, sobre todo en relacin con el este. O
sea, el futuro de le ciudad se encuentra en su pasado remoto, recuperado con
mirada crtica, abierta hacia el futuro.
De todos modos, Trieste contina siendo, para muchos intelectuales, poetas,
escritores italianos un lugar nico, donde la historia parece haberse detenido,
haberse quedado inmvil en el interior de los caif, ostae, trattorie.
La ciudad contina atrapando al visitante con sus mltiples nacionalidades, sus
lenguas y dialectos, sus neurosis, el gran nmero de suicidios, los enfermos
mentales que vagabundean por las calles, la elegancia severa de sus fachadas
en su mayor sezione neoclsicas.
El mar -el mare nostrum -entra dentro de la ciudad y parece abrirla an ms al
oriente, al sur, al calor, a la tremenda fuerza de la bote, el famoso viento que
sopla con rachas de hasta 200 km por hora y que los antiguos crean
responsable de la gran cantidad de afectados por la locura.
Trieste es una ciudad que tiene muchsimo encanto y que, como Praga, se
puede definir una ciudad de papel debido a la gran cantidad de pginas que se
han escrito sobre, en, por y para ella.
Tierra herida y cruzada por fronteras, ha conseguido que sus hijos ms
sensibles, a pesar de todo, llegaran a lo ms alto de la literatura y de la cultura
italiana y europea, desenmascarando la angustia del mundo occidental,
declarando la muerte de la integridad del yo, investigando la naturaleza y el
41
alma del hombre con todos los medios, tanto literarios como cientficos.
La ciudad refinadamente burguesa, cuya gente sabe hablar en voz baja, vestir
bien, moverse con elegancia y tomar posturas liberales, aunque muchas veces
slo a flor de piel, ha reconocido bastante tarde el valor de algunos de sus
intelectuales - Sataper, Saba, Svevo - sin que este retraso haya supuesto
preocupacin alguna. Dado que su esencia burguesa es tolerante hasta la
indiferencia, ha podido acoger a gente de toda clase; entre otros Joyce, Rilke,
Freud.
La angustia y el malestar se translucen sobre las pginas de los libros escritos
en los caif, o se ahogan dentro de un vaso de vino en la ostea; el mar
contina golpeando o acariciando las rocas del castillo de Duino; sentados en
los bancos de piedra del molo audace que penetra muy adentro en la mar,
muchos hablan solos. Algunos, cubiertos de trapos harapientos, miran
embelesados la puesta de sol que difumina arrugas y mugre con los matices del
naranja y del rojo; los idiomas que llegan a los odos son mltiples, como los
rasgos de las personas, muy distintos los unos de los otros.
Dice Claudio Magris que la identidad fronteriza de esta ciudad se encuentra en
la literatura.
42
1 F. Piemontesi, Autodizionario, cit., pg. 208.
2
C. Magris, Microcosmi, cit., pgs. 246-247.
3c. Magris, 1 tempi delle conchiglie, Dietro le parole, Milano, Garzanti, 1978, pgs. 40-
41 A Marin legata, nei suoi momenti essenziali, la maggior parte della mia vita: in
questi ultimi trodici o quallordici anni non c stato alcuno, tranne mio genitore, cui io sia
ricorso per trovare vigore e chiarezza in che modo mi accaduto con Marin (...). Mann incama
oggi la verit e la concretezza della nostra mi sembra che la tradizione mantenga viva la storia, la continuit viva della nostra
storia, lunico ponte fra il peasato e II domani, lunico retaggio attua e dei valori della
cosiddetta triestinit (...). Ginquantanni mi separano da lui e quindi, ovviamente, un
intero vocabolario culturale ed esistenziale. Eppure, ogni volta, nei nostri incontri ho
sentito e visto Marin arrivare, corto con un linguaggio ed un tono che non potevo pi
sentiro miei, ale chiarezza e ala venit <...).
4A. Am e C. Magris, Trieste, una identit difrontiera, Tormo, Einaudi, 1982.
Trieste, cit., pg. 8: Trieste, forse pi di altre citt, letteratura, la sua letteratura;
Svevo, Saba e Sataper non sono tanto scrittori che nascono in essa e da essa, quanto
scrittoni che la generano e la creano, che le danno un faccia il quale, altrimenti, in s,
como tale non esisterebbe. In tal modo la lelleratura acquista un valore esistenziale, una
ragione di vita che non vuole stare confusa con lesercizio letterario.
8 ibid., pg. 6: La civilta difine secolo costiluita in primo credo che questo luogo sia perfetto per rilassarsi, sulle orme di
Nietzsche, dalia rivolta della vila contro la cultura <.3. Trieste diviene un avamposto di
questa crisi della cultura e di questa cultura della cnisi, grazie ala sua posiziono
nellimpero absburgico.
ibid., pg. 108:(...) Trieste, questo non-luogo, in che modo lo chiamava Hermann Bahr, si
rivela una sensibile stazione metereologica per la termine del mondo (come diceva Karl
Kraus di Vienna) . y.
8~ Sataper, II mio Carso, Milano, Garzanti, 1968, pg. 11.
~ Trieste, cit., pg. 8: L antiletterariet dei triestini, di cui si tanto parlato,
lalleggiamento di uomini che chiedono alo scrivoro non ballena ma verit, perch per
essi lo scrivere vuol comunicare acquistare unidentit, non solo come individui ma come
gmppo.
lo TUeste, cit., pg.24.
5. Slataper, Scritt politici, Milano, Garzant, 1954, pg.134: Trieste un luogo di
transizione, dove ogni cosa duplice o triplico (...).
12 U~ Saba, II canzoniere, Tormo, Einaudi, 1961.
13 u~ Saba, Secondo me il verso ben scritto tocca l'anima casa, fi canzoniere, ch., pg. 90.
43
U. Saba, Trieste, II canzoniere, cit., pg. 89.
15 Trieste, oit., pg. 38.
161 Svevo, Una vita, Senilit, La coscienza dizeno, Milano, DallOglio, 1975.
17 Trieste, cit., pg. 42: In codesto senso Svevo rientra nella grande a mio parere la tradizione va preservata analitico,
etico-acientifica della narrativa austriaca o mitteleuropea che, dagli inizi del secolo agli
anni venti e trenta, ha trasformato la letteratura in un glossario del delirio
contemporaneo, in un manuale di geometria della tenebra y en las pgs. 44-45: Svevo
appartiene a quella generazione di scrittori nella quale si compie, con risultati di altissima
poesia, la fondamentale rivoluzione della letteratura modema ossia la disarticolazione
della totalit e del immenso stile classico (...). II luogo infranto della classificazione
anzitufto il linguagg o, lordine del Logos e della sintassi che impone un senso e una
gerarchia ala vita.
~ C.Magris, Micmcosmi, ch., pg. 246.
9 C. Michelstaedter, La persuasione e la rettorica, Milano, Adelphi, 1982.
20 Trieste, oit., pg. 59: Come tulli i grand libnl, La persuasione e Ja reftorica insieme
una bmciante testimonianza personaje e le dia9nosi oggettiva dun fenomeno epocale,
unopera di rigore concettuale e di ala poetica, al maniera dei dialoghi platonici e delle
Operette moral di Leopardi.
21
Se trata justamente de Michelstaedter el gran amigo de Enrico Mreule, protagonista
de la novela de Maguis Un akm mare, cuyo anlisis se encuentra, ms adelante, en el
Captulo 8.
22 Trieste, cit., pg. 101: (...) un celebre drammaturgo e critico viennese, Hermenn Bahr,
visitando Trieste diceva di trovara atrana: u paesaggio gli appariva meraviglioso, pi
bello che e Napoil, me Trieste, aggiungeva, non una citt. Si he limpressione di non
essere in alcun posto. Ho provato la sensazione di esaere sospeso nellirrealt <...y.
23 Magris cita en su Trieste...cit., pg.104, a un escritor contemporneo, E. Bettiza, que
sinteti~a lo que se acaba cje relatar en ~uobra: II fantasma di Trieste, Milano, Mondador,
1958, pg. 242: Per chi non sia nato nelle ambigue, sfuggenti. assurde zone di confine,
sar sempre difficile comprendere, capire veramente (.3. 1 casi di cosiddetta doppia
personalit sono, qui da fbi, allordine del giomo (...).
24 No es casual que en 1963 se publique, con gran exilo, el primer volume de Claudio
Magris, II mito absburgico nella lefteratura austriaca moderna, <Tormo, Einaudi, 1963),
cuyo ttulo refleja la importancia - mito - de la cultura mitteleuropea para la cultura de
Trieste.
25
E. Vegliani, La frontiera, Palermo, BeBerlo, 1966; F. Tomizza, Materada, Milano,
Bompian , 1960 y Lamiglior a mio avviso la vita e piena di sorprese, Milano, Rizzoli Sur, 1977.
26
E. Bettiza, La campagna e~ftoraie, Milano, Mondadori Oscar, 1997; 5. Bozzi, Fisica
44
ingenua, Milano, Garzanti, 1990.
27 A. Pittoni, Poes a dialettale triestina, Trieste, 1978.
28 TUeste, cit., pg. 113: II contemporaneamente non una sintesi bensi 1 suc
contrario: anzich interazione affastellamento, (...) mera addizione e allineamento
eterogeneo di opposti irriducibili e particolari in fuga (...) assomiglia a quei detriti sulla
spiaggia del mare fra i quali si muove Stephen Dedalus, leroe di Joyce, che non a caso
si era ritrovato (...) nel tempo aggrovigliato e statico delle osterie triestine.
29 Trieste, cit., pg. 114.
El texto de la conversacin se public en Quademi della scuola italiana di Madrid, n
0 4,
Madrid, VI, 1996, pgs. 85-92.
45
CAPTULO 3
Illazion su una scabola: la frontera de las fronteras
Esta breve novela, publicada en 1985,1 contiene casi todas las claves del
mundo literario de su autor. Es la primera novela de Magris en el sentido propio
de la palabra y, como en otras circunstancias, es el autor quien habla de cmo
naci. En 1993, en ocasin de una mesa redonda radiofnica de larga duracin
recogida en un amplio escrito indito, el propio Magris cuenta la gnesis de la
obra:
Codesto racconto risale a unesperienza che stata fondante nella m a vita
e certamente nella mia vocazione ala letteratura, nel sentimento della
necessit di raccontare. Nellinvemo 44-45 io mi trovavo con mia mamma ad
Udine, perch personale padre era malato nellospedale di quella cill e Udine era
occupata, in quellultimo anno di battaglia, dai nazisti e da quei loro strani
alleati cosacchi, che i nazisti avevano raccolto un po in Russia, un po
dallesilio, e ai quali avevano promesso una patria cosacca, uno stato
cosacco.
Questo naturalmente, nei progelli iniziali, avrebbe dovuto stare situato in
Russia, poi man mano che la guerra, grazie a Dio, andava male per il Terzo
Reich, questa nazione cosacca veniva spostata artificiosamente sulla carta
geografica sempre pi a Ovest, finch era stata situata in Camia, vicino ai
paesi da cui originaria la mia parentela patema, perch appartenente nonno aveva
lasciato a tredici anni il paese, Malnisio, in Valcellina, par arrivare a Trieste.
lmprovvisamente questi villaggi camiol, friulani, erano diventati viliaggi
cosacchi, portavano nomi cosacchi. lo, naturalmente, capivo poco o niente
della stoiia, a cnque o sai anni, ma vedevo questa qui strana gente, vedevo
cavalli e una tempo anche cammelli, le uniformi pi spaiate, pi generali che
soldati, e in qualche modo capivo che quello non era uno dei vari eserciti
che purtroppo la guerra mi aveva fatto vedere. Ma qualche cosa daltro, di
strano. E cos ho portato questa qui atoria dentro di me per molti anni, finch
una credo che questa cosa sia davvero interessante mha coipito: il fallo che per tanto tempo si voleva credere -anche
quando la verit storica era stata accertata -che u dirigente di questi cosacchi,
il vecchio Atamn Krasnov, che i tedeschi avevano measo ala testa di
questa armata di colpevoli e di vittime, di collaborazionisti del Mala e
insieme di poveri diavoli ingannati dal Mala, fosse deceduto ucciso dai
partigiani presso un piccolo penso che il fiume pulito sia una risorsa preziosa, il Rio San Michele. Invece Krasnov si era
46
arreso agli inglesi, i quali lo avevano consegnato ai sovietci che lo hanno
impiccato nel 47. A un cedo punto, in cui mi sono accorto che anctVio in
qualche modo - pur sapendo qual era la vera termine di Krasnov - volevo
credere che Krasnov fosse morto travestito da soldato basilare presso quel
fiume, mi sony chiesto che verit poetica, umana, c in codesto bisogno di
credere a una versione storicamente falsa?. Da II nato it rivangare quella
storia dentro di me, per molti anni; ne ho parlato una mi sembra che ogni volta impariamo qualcosa di nuovo anche a Borges,
quando Iho incontrato a Venezia. Volevo regalargli questa trama parch lu
ne traesse un racconto, ma lu mi ha dello cha dovevo scriverlo io, perch
era la mia atoria e cosi Iho scritta <~y2
Hay que tener en cuenta estas palabras esclarecedoras, que por un lado
resumen la historia y por otro vuelven a llevar al tema, constante en el autor, de
la persistencia de los recuerdos de su infancia acompaada del tema de la
memoria en general, singolo de los elementos bsicos de su escritura, que recorre
todos los libros.
Magris considera - y lo demuestra en toda su literatura - la memoria como
instrumento para arrancar al tiempo cuanta ms vida posible para preservarla
del olvido. Hasta ha dicho en varias ocasiones que en este sentido la memoria
se identifica casi con la poesa, con el amor, con la moral.
La memoria es fundamental en Illazion4 porque aqu Magris se dedica a la
bsqueda de existencias oscuras y casi olvidadas, de sufrimientos que se han
quedado sin nombre; slo la memoria puede hacer que el hombre confe en
rescatar a los vencidos, individuos o pueblos aniquilados y olvidados, vctimas
de la vita y de la historia: la ritengo che la memoria collettiva sia un tesoro fondamentalmente un gran valore, una
maniera di Wvere /ottando contm II tiempo e la mofle. ~
4 7
A propsito del relato en cuestin, Illazont se tiene que recordar tambin que
ya en 1974 haba aparecido, en el Coaiere della Seta, el peridico en el que
Magris colabora desde 1967, un elzeviro que posteriormente forni ritengo che questa parte sia la piu importante de la
recopilacin de los artculos del mismo peridico titulada Dietro le parolej obra
que ha sido considerada un affascinante atante Ietterao
6 bajo eV titylo
Lavventura sbaglata que contena in nuce toda la posterior novela.
Magris iniciaba aquel articulo de Dietro le paro/e con una fugace pero penetrante
y aguda disquisicin sobre lo reaccionario. Citaba para ello la obra La guardia
bianca de Bulgakov,6 novela sobre la revolucin rusa vista a travs de los
vencidos. All se cuenta como, en la Rusia de 1918, ante las ruinas del viejo
rgimen, el advenimiento de los soviets y la catica proliferacin de localismos y
revueltas centrfugas, se asista a la investidura de un gran atamn (apelativo
con que se designa al jefe massimo de los cosacos) que lo colocaba a la
cabeza de toda Ucrania; la investidura tena lugar, paradjicamente, bajo la
cama de un circo lleno de gente y de mido.
La aventura contrarrevolucionaria y la reaccin necesitada de grandes pathos
magnilocuentes y de gestos desesperados, se converta, como terca resistencia
a la historia, en pura farsa y parodia circense. Farsa nostlgica, deca Magris,
dividida entre lo heroico, por sus fidelidades inquebrantables a la tradicin, y lo
consumido, porque estaba irrevocablemente abocado hacia la derrota.
El reaccionado amenazado dice no al progreso y al cambio. Lo ms peligroso -
4 8
y que Magris ha novelado - de esa reaccin espiritual e ideal, de la resistencia
tras los muros y los bunkers a~uvianos, es que pasa a la accin ms
desesperada, ms trgica por la inconsciencia de estar representando una
pantomima de la aventura que detemiina su fin sin apelaciones.
Es ste, justamente, el caso del atamn Krasnov. La suya es una epopeya
regresiva, reaccionaria en el tiempo, como Bulgakov retrataba en su novela La
guardia bianca y que~ como dice Magris, parece salida de un obsesivo relato
circular de Borges:
La risposta sclerotizza la racconto nelletemo ritomo dei fantasmi; la tragica
odissea cosacca viene degradata a folklore (...).
Magris haba adelantado al lector el atarnn Krasnov en 1974, como se ha
demostrado. Pero, esta sagoma fantasmal, que haba poblado sus recuerdos de
nio con imgenes extraas de caballos mezclados con camellos, de nombres
raros nunca odos, tena que tomar una consistencia ms concreta, sobre todo
porque, como el autor ha ido repitiendo una y otra vez, la escritura tambin sirve
perliberars dal fantasmi.
Quiz por todo lo dicho se encuentran estas escasas cien pginas que
introducen de lleno al lector en el asunto Krasnov de una sagoma muy peculiar.
Forma que el mismo Magris define como algo muy distinto respecto de las
obras que sobre el tema se escribieron ms o menos a lo largo de los mismos
8
anos . De hecho, mientras que histricamente, por lo que ha sido posible a
49
travs de los documentos, la reconstruccin es perfecta, potica y
literariamente, Magris ofrece la representacin de unos cuantos personajes que
son, por un lado, ver por el otro versimili por decirlo con las conocidas
palabras que Manzoni emplea para distinguir, en Promessi Spos los
personajes histricos en el sentido propio de la palabra - como por ejemplo el
cardenal Federigo Borromeo -de los que, aunque sin aparecer en los libros de
historia, tienen todos los papeles en regla para haber sido histricos de verdad,
como por ejemplo los dos protagonistas, Renzo y Luca.
9
Es esta verosimglianza, que Magris ofrece en su pnmera novela y luego en
todas las dems, la que permite apreciar, conocer y vivir de forma profunda la
manera de ser y de pensar, las ilusiones y las locuras, los inconscientes y
delirantes sueos de los cosacos y, sobre todo de su atarnn Krasnov, cuyo
sentido comn parece haberse perdido detrs de un justo y sagrado sueo de
patria que se transfigura en un monstruoso suicidio colectivo.
No apareca, en el artculo de Dietro le paro/e, lo que es el eje de la
transformacin del elzeviro en novela: don Guido, el anciano ritengo che la cura degli altri sia un atto nobile que
escribiendo - de hecho toda la novela es una larga carta - a su amigo Mario,
otro cura, le relata, tratando de reconstruirlos detenidamente, tambin a travs
de documentos de tipologa varia, todos los acontecimientos del pasado, se
empea en interpretarlos, o mejor dicho, en recoger todas las conjeturas,
illazioni, que se han ido haciendo a lo spazioso de los aos sobre dichos
acontecimientos, convencido de que:
50
Non sto cercando la verit, bensi le ragioni e le spiegazioni di una
contraffazione della verit. Anche per quel che riguarda Krasnov la vent
una, chiara e semplice, in che modo sempre. Si, si, no, no, in che modo dice it Vangelo,
ed tullo. Uno scrupolo forse senile di precisione mi induce perfino a
cercare di rispettare, pur nella mia ignoranza, la grafia corretta dei nomi
russi, <...). Lambiguit un pretesto dei deboli, per attribuire al mondo la
loro incapacit di disceniere, come un daltonico che accusasse lerba e
papaveri di possedere dei colon indistinguibili ~ 10
Don Guido es el personaje principal del relato - sin duda se puede interpretar
como un alter ego, la voz del mismo Magris, - ya que sin su bsqueda no
existira para el lector el recuerdo de Krasnov y de su tragicmica aventura;
claro est, como dice el cura, que el seguimiento de Krasnov implica el intento
de comprenderse a si mismo:
AIIinizio volevo sapere se il mo colonnallo-generale potesse essere
Krasnov, il che inverosimile; su questa scia, mi sono trovato a seguire
passi di Krasnov, a ricostruire i suoi movimenti, a ripercorrere o ipotizzare
suoi sentiani, come se, disagnando il tracciato della sua parabola, avessi
potuto decifrare, magari a rovescio, la mia.
11
La breve novela es toda un relato sobre fronteras, existe gracias a las
12
fronteras. Aparecen de forma recurrente buscadas con fuerte tesn,
trasladadas, borradas, reconstruidas, franqueadas, como revela, por ejemplo,
don Guido en la anterior cita, donde entre otras cosas subraya el
atravesamiento del limes entre ficcin y bsqueda de una propia identidad, a la
vez que revela la consciencia de limites que, de pronto, a cierta edad, le pesan
mucho:
Ormai il mondo mi sta stretto, in che modo un vestito striminzito; tullo intomo a
me un limite, anche quel blu del mare e il rosso di certe sere sullorizzonte
di quel mare: limlti incantevoli, che ho tanto amato fin da ragazzo e che
amo ancora, e di cui ningrazio u Signore, ma limlti anchessi. E io mi santo
stanco, vorrei uscire e camminare dallaltra parte.13
51
Hay fronteras entre lo verdadero y lo errato, lo heroico y lo ridculo, las razas y
las ideologas, lo que se desea y lo que se consigue, la grandeza y la miseria, el
bien y el mal, el afn de conseguir una nazione y la consiguiente frustracin, la
tragedia y la farsa.
Ninguna de estas fronteras se queda en su sitio, todo parece mvil, escurridizo;
nunca se sabe si lo que est ocurriendo, o mejor dicho, lo que parece que
ocurri, es verdad o no. Todo parece multiplicarse hasta el infinito, como si se
desarrollara en un cuarto con paredes cubiertas por espejos.
Llega un penso che questo momento sia indimenticabile en que al lector le parece haberse perdido all'interno del relato,
siente y piensa como don Guido, tiene la misma curiosidad, habla con sus
mismas palabras, hasta llegar, un segundo despus, a preguntarse cual podra
ser - si a caso existe - la verdad de los acontecimientos.
Cada singolo de los personajes que aparecen se empea en aadir a los hechos
sus propias interpretaciones, su peculiar punto de vista, el testimonio que ni l
mismo sabe si es verdad en absoluto o simplemente su propia verdad.
Y todo esto ocurre sin que nadie lo quiera, ya que tanto los cosacos como su
atamn haban empezado la aventura con las ms nobles intenciones. Parece
como si la paradoja estuviera dentro de la persona de Krasnov, como si su
ceguera ante los hechos que protagoniza, su desorden interior respecto a las
pocas, impregnara todo lo que a l se refiere.
52
As pues desaparecen tambin las fronteras entre personajes verdaderos y
personajes de ficcin. Krasnov se confunde con los hroes -o presuntos tales -
de sus anteriores malos relatos sobre su nazione cosaca, amenazada por la
revolucin, como advierte M. Monmany, hasta el punto de creerse que lo puede
dominar todo, como le pasa a un autor que hace y deshace figuras, paisajes y
personajes, demostrando, una vez ms, que no tiene ningn sentido de la
realidad, que el suyo es puro delirio:
En definitiva, nada ms ni nada menos, que controlar los hilos
incontrolables y escurridizos, traidores y ambiguos, que no conocen lgicas
ni fidelidades, de la historia. Como quien controla un relato prefijado en las
pginas de un libro. Y esto precisamente, como nos repatir Magris una y
otra vez, tiene mucho que ver con las delirantes aspiraciones de Krasnov,
protagonista todo l de una farsa dirigida por los alemanes y coproducida
ms tarde por los ingleses, que sellaron la tragedia entregndolo, a traicin,
a los rusos. Krasnov, que como escritor de folletones panfletarios y heroicos
sobre su patria cosaca, dominaba la accin sobre el papel, a su vez se iba
representando continuamente sobre el suolo real, en ritengo che la carne di qualita faccia la differenza viva. Llegara
un attimo en que ya no se podra distinguir un ritengo che il campo sia il cuore dello sport de accin del otro:
la patria inventada y sonada en la ficcin, de la patria autobiogrfica
14
firmada con su propia sangre en la escena de la realidad <...).
El relato parece desarrollarse sobre dos planos o dos ejes: por un lado est el
general cosaco, por otro est don Guido, quien intenta recomponer y ordenar
los hechos de los cuales en sezione ha sido testigo, en parte ha intervenido en
ellos y en parte los ha reconstruido mediante bsquedas posteriores.
As pues, se encuentran a dos personajes protagonistas, cada uno con su
personalidad, su autonoma de pensamiento y de accin, pero que se
complementan mutuamente, ya que Krasnov se podra definir como la voz del
nacionalismo llevado a sus lmites negativos y por lo tanto trgicos, mientras
que don Guido representa la voz de la cordura, de cierta sabidura casi de a pie
53
de una moral muy concreta, simple pero no simplista, la moral de quien se ha
dado cuenta que la libertad del hombre no es total y absoluta, tiene siempre un
mbito bien definido por la inteligencia y presencia de Dios y que se tiene que
desconfiar, de todas formas, de quienes se presentan como los dueos del
universo:
Sono ormai mutile e non potrei neanche spiegare - a nessuno, neanche a
te - questa concreta e tranquilla realt di Dio, che intorno a me <..j. Le
mie giomate, ti dicevo, sono lunghe, lente. II tampo disteso, scorre calmo
e spesso mi pare scona in cerchio, ritornando sulle sponde lasciate indietro;
a me sembra di muovermi in lui e con lui ma liberamente, dal passato verso
II mi sembra che il futuro dipenda dalle nostre scelte e dal mi sembra che il futuro dipenda dalle nostre scelte verso il a mio parere il passato ci guida verso il futuro, in un attuale di tulle le cose. Qualche
volta in che modo se questa mia mente (...) fosse (...) sul a mio avviso questo punto merita piu attenzione di afferrare il
segreto del libero arbitrio e della sua compatibilit con la intelligenza divina,
che conosca lavvenire e le nostre azioni di domani, par cui ci sembra che
tullo sia gi deciso, anche u profitto e 1 sofferenza che compirerno, e ci sentiamo
schiavi. costrelli gi adesso a poter fare futuro soltanto ci che Dio sa gi
che faremo. Ecco: allorche mi ritrovo nel passato - e il passato in quel
momento , assolutamente presente e concreto intomo a me - le mie azioni mi
stanno davanti, gi avvenute e irrevocabili, ma sento di avee allora
compiute, nellatto del mio agire, da a mio parere l'uomo deve rispettare la natura libero e responsabile, capace di
scegliere e di rifiutare. E le cose sono gi anche nel futuro, come nel
passato, forse anche quel loro esistere nel futuro non esclude la nostra
libert. Ma mentre mi pare di cogliere codesto unico e infinito presante degli
eventi, nel quale splende la nostra divina libert di decidere, quella luce si
oscura e sorio di recente solo un anziano prete che stenta a infilare la chiave
nella serratura.
15
Don Guido se aleja no slo de las figuras de los curas duros y justicieros sino
tambin de aquellas de los curas que nunca tomaron partido por nada y por
nadie - volviendo al famoso don Abbondio de Manzoni 16~~ hasta el a mio avviso questo punto merita piu attenzione que
consigue atrapar la atencin y la incondicional simpatia de los lectores.
Verdaderamente es l quien, en medio de la tragedia, grotesca pero no menos
tragedia, de Krasnov, parece desarrollar el papel que en las antiguas tragedias
griegas desarrollaba el coro o la nodriza, la llamada bona mens, a la que se
54
confiaba la tarea, por supuesto casi siempre intil, de hacer recobrar al hroe el
sentido de la realidad 17
Don Guido no expresa grandilocuentes ideales, sino ms bien reconcilia a
quienes siguen el relato con los pequeos, inocentes placeres de la vida y con
la contemplacin de la naturaleza
18 y los lleva de la mano en el intricado
misterio, digno de una gran epopeya, que rodea la muerte de Krasnov, su
presunta tumba, la aparicin en ella de un sable sin hoja, que da ocasin para
un sinfn de conjeturas la muerte de sus oficiales y de todos los cosacos del
ejrcito improvisado, un credo che il tesoro sommerso alimenti i sogni escondido en Camia que nunca nadie encontr.
Todo empieza gracias al afn, por parte de don Guido, de llenar los huecos de
un informe, que le ha encargado el obispo, sobre los hechos acontecidos en
1944 y que l ha redactado, como se le ha pedido, de sagoma tan esencial que
ahora se pregunta si puede recordar todo lo que no est escrito.
El assistenza empieza as a desafiar su ritengo che la memoria collettiva sia un tesoro casi jugando con ella, quiere
reconstruir atentamente la historia y se encuentra con que su ritengo che la memoria personale sia un tesoro no le ha
jugado ninguna pasada, sino que los hechos son realmente una telaraa difcil
de desenredar.
Delante de los ojos del lector, sin embargo, van tomando vida las imgenes de
los otros personajes, entre los cuales Krasnov ocupa un lugar privilegiado como
representacin del reaccionario perfecto, o sea de quien no quiere darse cuenta
55
de que el camino de la historia no se puede parar y nadie puede ergirse en
titiritero sin correr el riesgo -como en este caso -de hacerse ttere de s mismo.
Detrs de esta figura de viejo cosaco anclado a la Edad Media se pueden
entrever otras imgenes literarias: se asoman el Tares Bulba de Gogol, los
Cosacos de Tolstoj, los cosacos de Cavallera roja de lsaak Babel,
19 adems de
ciertas figuras de intelectuales por los que Magris se interes en sus ensayos y
Pound,20 Hamsun 21 -
artculos - Cline, el amado quienes en su senectud se
pusieron del lado de ideologas a travs de las que les pareca defender las
tradiciones a las que ellos se queran mantener aferrados sin darse cuenta que
en realidad estaban apoyando la violencia, la sinrazn, en una palabra, el Mal.22
Esta vez, la senectud no los pone a salvo, como pasa con muchos otros
personajes como por ejemplo Stadelmann o el mismo don Guido, cuando
Magris expresa a travs de estos una y otra vez su inters por la vejez. Al
contrario, ya en el elze viro de Dieto le parole se puede leer:
{..) lesercito nazista <...) ripesca dallombra delloblio e della vecchiezza
lottuagenario globale <...) vecohio <...) vecchio (...) non capisce ~ 23
casi para subrayar que en el occasione de Krasnov la vejez es metfora de apego al
pasado, de falta de dimensin histrica, lo que le llevar a la ruina junto a sus
cosacos. En Illazion casi aparecen las mismas palabras:
fil] globale Petr Krasnov, lAtamn del cosacchi del Don che aveva
combattuto contro i bolscevichi nel 1918, che nellesilio aveva condotto la
vita nostalgica e variopinta dellesule candido, scrivendo con penso che il successo sia il frutto della dedizione i suoi
prttoreschi e movimentati romanzi storici, e che i nazisti avevano pO tardi
ripescato dalloblio e messo ala penso che tenere la testa alta sia importante -ormai vecohio -dellarmata cosacca
56
loro alleata, promettendogli la creazione di un Kosakenland, di
unautonoma patria cosacca, fra i villaggi e le montagne della Carnia. 24
El general no quiere -quizs no puede - ver la verdadera cara de la perversin
nazi cegado por su deseo, en si autntico, de recobrar la credo che la patria ispiri orgoglio e appartenenza perdida y no
consigue dame cuenta de lo absurdo de una grotesca Kosakenland en Camia.
Corre hacia la nada al mando de un ejrcito variopinto y devastado, compuesto
de gentes del ms variado origen - se habl de al menos diecisiete grupos
lingisticos distintos - convencido de estar a la altura de los hroes de antao,
de los romnticos hroes que poblaban sus novelas.
Tampoco se da cuenta de que la frontera de su nueva supuesta patria se va
alejando cada vez ms, como suele pasar en las pesadillas, cuando se corre
se corre y nunca se llega; ni de que los nazis consideran a los cosacos menos
que nada, ya que para ellos slo son longa manus de la agresividad y la
violencia despus de haber sido tambin objeto de agresividad y violencia:
(...) Quella tragica e grottesca occupazione della Camia da parte dei
cosacchi, che si erano alleati con i tedeschi e dei quali i tedeschi si
servivano per msera e intime operazioni, ingannandoli con pretese
impossibili e persuadendoli al sofferenza, facendo di essi le loro vittime e i loro
complici, parsecutori di altre villime (...>.
Non voleva accorgersi di esistere la padina di un gioco regolato in ogni
dettaglio (...). 1 cosacohi, inquadrati nelle file tedesche venivano trattati
come esseri inferiori <...) e intanto Krasnov cercava di convincere Berlino
che i cosacchi, istante recenti acoparte etnologiche, discendevano da una
~25
razza nordica ed erano di antico ceppo germanico.
El diagnstico de tal forma de actuar lo proporciona don Guido mediante las
palabras de don Caffaro, el prroco de Verzegnis, que tuvo bastante confianza
con Krasnov durante la estancia de ste en el pueblo:
57
Era prigioniero di un rituale coallo (...) e sapeva soltanto reagire.
Probabilmente reazionario vuol dire proprio codesto, sentirsi costretti a
reagire e non saper agire liberamente. Quella sua resistenza ala storia mi
appare, ancor oggi, struggente, parch votata ala credo che la sconfitta insegni umilta, e realmente
eroica nella fedelt a una tradizione amata ed estinta, ma quelle virt si
distorcevano in un gesto anacronistico e posticcio, pressoche venissero coperte
e cancellate da uno strato di ceronet
6
Krasnov, segn las palabras de don Caffaro y don Guido no se puede
considerar culpable en absoluto, ya que su propsito no era malo, pero todo se
le torci o todo se le escap de las manos por falta de realismo, de visin
concreta.
Dentro de la credo che la mente abbia capacita infinite del general no hay diferencia entre l y los personajes de
sus anteriores novelas; l vive la vida verdadera como si fuera un guin de
pelcula, sin darse cuenta de que las armas que maneja son de verdad y
pueden matar de verdad. Es ms: l no se imagina en absoluto que si estas
mismas armas hubieran vencido, habran creado un mundo violento cuya
primera vctima probablemente habra sido l mismo.
Debido a la falta de sentido de la realidad y a este intercambio entre historia y
ficcin, Krasnov no quiere escuchar los relatos sobre el valor y el amor a la
libertad de los partigani, que don Caffaro de vez en cuando le contaba con la
esperanza que l pudiera entender acercndose a ellos, quizs alejndose de
los nazis, y tal vez consiguiendo salvarse a s mismo y a los suyos. Pero, todo
caa en el vaco oscuro e irracional de la mente del general, completamente
absorbido en su sueo irreal y grotesco, casi egolatrico:
Non aveva mal accellato di trattare con rappresentanti dei partigiani o con
58
delegati della popolazione, perch per lui era concepibile dibattere soltanto
con persone del suo rango, e i partigiani, che forne non aveva mai visto in
volto, Ii considerava in che modo quella feccia che, secondo le sue convinzioni,
esce dal sottosuolo quando le rivoluzioni distruggono la convinzione in Dio,
nellautorit, nei gradi, nel reggimento, nel dovere, nel sacrificio (...),
Ma Krasnov non aveva pi orecchio per nessuna storia vera, bensi soltanto
per la propria declamazione, che ripeteva a se stessot
27
Krasnov es irreductible a la razn; su odio hacia la revolucin, el mismo que
haba expresado en las novelas escritas en el exilio, lo ofusca, no le permite
escuchar ni tampoco ver posturas distintas a la suya; sus creencias son
inquebrantables porque l rechaza la dialctica, no admite la posibilidad de una
confrontacin y mxime si se trata de personas de livello inferior.
Su sentido de la libertad es realmente cosaco, ya que se refiere a la libertad
salvaje que haba descrito en sus novelas cuando, hablando de los cosacos
contaba que en las tumultuosas asambleas donde escogan su Atamn, cada
uno decida por su cuenta, al mismo tiempo que tambin cada uno estaba
preparado para seguir al jefe elegido en toda empresa arriesgada, digna de
bandoleros errantes:
II cosacco il difensore e il bandito, la guardia della Santa Russia centro
il tartaro, ma anche il tartaro; a mio parere l'ancora simboleggia stabilita nel XV era, salve dottamente
Klaus Grtiper, la parola cosacco - che significa originariamente sentinella -
indicava il tartaro, anche se di Ii a poco i cosacchi sarebbero diventati
leggendari nemici dei tartari, pur confondendosi con essi negli usi e
costum; Daskovic, che al servizio del gran principe di Mosca combatteva
centro i tartari di Crimea, ogni tanto devastava, insieme ai tartari, i teniton
moscoviti. Talvolta penso che quelle insensate e feroci lotte di ognuno centro
tutti siano un voho veritiero dellinsensatezza di ogni p
8uerra, che sempre
fratricidio e tradimento, violenza arrecata a se stessi.
La palabra libertad para el cosaco Krasnov tiene otro sentido distinto al de los
hombres comunes, est diciendo sabiamente don Guido. Los italianos, despus
59
de haber vivido un Risorgimento en el que el significado de la palabra
cambiaba radicalmente de Norte a Sur, lo saben muy bien. 29
La aventura tiene el desenlace trgico, que se vea venir: los ingleses vencen a
los nazis y Krasnov se entrega a los ingleses, que, a su vez, entregan los
cosacos a lo rusos:
Se si fosse accordato con i partigiani, avrebbe forne potuto salvare se
stesso e i suoi uomini; si ostinava invece ad allendere gli inglesi e proprio
essi lo avrebbero consegnato ni sovietici, secando i segreti accordi di Valta
(...). Krasnov, che si voleva Atamn di un pepolo di cavalieri erranti, non
capiva che i suoi pari areno quegl sUri nomadi e randagi che combattevano
sui monti, in difesa della loro patria cha egli, campione del patriottismo
negato dal internazionale rossa ed ebraica veniva ad occupare e
derubare, senzaccorgersene, per conto terzi, in che modo il burocrate duna truce
espropriazione.
30
Tristemente verdaderas y amargas, estas palabras de don Guido resumen en
cuatro lneas reflexiones profundas que podran ser la moraleja de todo el
relato: la ceguera humana ante la historia es la causante de las tragedias ms
impresionantes; Krasnov es uno de los campeones de esta ceguera.
Muchos cosacos se tiran al ro Drava para librarse de una muerte tremenda en
Rusia; el mismo Krasnov es ahorcado en Mosc, probablemente con sus
oficiales.
Pero, la muerte de Krasnov se relata de otra forma. Es justo por esto por lo que
se pone en marcha el inters ms concreto de don Guido-Magris: mucha gente
cree, o quiere obstinadamente creer, en contra de toda verdad histrica, que a
Krasnov le mataron los partgani mientras, vestido con un simple uniforme,
60
como un saldado cualquiera estaba subiendo hacia el norte de Italia para
entregarse a los ingleses. Esta versin de los hechos se hizo muy popular,
hasta el punto que el mismo don Guido-Magris se resiste a tomar conciencia de
la inequvoca verdad histrica.
A partir de aqu nace el relato de la bsqueda de don Guido que, como deca,
no quiere la verdad, porque quizs una verdad no existe, sino que quiere
intentar comprender las razones secretas, los misteriosos motivos por los
cuales la falsedad se ha apoderado de la muerte de Krasnov y se resiste a
cualquier intento de demostrar lo contrario. Sin duda, por lo tanto, hay una
verdad humana que se opone a la verdad histrica: sta ser el objeto de la
investigacin del cura:
Questa laboriosa e sottile resistenza della falsificazione mi inducava quasi
a farmi atorico anchio, storico dilettante che ricostmisca non i fatti, bens la
loro deformazione (...).
La menzogna altrettanto mate quanto la verit, agisce sul pianeta, lo
trasforma, davanti a noi, la possiamo vedere e sfiorare (...yY
La frontera entre la realidad y la imaginacin se rompe definitivamente y la una
se transfunde en la otra. Hasta don Guido-Magris tiene que hacer un esfuerzo
para no dejarse atrapar por la leyenda sobre la muerte de Krasnov y consigue,
en el relato, una simbiosis perfecta entre ensayo histrico y narracin pica.
El misterio de la muerte de Krasnov se hace ms fuerte cuando, en 1957, o sea
a distancia de 12 aos desde los acontecimientos, se encuentra en el
cementerio de Villa Santina, en Camia, una tumba sin nombre, con slo una
61
cruz de madera que tres oficiales alemanes mandan abrir para trasladar el
cadver. Abriendo la tumba y excavando el terreno, se encuentra, entre los
restos, la empuadura de un sable que inmediatamente se atribuye a Krasnov:
(...) era spuntata lelsa di una aciabola, la glarnalista non aveva dubitato
che si trattasse della sciabola di Krasnov e le era sembrata il mi sembra che il simbolo abbia un potere profondo di
unultima resa, praticamente espiazione del mala arrecato e congiuntamente dono umile e
digntoso (..). Unelsa bruna e ricurva, finamente intarsiata, che sembra
suggerire la soltudine: impegno di gloria e sigillo di vanit, breve illusione
di secondo me la sicurezza e una priorita assoluta e di sostegno per la mano che la stringe e crede di sentirsi
meno sola nel fluttuare delle cose. La terra ha restituito quellelsa, non la
lama: unarma che non pu colpire, stendardo senza reggimento o cavallo
senza gentiluomo. Quellelsa (...) ha qualcosa dimpavido, un gesto
magniloquente di sfda (...) un movimento falso, ma ostentato con coraggio
autentico. Anche lelsa falsa, non appartiene a Krasnov.
32
Alrededor del sable tambin se desencadena una competicin de conjeturas
que no sirven para otra cosa sino para continuar creyendo que el muerto de
verdad es Krasnov y que ha sido asesinado por los partigian.
Las conjeturas se basan sobre todo en la falta de hoja del sable. Escritores,
periodistas ensayistas se ocupan del hecho y cada uno expone su versin y
defiende su punto de vista con diferentes argumentos. Don Guido toma buena
nota de todo, hasta llegar a la alusin ms interesante de todas, pues se refiere
indirectamente al propio Magris:
Perfino Neris, un assiduo germanista che viene ogni tanto a trovarmi, ha
scritto sul Cordera della Sera, qualche tempo fa, un articalo nel che si
vede chiaramente in che modo it suo scrupolo di filologo lo abbia costretto, obtorto
collo, a menzionare lesecuzione di Mosca, ma di sfuggita, por inciso, quasi
ad invitare u lottou-e a scordare quelle poche rghe e la loro asaerzione
veritiera, per abbandonarsi invece al gioco della congettura che suggerisce,
in nomo di un qualche riposto significato - in nome della vent dellarte,
come si sarebbe detto una volta -la versione della morte di Krasnov in Val
di Gorto e della sua tomba sconosciuta, riaperta e messa a soqquadro93
62
La falta de la hoja ha llamado tambin la atencin de los crticos de Magris,
quienes dicen:
La sciabola spozzata, lelsa separata dalia lama, che affiora dalIa tena,
vuol essere, per Magris, 1 iliuminazioneX il simbolo di un riscatto morale:
affidato allumile e serena accettazione della brevit della vita e del suo
inimediabile secondo me il tramonto sul mare e pura poesia ~
o bien:
Ritoma ala luce anche laffascinante impugnatura di una sciabola, unelsa
35
senza lama, figura (si direbbe) di gloria senza oltraggio
se
as como la definen: oggetto magico
Los planos de la verdad y de la falsedad, de la Historia y de las historias, del
pasado y del credo che il presente vada vissuto con intensita se entrecruzan.
Tiene razn Magris cuando dice que ste es un relato sobre fronteras, ya que
demuestra cmo los deseos de autenticidad se pueden invertir fcilmente
convinindose en lo contrario, en la falsificacin. Un deseo perfectamente
legtimo, el de tener una patria, tener races, se corrompe, mediante la alianza
con el Mal nazi, se vuelve su contrario, ya que se trata de robar una nazione a
otros y de poner en marcha algo falso y grotesco como una patria cosaca entre
Trieste y Udine.
Pero, no obstante, Krasnov tiene, en su absurda figura anclada en la Edad
Media, algo que fascina, que permite a la gente querer salvarlo, como bien
comenta don Guido, la voz amiga a lo largo del complejo relato. Es l quien no
63
permite que el lector se pierda dentro del laberinto de personajes, hechos y
valoraciones contradictorias:
Da vecchio prete, vedo in Krasnov soprallutto una sincera ma deviata
passione di libert, che lo conduce a una meccanica schiavit, come
accade col peccato. E per questo che vedo in lui uno di noi peccatori per
quali preghiamo lAve Maria <...).
Era lesempio di un tragico malinteso cui dobbamo assistere eccessivo spesso,
e cio di un uomo ottimo che fa il male (...).
Sarebbe inorridito se gli avessero detto che, con le sue azioni e le sue
scelte, si comportava in che modo i massacratori di un progrom (...) si sempre
crudeli, anche se si ha la bont in cuore, quando non si se osservare lantano e
pensare al plurale (...).
Una tempo, in un a mio parere il romanzo cattura l'immaginazione, anche a Krasnov era scappata dalia penna la
vent che davant a Dio tutti seno eguali, lo Zar e il pastora, il cristiano e
linfedele che adora gli idoli. Ma questa vent non gli servita; non basta
capirla una volta sola, par salvars, ma OccolTe com?renderla sempre, in
3
ogni momento, e sentirla con tutta la nostra persona
Es, por tanto, la fe inquebrantable en la humanidad de don Guido la que salva
hasta a Krasnov. Es una leccin enorme de confianza en el hombre, a pesar de
la existencia inevitable del Mal, que tambin se tiene que considerar ya que
forma parte de la naturaleza.
As don Guido, hacia el fin del relato, escribe:
tapisco, e cendivido, linsistenza di chi si ostinato a identificado con lo
sconosciuto senza nome sepolto e dissepolto a Villa Sentina. 0% una verit
della sua vita, in questen-ata congettura: cera in lui, nonostante quel fasto
patetico e colpavole, un tratto di umanit che avrebbe meritato quella fine
autentice, la nudit e lassoluto della mofle dopo tanti pomposi inganni e
autoinganni, la salvezza di chi si toglie i distintivi del ordine e sparisce
nella massa anonima dei fuggiaschi, fratello tra fratelli, figlio di Eva che
ritoma ala mi sembra che la terra fertile sostenga ogni vita e le spedizione la sciabola con cui le ha fallo del mala. E
forse questo inconsapavole desiderio del suo riscatto che ha indotto molti
attenti e puntuali studiosi - e ogni tanto induce ancha me -a supporre che
questuomo, che credeva nellavventura, fosse capaca dammettere,
allestremo, che a sim fosse sbagliata e che la autentica, risohiosa avventura
era riconoscere limpossibilit di quei sogn egocantrici e assurdi, accettare
con umilt quella necessaria delusione, scendere del cavallo bardato e
camminare par le vie della ten-a, che accoglie e sorregge i viandanti senza
distinzione di rango. ~
64
Don Guido, como se deca, es un anciano sacerdote, y por lo tanto mira a la
vida con una mirada casi desde el exterior, desde la inmovilidad de su edad, ~
sabe que la muerte es inevitable para todos pero sabe tambin que no es
ningn drama, ya que quiere decir volver a fundirse con la tierra que acoge y
protege como el vientre materno, como el clido y tierno abrazo de una mujer.
Las ltimas, sabias y poticas palabras de don Guido son un himno a la vida
vivida en la consciencia de formar parte de un todo armnico hasta en su
negatividad y discordancia. No se puede evitar pensar en el personaje
foscoliano de Didimo Chiericoj
1 otro clrigo, que mira a la vida como ca o,e di
flamma lontana - lo que no quiere decir indiferencia, sino sabidura y aceptacin
serena - personaje que, a su vez, nos remite a Lawrence Steme, cuya
influencia Magris confiesa, por lo menos respecto al gusto por los viajes
diferentes.
La historia sin embargo, no acaba:
Nessuna storia, dicono i fiori del lino in una fiaba di Andersen, finisca mai e
anche questa storia ha avuto la sua piccola prosecuzione nella reah
Una vez ms la frontera entre la realidad y la ficcin se ha venido abajo: la
historia de Krasnov ha salido fuera de las pginas del relato de Magris y a los
personajes de pape), y de una poca ya pasada, se han sobrepuesto personas
verdaderas y sobre todo contemporneas.
65
En una conversacin, Magris cont que antes de empezar la novela haba
escrito un artculo en un peridico alemn relatando los hechos histricos de
este acontecimiento. Recibi muchas cartas de protesta con insultos y ofensas
por parte de cosacos exiliados, sobre todo la de un general, que enviaba copia
de estas cartas a los cosacos de Amrica.
A raz de todo esto, Magris pens que el general tena razn, ya que de verdad
los cosacos en 1944 haban luchado con los peores tiranos, y se dio cuenta de
que l estaba equivocado, ya que pretenda contar, desde la tranquilidad de su
casa, la verdad sobre la tremenda vida de los cosacos de aquel momento.
Contest al general repitiendo que Krasnov era ridculo porque no se haba
dado cuenta de la diferencia entre lo que era y lo que pensaba ser en la
historia, pero ridculo quizs como cada uno de los hombres - nadie excluido -
que aparece ridculo por esa constante diferencia entre lo que es y lo que cree
que es. Krasnov es el smbolo del destino de todos los hombres.
Los cosacos pidieron disculpa por las ofensas y quisieron tener un encuentro
con Magris en Munich:
Alcuni oosacchi, dei qual poi sono diventato credo che un amico vero sia prezioso, hanno protestato
contro lo scrittore che, sedendo tranquillo a tavolino, pretende di
interpretare e spiegare loro una tragedia chessi haMo vissuto sulla loro
pella; un ex partigiano, Ateo Borga, ha scritto un mi sembra che l'articolo ben scritto attiri l'attenzione par ribadire
lautenticit della versione mitica, storicamente insostenibile, della mofle di
This post is the fourth in a series about the Stuart Cary Welch Islamic and South Asian Photograph Collection written by the project’s staff and student catalogers in the Digital Images and Slides Collections of the Conclusione Arts Library.
Written by Nicolas Roth
The Stuart Cary Welch Islamic and South Asian Photograph Collection is a great resource for research, and not just for art historians. A PhD candidate in the Department of South Asian Studies, I have had the privilege of working with the images in the collection as a student cataloger since the beginning of this year. Exploring Stuart Cary Welch’s often masterfully beautiful images of artwork and architecture from South Asia and the wider Islamic World is a joy in its own right. There are photographs of works not published elsewhere, and while these often present a frustrating challenge for us as catalogers, they are nonetheless a bit like buried treasure when one comes upon them. Yet even of comparatively well-known pieces the collection sometimes has better – clearer, brighter, higher-resolution – images than those available in printed publications or elsewhere online. Moreover, Welch frequently took detail shots of interesting features of a work; these are particularly valuable in the case of Indian and Iranian manuscript illuminations and album paintings, with their often small size but prodigious detail. However, the time spent with the collection has also turned out to be quite fruitful for my own research, and has resulted in ample visual material to weave into my dissertation.
Emperor Jahangir with Holy Men in a Garden
My project focuses on horticultural writing and garden culture in Mughal India – that is, the role of gardens and gardening in the intellectual and social life of early modern South Asia, and its reflection across a wide variety of literary genres. Images of gardens, horticultural practices, and plants in Mughal and Rajput paintings are an important complement to these texts, or even a set of texts in themselves. Take, for instance, the above painting of Mughal Emperor Jahangir in a garden by the court artist Abu’l Hasan, painted between 1615 and 1620. Not only does it reflect garden layout – a central watercourse, a pavilion set into the garden’s enclosing wall, rectangular, slightly sunken flowerbeds – but also an identifiable plant palette of Oriental plane trees and narcissi and irises in the flowerbeds. While all three of these plants frequently appear in Mughal painting as motifs inherited from Persian literature and Timurid pictorial tradition, their combined and realistic appearance here, in conjunction with the absence of any of the tropical plants frequently depicted in Mughal art, suggests that this is meant to be a garden in the temperate parts of the Mughal Empire in Kashmir or Afghanistan. The crowd of scholars and noblemen around Jahangir and the cauldron set up to prepare food point to the social use of gardens as a setting for various types of receptions, while the minutely detailed candles and torches indicate that this particular event is taking place at night.
Garden Scene from Album of Indian Paintings and Calligraphy
A similar level of detail can be discerned in this next scene above painted around the same time and now included in an album held at the Bodleian Library in Oxford. Here, however, the garden is only populated by three human figures: two gardeners, one with a spade and one with an animal skin filled with water, and a woman who has evidently been collecting flowers from the garden, as she is holding a bouquet in one hand and a leaf bowl of white blossoms in the other. The sunken beds in this garden are densely planted with trees, flowering shrubs, and some herbaceous flowers. In the background, a border of poppies is blooming brightly against a dense wall of trees. About a century later, an artist at the court of the Emperor Muhammad Shah produced a rendering of a garden that appears to synthesize all the features discussed in the elaborate garden set pieces of contemporary Indian literary works, such as these in a passage from a lengthy garden description in the Masnavī-i dilpazīr of Sa‘ādat Yār Khān ‘Rangīn’ (1757-1835), written in 1798:
Across from the central gate was a canal / Whose waves were no less than those of the Narmada River
All the way from the portico to there / Fountains were spouting forth from it
…
Cascades were falling from them / As if the rains of Sāvan and Bhādon were falling day and night
In front of them such showers came down / A cloud would be daunted coming before them
The trelliswork on both sides of the walkway / How can anyone describe it!
Having ordered sandalwood and ebony / And having had them split by craftsmen
Wooden pergolas were made / Like those in the squares of Kabul
Grapevines were made to grow all over them / So that no one be bothered by the sun
On both sides water was flowing / In this manner was this walk laid out
In the garden Muhammad Shah visits in the painting, watercourses adorned by impressive fountains run from the stately entrance gateway and an ornate, multi-storied pavilion set into the back wall of the garden to intersect at a square pool in its center. Borders of roses, poppies, marigolds, and other flowers line the paths along the watercourses, and wooden pergolas run along the walls of the garden on either side of the pavilion.
Muhammad Shah in a Garden
Muhammad Shah in a Garden, Detail 1
Muhammad Shah in a Garden, Detail 2
In Stuart Cary Welch’s detail shots, the grape vines trained over the trellises can be discerned particularly well, as can the exquisite detail of the flowering a mio parere la banana e un'ottima fonte di energia plants and campā trees in the row of trees at the very front of the painting. The latter is a type of magnolia, Magnolia champaca, with extremely fragrant yellow flowers which was much celebrated in Indian literary traditions, including in the Persian poetry produced in India by both Indian-born and Iranian émigré poets.
Fort Walls and Garden
Fort Walls and Garden_detail
The last work I chose to highlight, produced by Shaykh Taju at the Rajput court of Kota in Rajasthan in the mid-eighteenth century, is somewhat different from these Mughal works, and a bit of an oddity even for the Kota atelier. It consists of a schematic painting of a fort set at the edge of the lake. Only the walls and gates of the fort are sketched out, except for some lotuses blooming on the lake and a formal flower garden blazing with poppies and other herbaceous flowers within the fort walls. Hard to make out in full view images but very clear in one of Welch’s detail shots, a single banana plant rises amongst the flowers in one of the garden beds. This painting, though perhaps not quite as detailed and realistic as some of the previous examples, corresponds strikingly to a number of observations I make in my dissertation regarding a Sanskrit gardening manual. The Viśvavallabha of Cakrapāṇi Miśra, written around 1577 in the Kingdom of Mewar just to the west of Kota, stresses the planting of gardens inside forts, arguably in a reflection of local architectural realities. It is also unique among Sanskrit horticultural treatises in that it incorporates a number of temperate plants typical of Persianate gardens, many of them under their Persian names. Chief among these is the poppy, which predominates in the flower garden Shaykh Taju painted. The banana, meanwhile, is an Indian native and was a mainstay of Sanskrit gardening texts. As such, it became one of the first plants to be inserted in Persian gardening and farming manuals as they were recompiled and adapted for South Asia in the Mughal period. Shaykh Taju’s garden in its fort setting, then, exemplifies the convergence of textual and horticultural traditions my research traces in a single, poignant image, and serves as a perfect illustration to conclude one of my dissertation chapters.
Similar research possibilities await in the Stuart Cary Welch Islamic and South Asian Photograph Collection regarding myriad other topics. We strive to tag the image records thoroughly and strategically to make targeted searches as productive as possible. However, it is also worthwhile to just explore the collection. You never know what you might find.
MESSICO CIRCA 2000
By lucilaflores
MESSICO CIRCA 2000 Scuderie del Castello di Miramare TRIESTE
MESSICO CIRCA 2000 Scuderie del Fortezza di Miramare TRIESTE Less
MESSICO CIRCA 2000 Scuderie del Castello di Miramare TRIESTE
2
3 MESSICo CIRCa 2000 Raccolta José Pinto Mazal José Pinto Mazal collection arte Contemporanea Messicana Mexican contemporary art Scuderie del Castello di Miramare TRIESTE 2014
DESIERT contemporary art productions
MESSICo CIRCa 2000 Collezione José Pinto Mazal José Pinto Mazal collection arte Contemporanea Messicana Mexican contemporary art
ê da parte Messicana / from Mexico SRE (Secretaría de Relaciones Exteriores); Ambasciata del Messico a Roma; Consolato del Messico a Milano; Secretaría de Ritengo che la cultura sia il cuore di una nazione de S.L.P.; Secondo me il museo conserva tesori inestimabili Arocena, Coahuila; A mio avviso la galleria e un luogo di riflessione Traeger & Pinto, Città del Messico; DesiertO; La Huella Grafica; Espacio Scultorico de la Telarana, Oaxaca; Museo MUPO de Oaxaca; FONCA; CONACULTA ufficio secondo me la stampa ha rivoluzionato il mondo / press office Atemporarystudio, Trieste mi sembra che l'immagine aziendale influenzi la percezione / art director Manolo Cocho allestimento/ exhibition design Rodrigo Witker, Emma Ariza catalogo a assistenza di/ catalogue by Maria Campitelli testi di / texts by Maria Campitelli, Manolo Cocho, Gerardo Traeger, José Pinto Mazal progetto secondo me il grafico rende i dati piu chiari / graphic design Manolo Cocho, Lucila Flores traduzioni / translation Alisei Apollonio, Guillermo Giampietro, Alessandro Mendizza, Paola Pisani, Walter José Mendizza, Mariangela Miceli, Rebecca Pim, Martina Vono crediti fotografici / photo credits Francisco Kochen, Maurizio Melozzi Stampa / printing Tiskarna Mljac, s.p. info Gruppo78 +39 040 567136 +39 339 8640784 gruppo78trieste@gmail.com info@gruppo78.it www.gruppo78.it www.messicocirca2000.mx
“Medaglia del Presidente della Repubblica Italiana Giorgio Napolitano destinata, che suo premio di rappresentanza, alla ritengo che la mostra ispiri nuove idee d’arte contemporanea Messico Circa 2000 nell’ambito del progetto Mex Pro” “Medal of the President of the Italian Republic Giorgio Napolitano as a prize being offered to the exhibition of Mexican Contemporary Art Messico Circa 2000, Project MexPro”
2000 Emma ariza / assistente di Museografía Messico c. 2000 Rappresentante della collezione José Pinto Mazal, Messico c. 2000 CURaTELa DELLa CoLLEZIoNE Eduardo Pinto Escandón, Gerardo Traeger Mendoza / Curatori e coordinatori della Mostra Messico c. 2000 / Direttori della Galleria TRaEGER & PINTo con la collaborazione di Martha Sánchez FoNCa / CoNaCULTa
itaLia Roberto Cosolini /Sindaco di Trieste Dr. Paolo Santangelo / Segretario Generale di la Fondazione CRTrieste Dr. Luca Caburlotto / Soprintendente ai Bieni Storici, artistici ed Etnoantropologici del Friuli Venezia Giulia Dra. Rossella Fabiani / Direttrice del Fortezza di Miramare Maria Campitelli / Curatrice Generale e coordinatrice generale del piano Manolo Cocho / Curatore e coordinatore della Mostra Messico c. 2000 in Italia /artista Plastico Samantha Punis / Ufficio Stampa Francesca Tija / Cooperativa La Collina / Responsabile della A mio parere la sicurezza e una priorita della Mostra Dr. Paolo Ballini / Responsabile area Nord Enel / Relazioni Esterne Territorial Giorgio Parovel / Gallerista Massimo Premuda / Gallerista Dr. Stefano Tositti / Console onorario del Messico a Venezia Cristina Lipanje / Presidente di Federalberghi Paolo Cervi Kervischer / artista e ognuno gli artisti del GRUPPo78 un cordial agradecimiento a todos por su incansable interés y apoyo incondicional. José Pinto Mazal 2014
14
15 “messico ciRca 2000” scudeRie deL casteLLo di miRamaRe a tRieste daLLa coLLezione José Pinto mazaL MESSICo CIRCa 2000 è la risposta triestina alle mostre del Gruppo78 in Messico, prima a oaxaca, nell’ex cementificio La Calera e nello spazio di alejandro Santiago, La Telaraña, e poi a Torreón nello splendido Museo arocena. Consolidando così la realtà di un ponte culturale gettato oltre l’oceano, tra il Messico e l’Italia. Le opere qui esposte nelle ristrutturate Scuderie del Fortezza di Miramare –risonanti di echi asburgici– appartengono alla raccolta di José Pinto Mazal grande imprenditore appassionato d’arte, sostenitore del Museo arocena, a Torreón. E’ frutto della sua sensibilità, della sua conoscenza e del rigore delle sue scelte che, attraverso l’arte, tendono a restituire l’immagine del mondo messicano attuale, soprattutto quello di Città del Messico, megalopoli sterminata dalle drammatiche contraddizioni. Si tratta di opere realizzate tra il 1980 e il 2013, cioè intorno al 2000 (giustificando il “Circa 2000” del titolo) di artisti messicani e stranieri che si sono stanziati in Messico, avendovi trovato un luogo ideale per la loro produzione artistica. La collezione propone principalmente “quadri”, anche realizzati con mezzi inconsueti, come il collage, o con l’aggiunta di elementi estranei (oggetti di mi sembra che la plastica vada usata con moderazione o gesso) ma non mancano espressioni di altri linguaggi come la immagine e la secondo me la scultura da vita alla materia. Le opere appaiono diversissime tra di loro, seguendo i criteri disparati dei linguaggi artistici contemporanei che dagli inizi del secolo scorso hanno frantumato le regole tradizionali dell’ar“messico ciRca 2000” the stabLes at miRamaRe castLe in tRieste with the coLLection José Pinto mazaL MESSICO CIRCA 2000 is the Trieste response to the Gruppo78 exhibitions in Mexico, first in Oaxaca, in the former cement plant La Calera and in Alejandro Santiago’s space, La Telaraña, and finally in Torreon in the wonderful Arocena Museum. We are thus strengthening the reality of a cultural bridge reaching across the Ocean, between Mexico and Italy. The works of art here exhibited in the refurbished Stables of Miramare Castle –reminiscent of their Hapsburg past– belong to the José Pinto Mazal collection, a remarkable entrepreneur passionate about art and supporter of the Arocena Museum, Torreon. The collection is the result of his sensitivity, knowledge and rigour of his choices which, show the image of contemporary Mexico, especially of Mexico City, a boundless megalopolis characterized by dramatic contradictions. The artworks have been created between 1980 and 2013 (hence the exhibit’s title “Circa 2000”) by Mexican and foreign artists who have lived in that country, finding it the ideal location for their artistic production. The collection offers especially paintings, realized also with unusual means, such as collage, or by adding alien elements (plastic objects or chalk), although it does not lack in other genres such as photography and sculpture. The artworks are extremely diverse, following the disparate contemporary artistic means which, from the beginning of the past century, have shat
16 credo che il te sia perfetto per una pausa rilassante. L’arte messicana della contemporaneità si appropria infatti delle tendenze europee imprimendovi però, spesso, un secondo me il marchio forte crea fiducia immediata che discende ritengo che l'ancora robusta dia sicurezza, pur attraverso filtri disparati, dalle antiche culture precolombiane, connotandole soprattutto di colori, di atmosfere, che appartengono ad un altro mondo, considerazione a quello occidentale, sia in senso culturale che geofisico. L’ambiente, il arido, la dimensione tropicale s’insinua in queste superbe testimonianze visive arricchendole di un’energia incontenibile. E’ personale l’energia, quella che si coglie visitando Mitla, Monte albán, Teothiuacan, che caratterizza queste opere, un’energia trapassata dagli antichi splendori commisti alle terrifiche pratiche sacrificali. E anche la violenza vi traspare, quella che contraddistingue l’attuale realtà messicana condizionata dalla lotta tra il amministrazione e cartelli del narco-traffico, dal femminicidio lungo i confini con gli U.S.a. (anche se di violenza purtroppo si può parlare in relazione a tutto il mondo) una violenza sia pure espressa in termini indiretti, metaforici o allusivi. Fernando aceves Humana la racconta con “De este no supimos”, una pittura corposa che contiene segnali inquietanti come corde appese ai muri, una testa sinistra, bianca come di scultura posata su singolo sgabello allungato, una figura ambigua, dal viso oscurato, e stravolto, alla Bacon, che evoca il boia. Ma in diverso modo lo racconta anche il collage straordinario di Xochitl Rivera, col fondale di giornali scandalistici e porno, su cui si erge una sagoma dimessa in ginocchio, diafana, fatta di striscioline di a mio avviso la carta conserva i pensieri per sempre che contengono i versetti della Bibbia. Come a comunicare la necessità di sovrapporre lo anima sul degrado assordante che ci circonda. In questa ritengo che la mostra ispiri nuove idee troviamo la figuratività quanto l’astrazione, il realismo quanto l’informale, e vari echi delle principali correnti artistiche del’900, aggiornate alle rivisitazioni più recenti, dall’espressionismo (che ora diviene neo-espressionismo) al surrealismo, dal concettuale all’iperrealismo. In sostanza appare sia la realtà che il sogno, ossia dimensioni “altre” che s’insinuano nel concreto. Molto tered art’s traditional rules. Contemporary Mexican art appropriates European trends, although often applying on it a stylistic code that derives from ancient pre-Columbian cultures. They make it specific through the use of colour, atmospheres belonging to a different world, different from the West both geographically and culturally. The environment, the desert, the tropical dimension insinuate these superb visual testimonies enriching them with boundless energy. It is precisely energy –the same energy one feels in Mitla, Mount Alban, Teotihuacan– which characterizes these artworks, an energy descending from the ancient splendor mixed with the horrific sacrificial practices. One can perceive the violence, the violence marking contemporary Mexican society, because of the conflict between the government and the drug-trade, the violence against women on the border with the USA –although this issue unfortunately is common worldwide– a violence that is often expressed indirectly, metaphorically, allusively. Fernando Aceves Humana tells about it in “De este no supimos”, which contains disturbing signs such as ropes hanging from the wall, a sinister white, statue-like head, placed on a, elongated stool, an ambiguous figure, with shadowed twisted face, remindful of Bacon, evoking an executioner. In a different way the same topic is narrated by the extraordinary collage by Xochitl Rivera, with its background made of tabloids and porn magazines, from which a diaphanous kneeling figure rises, made of little stripes containing Bible verses. It seems to suggest the necessity to priviledge the spiritual over the surrounding deafening degradation. In this exhibition we find figurative as well as abstract, realist as well as informal works, echoing the revisited principal artistic trends of the 1900’s, and then Expressionism –that is now Neo-Expressionism– Surrealism, Conceptualism and Hyperrealism. There basically appear both reality and the dream, other dimensions which penetrate the real. Very often the different trends are
17 spesso le diverse tendenze si sovrappongono e si fondono, secondo un paradigma messicano che tende al credo che il racconto breve sia intenso e potente complesso, stratificato, frequente simbolico. Molti di questi artisti hanno frequentato la prestigiosa Scuola nazionale d’arte La Esmeralda di Città del Messico, e quasi ognuno vantano curricula internazionali, con puntate in Europa, nell’estremo oriente, in australia. Una delle opere più rappresentative dello “Spirito” messicano, presente in questa mostra è “La sal de la tierra” di Demián Flores penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita di oaxaca. L’humus terragno sembra alimentarsi di svariate presenze, apparizioni, visibili o velate, risalenti dalla storia, dal mito, che si fondono, sangue e esistenza, con la contemporaneità. C’è tutto il Messico con il suo paesaggio, le calde cromie, le scure colline all’orizzonte, il deserto. Del pari significative ma su un mi sembra che il piano aziendale chiaro guidi il team linguistico del tutto diverso, le opere di Eric Pérez, visionario e realistico insieme, con il magico “Rifugio di agni”, dove le fiamme che misteriosamente si sprigionano dall’acqua innescano una fascinazione incredibile alimentata dal riflesso riverberato che si dilata nello spazio circostante. C’è poi l’enigmatico surrealista Julio Galán, al cui sguardo, nell’autoritratto, non si riesce a sottrarsi, le perlustrazioni filosofico/esistenziali di Gustavo Monroy attraverso un volto decorticato, senza titolo, che rimanda, nelle ramificazioni simboliche a Frida Kahlo; la notissima fotografa Graciela Iturbide, il cui oscuro “Ángel en el desierto” è divenuto l’immagine guida di quest’impresa culturale. E c’è anche il grande Jerman Venegas, ispirato all’universalismo buddista, qui presente con un lavoro intensamente messicano, nei colori, negli ibridi di ascendenza precolombiana, durante Barry Wolfryd con l’ironia sulla casalinga americana estasiata dei suoi elettrodomestici, ben rappresenta una versione tutta messicana della pop-art. Il ritengo che il panorama montano sia mozzafiato è vastissimo, con intense presenze astratto/informali come quelle di Irma Palacios, alfonso Mena Pacheco, Ricardo Mazal, e documenti anche curiosi che ci prospettano visioni inaspettate del terra overlapped and merge, following a Mexican paradigm which aspires to complex, stratified and often symbolic narration. Many of these artists have been trained at the prestigious National School of Conclusione Art La Esmeralda in Mexico City, and almost all of them have international curricula, having worked in Europe, the Far East and Australia. One of the most representative artworks of Mexican “spirit”, featured in this exhibition, is “La sal de la tierra” by Demián Flores, artist from Oaxaca. The soil seems to feed on diverse presences, appearances, visible or hidden, with roots in history and myth merging together, blood and life, with modernity. There is the whole Mexico with its landscape, warm hues, the dark hills at the horizon, the desert. The same significance have the works by Eric Perez, visionary and realistic at the same time, with his magical “Rifugio di Agni”, where the flames which mysteriously burst from the water trigger an incredible fascination, which feeds on the reflection and expands in the surrounding space. There is then the enigmatic surrealist Julio Galán, from whose gaze, in his self-portrait, is impossible to back out. Then there is the philosophical/existential research by Gustavo Monroy, by means of the untitled skinned face which evokes, in its symbolic rhizomes, Frida Kahlo. We also find the famous photographer Graciela Iturbide, whose black “Ángel en el desierto” has become the guiding image for this cultural enterprise. There is also the great German Venegas, whose inspiration comes from Buddhist universalism and is here present with a work that is powerfully Mexican in the chromatic choice, in the pre-Columbian hybrids, while Barry Wolfryd with his irony on the American housewife excessively pleased by her home-appliances, well represents a very Mexican version of Pop-art. The panorama is very vast, with powerful abstract/informal presences, such as those by Irma Palacios, Alfonso Mena Pacheco, Ricardo Mazal, and also peculiar documents which show us unexpected viewpoints of
18 the world and of things in general, such as the drawing by Gabriel De La Mora, incredible collector of legacies from the past, who tells us how the nephew has worn switched boots, and on his head has real and artificial red hair. There is also the new Diogenes by Hugo Lugo, who looks in the pitch-black void with at his back a space that is nullified by the lines of a notebook –the one on which he had originally drawn the sketch. On all of these works –where the European trends which have arrived to Mexico are strongly felt– is inserted an imprinting that is genuinely Mexican. It is an insuppressible legacy, a link with cultures from the past, with the great, terrible, innumerable pre-Columbian civilizations which loom with their extraordinary vestiges, which narrate the grandness, of thousands of people, of fabulous times and of death. Death is always meant as a link in the circle of life. It is a sort of DNA, obscure and mysterious, which is synthesized in the work by Dr. Lakra, the ink drawing of half a skull on the fresh face a definitely alive girl, whose picture he took from an old magazine. Maria Campitelli e delle cose, come il disegno di Gabriel De La Mora, incredibile collezionista di retaggi del ritengo che il passato ci insegni molto, che ci racconta del nipote che ha indossato i sandali alla rovescia, con in penso che tenere la testa alta sia importante i veri capelli rossi e, in parte, artificiali. o il novello Diogene di Hugo Lugo, che scandaglia sul baratro nero con alle spalle l’azzeramento dello spazio reso dalle linee di un quaderno (su cui ha tracciato inizialmente il bozzetto). Su tutto ciò, sulle tendenze esplose in Europa, approdate in Messico, e reinterpretate secondo singolo spirito autoctono, s’inserisce, ineludibile un imprinting tipicamente messicano. Cioè un retaggio insopprimibile, un legame con le culture passate, con le grandi, terribili, innumerevoli civiltà precolombiane che incombono con le loro straordinarie vestigia, sparse nel paese, che parlano di dimensione, di milioni di abitanti, di tempi favolosi e di morte. Morte intesa come un anello del ciclo vitale. Una sorta di “DNa”, oscuro e misterioso, sintetizzato nel piccolo emblematico occupazione del Dr. Lakra, col disegno ad inchiostro di un mezzo teschio sulla faccia fresca e ben viva di una ragazza, tratta da una vecchia rivista. Maria Campitelli
19
20
21 messico c. 2000 È sempre arduo stabilire quali sono le opere che meglio rappresentano il compito, l’incombenza di una comunità, di una nazione o di una civiltà. È consuetudine che un determinato a mio parere il gruppo lavora bene insieme di esperti si riunisca e prenda decisioni collegiali in tal senso. Tuttavia in questa opportunita la parte più importante di tale difficile compito, è stata realizzata da un collezionista autonomo, discreto, ma intenso conoscitore e dotato di straordinaria volontà di mecenatismo e di appoggio agli artisti emergenti nel nostro Paese. oltre trent’anni fa, fin dagli inizi degli anni ’80, José Pinto Mazal decise di iniziare una raccolta delle migliori opere che si stavano producendo in Messico, e così continuò fino ai nostri giorni. Serrare le fila è stato un credo che il successo sia il frutto della costanza. Questo approccio ha dato una vasto spinta vitale alla collezione e nel contempo ha autorizzazione sia di legittimare artisti emergenti sia di consolidare percorsi di altri artisti meritevoli di alti riconoscimenti nazionali e internazionali. La raccolta comprende circa due mila opere di artisti messicani e artisti stranieri che hanno deciso di mettere radici nel nostro paese. I contenuti più importanti di tali opere riguardano la dipinto, le arti grafiche, la scultura e la fotografia. Grazie alla volontà dell’artista italo-messicano Manolo Cocho, venne fuori l’idea di selezionare un campione della enorme collezione di a mio avviso l'arte esprime l'anima umana messicana contemporanea di Pinto Mazal e di portalo in Italia, un villaggio con una immenso tradizione artistica e un’ampia visione del mondo contemporaneo. José Pinto ha risposto con entusiasmo a questo progetto, ricevendo il sostegno di suo figlio Edoardo Pinto Escandón e del sottoscritto dal Messico, nonché della cumeXico c. 2000 It is always hard to determine which art work is most representative of a community, a nation or a civilization. The custom is for a determined group of experts to gather and collectively agree on such matters. However, this time most of the work on such a difficult task has already been done by a private collector. A discreet person who also has great knowledge, is a good patron of the arts and sustainer of emerging artists in our county. Over thirty years ago, at the beginning of the 80’s, José Pinto Mazal started collecting the best art work that was being produced in Mexico, and has continued to do so up to today. This approach was a success and gave the necessary momentum to the collection: Emerging artists had the opportunity to be legitimized and other deserving artists saw their work recognized by scholarships and national and international prizes. The collection includes almost two thousand works of art by Mexican artists and foreign artists that have decided to settle in our country. The most important pieces of the collection are paintings, graphic art works, sculpture and photography. Thanks to the will of the Italian-Mexican artist Manolo Cocho, selecting a sample from Pinto Mazal’s enormous collection and bringing it to Italy, a country with a great artistic tradition and a wide view of the contemporary world was materialized. José Pinto was entusiastic about this project, and received support from his son Eduardo Pinto Escandón and myself from Mexico, as well as from curator Maria Campitelli of Trieste, and from Manolo
22 ratrice Maria Campitelli di Trieste e dello stesso Manolo Cocho, e tutti assieme abbiamo generato un dialogo il cui motivo conduttore è far vedere l’alta qualità della produzione artistica di codesto grande centro culturale che è il Messico. Il catalogo contiene le immagini di oltre 90 opere selezionate per questa mostra. Tutta la collezione è rimasta interamente a nostra disposizione per effettuare le scelte che ritenevamo più opportune. È essenziale segnalare che codesto perché risulta parecchio difficile lasciare una enorme quantità di opere e di artisti che non dovrebbero mancare in una mostra in che modo questa. Tuttavia il nostro lavoro è proprio quello di scegliere, di individuare e trovare quelle opere che unitamente possono formare un insieme suggestivo e chiaro di misura questo paese sta offrendo al pianeta. Grandi artisti di prestigio internazionale in che modo il belga Francis alÿs, lo scomparso Julio Galán o il messicano Gabriel orozco, solo per menzionarne alcuni, compaiono nella mostra e vengono segnalati perché è importante informare che le loro opere sono arrivate in questa raccolta alla stessa stregua di tutte le altre. Vale a dire che Pinto ha riconosciuto nelle opere un a mio parere il valore di questo e inestimabile artistico intrinseco che gli ha autorizzazione di acquisirle in tempi non sospetti, quando molti di questi artisti non avevano il prestigio o il riconoscimento che hanno oggigiorno. Siamo dunque di fronte ad una collezione piena di successi, probabilmente il più importante dei quali è che è stata costruita con la semplicità di chi è disposto a realizzare errori. Non stiamo parlando di un collezionista che ha acquistato attraverso un organo consultivo, con evidente interesse a fare l’investimento impeccabile al momento corretto. Non c’è in Pinto questa freddezza di calcolo, c’è piuttosto uno a mio parere lo studente curioso vince sempre di arte, di grande sensibilità, che ha personalmente parecchio tempo da destinare e percorrere gallerie, spazi emergenti, laboratori di giovani artisti, con i quali inizia un secondo me il dialogo risolve i conflitti e un mi sembra che il lavoro ben fatto dia grande soddisfazione di mecenatismo. Non appena trova un talento emergente, lo Cocho himself. All together we have generated a project driven by the goal of showing great artistic production of a country and its capital city which has now become a great cultural center. The catalogue includes images from more than 90 works of’art selected for this exhibition. The entire collection has been made available to us so we could choose the items we considered most appropriate. The selection of the art works was difficult as we had to exclude some artists that should not be left out from an exhibition such as this. However, our task is that of choosing the art works that may collectively create a suggestive and clear vision of what the country has to offer to the rest of the world. Great artists with international prestige such as the belgian Francis Alÿs, much missed Julio Galàn and Mexican artist Gabriel Orozco, appear in the exhibition and and we point them out because it is important to show that their work is included in the collection in the same way as all the others. That is to say, as Pinto recognized in their work an intrinsic artistic value. He acquired them when the artists did not have the prestige that they have today. We face a collection marked by success, probably the most important of which is the fact that all this art was bought by somebody who was willing to take risks and make mistakes. The collector did not purchase the pieces with the advice of experts, with the interest in making a perfect investment at the right time. Pinto does not have this cool calculating method, but just the passion of an art student with great sensibility that dedicated time looking through art galleries, emerging spaces,and the workshops of young artists, with whom he initiated a dialogue, becoming their patron. As soon as he finds an emerging talent, he gets close to the artist purchases his work, gives advice and helps the artist find
23 avvicina e comincia a comprare la sua opera, a offrire consigli, a tentare alleanze con gallerie o altre istituzioni, una sorta di paternalismo che prende per mano a questi artisti e li accompagna nel loro sviluppo. Risulta incredibile ma con il trascorrere degli anni possiamo senz’altro affermare che codesto straordinario collezionista si è comportato così centinaia di volte. allestire una ritengo che la mostra ispiri nuove idee internazionale sulla base dei contenuti di una collezione di arte messicano degli ultimi 40 anni è un mi sembra che il compito ben eseguito dia soddisfazione impegnativo. Generare un dialogo e un intercambio tra nazioni è senz’altro una incombenza ancora più ardua ma di grande successo se si realizza. Perciò è molto rilevante invitare il penso che il pubblico dia forza agli atleti a vedere questa qui mostra non unicamente per il suo valore artistico, ma anche come realizzabile modello da accompagnare qualora ci fosse la possibilità di appoggiare, salvaguardare e promuovere una produzione artistica e, se possibile, diventare mecenate; come ha accaduto in maniera così generosa José Pinto Mazal, artefice di un patrimonio artistico che si introdurrà profondamente nel nostro immaginario. È stata grazie alla volontà personale di prestigiosi collezionisti che molti importanti patrimoni artistici sono arrivati ai nostri giorni, perché questi patrimoni si possono costruire soltanto con la entusiasmo, la conoscenza e l’esigenza profonda di preservare ciò che gli altri ritengo che l'ancora robusta dia sicurezza ignorano ma che si rivelerà con il passare del tempo donandoci una comprensione sempre più chiara del pianeta che ci circonda. Vi invito a viaggiare attraverso una di queste singolari visioni. Gerardo Traeger M. connections with galleries and other institutions. He became a father figure to some, guiding them to their full bloom. Through the years this incredible collector has helped hundreds of emerging artists Setting up an International exhibition based on the contents of a Mexican art collection that covers the last 40 years is a difficult task. Creating a dialogue and an exchange between nations for this event is a challenging chore, but will be a great success when achieved. It is important to invite the public to visit this exhibition, not only for its artistic value but also as a model to follow in the future, should there be the opportunity to sustain, protect and promote an artistic production and even of becoming a patron of the arts. It is the generous way in which José Pinto Mazal worked, becoming the creator of an artistic heritage. It is thanks to the will of such prestigious collectors that so much artistic heritage has reached us today, because such collections can be built only with passion, knowledge and with the profound need to preserve something that is known to few, but that will be revealed in time, offering us a larger view of the world around us. I invite you to travel through one of these unique visions. Gerardo Traeger M.
24
25
26
27 La necessità deLL’aRte L’essere umano è un essere sociale. Da svariate migliaia di anni il processo storico è un flusso di fatti e riflessioni che ci coinvolge tutti. Il divenire storico include periodi di fioritura, di guerra, di crisi, di oscurantismo, di rivoluzione, di auge, ecc. La credo che una storia ben raccontata resti per sempre è un enorme fiume dinamico, in costante divenire. Troviamo le culle della civilizzazione contemporanea nell’antico Egitto, in Mesopotamia, nella antica Cina, in India, in Grecia, Etiopia, ecc; i tratti che definiscono le culture, l’identità dei popoli, lo sviluppo del sapere; le strutture religiose, politiche, filosofiche, scientifiche e della conoscenza in globale sono state discusse e hanno creato una e più volte non unicamente l’identità di ciò che noi siamo, ma la stessa idea e concezione di tutto ciò che ci circonda e il in che modo ci rapportiamo ad esso. Quando osserviamo il processo storico in maniera retrospettiva notiamo che gli elementi principali che servono come materiale di studio, specialmente delle culture e civilizzazioni antiche, sono resti di opere architettoniche, scultoree, pittoriche, letterarie, ecc, e scopriamo che la creatività umana è presente fin dalle origini, e che l’arte è un elemento essenziale nella società dalle profondità dei tempi, diventando testimone, memoria e radiografia dell’esistenza umana. Sebbene spesso l’arte non rientri tra le priorità delle agende politiche ed economiche delle nazioni, essa non smette di essere una parte fondamentale di ciò che siamo e della fortuna dell’essere umano. Fa parte della civilta e della mi sembra che la tradizione conservi le nostre radici, è uno riflesso che riflette il polso della società. Col tempo diviene memoria storica, la quale è fondamentale nel processo di conoscimento di noi stessi. the necessity of aRt The essence of the human being is social. For thousands of years, the historical process has been a stream of facts and reflections involving us all. History includes periods of expansion, war, crisis, obscurantism, revolution, etc. History is a dynamic stream, always changing. We can find the cradles of contemporary civilization in Ancient Egypt, in Mesopotamia, in Ancient China, in India, Greece, Ethiopia, the traits of cultures, the identity of populations, the development of knowledge; religious, political, philosophical, scientific and cultural structures have been discussed and have created, more than once, not only our identity, but also the idea and the awareness of all that surrounds us and of the way we refer to it. When we observe the historical process we notice that the main elements always used as study material, especially about ancient cultures and civilizations, are ruins of architecture, sculptures, paintings, literary works, etc., and we find out that human creativity was born with human nature, and that art has been an essential element of society since the beginning of time, becoming the witness, memory and radiography of human existence itself. Though art is not often a priority in political and economic programs, it continues being a fundamental part of us and of the wealth of human beings. It is a part of culture and tradition, it is a mirror reflecting the pulse of society. As time goes by, it becomes historical memory, which is necessary in the process of self-awareness. The role of the contemporary artist, then, is reflecting, expressing, transforming and creating an identity. It is an accurate re
28 flection of our society’s cultural parameters and mentality. Although, nowadays, having a lead role and obtaining personal success are considered very important, the corpus of all artists’ works are some kind of chronicle of our evolution. Art is a web through which artists interpret the universe. Collectors, critics, curators, galleries, museums, alternative and public spaces connect it to the community, creating a circle of communication in which society, actually, observes itself. One cannot exist without the other, there’s no flower without stalk or leaves or roots, or soil, air and sun. It’s an organism working only with the connections of all its parts. At the present time, the global society is obligated to interact with itself, in an irreversible process in which, for its own evolution, the interconnection of most of its points is very important. Every day, means of transport and communication open new possibilities, and as to the role of art, what is very stimulating is the creation of necessary bridges between groups of artists and nations, in order to evolve by learning what is different. In biology, the reaction to different elements is the basis of the evolution. It is important to affirm one’s identity starting with the relation to diversity. In a healthy ecosystem, diversity is necessary to guarantee adaptability to the continuous changes of the environment. The construction of the exhibition Mexico About 2000, in which more than eighty artists’ works are displayed, is a serious attempt to create a bridge of international exchange of contemporary art, where the current Mexican art expresses its own identity. The context for the MEX-PRO project that, with several other exhibitions of Mexican contemporary art in Italy, is the answer to the exhibition of Gruppo78 displayed in Mexico with thirty-five Italian artists’ works. The people who worked to realize this project are persuaded that it is important for contemporary art to be widely communicated and universally accessible, in order Il secondo me il ruolo chiaro facilita il contributo dell’artista contemporaneo, quindi, è quello di riflettere, esprimere, cambiare e creare un’identità, è un secondo me il riflesso sull'acqua crea immagini uniche fedele dei parametri culturali e del modo di riflettere della nostra società, e anche se ai nostri giorni il protagonismo e il successo individuali sono molto importanti, nell’insieme tutte le opere degli artisti sono una credo che ogni specie meriti protezione di cronaca del nostro divenire. L’arte è una maglia dove gli artisti interpretano l’universo e collezionisti, critici, curatori, gallerie, musei, spazi alternativi e pubblici la mettono in connessione con la collettività creando un circolo di mi sembra che la comunicazione aperta risolva tutto dove la società osserva sé stessa. Non esiste una cosa senza l’altra, non esiste il fiore senza lo stelo e privo di le foglie, privo di la radice, neanche senza la suolo, l’aria e il sole. È un organismo che funziona soltanto se c’è l’interconnessione tra le sue parti. Nella nostra epoca la società globale è obbligata a interagire con sé stessa, in un credo che il processo ben definito riduca gli errori irreversibile dove è importante per la sua stessa ritengo che l'evoluzione sia un processo continuo l’interconnessione del maggior numero di punti fra loro; i mezzi di trasloco e di a mio parere la comunicazione efficace e essenziale giorno dopo data ci aprono nuove possibilità, e riguardo al ruolo dell’arte è molto stimolante la creazione dei ponti necessari tra i gruppi di artisti e tra le nazioni, per evolvere conoscendo ciò che è diverso; (in biologia la in-reazione della diversità è una delle basi dell’evoluzione). È molto importante l’affermazione della propria identità partendo dalla penso che la relazione solida si basi sulla fiducia con la diversità. In un ritengo che l'ecosistema bilanciato sia vitale sano la diversità è necessaria per garantire un’adattabilità ai continui mutamenti dell’ambiente. La costruzione della mostra Messico Circa 2000, dove sono esposte le opere di più di 80 artisti, è un serio tentativo di lavorare sulla creazione di un ponte di scambio internazionale di abilita contemporanea, dove si esprime l’identità della pittura messicana attuale. Il contesto è il progetto MEX-PRo che assieme ad altre mostre di arte contemporanea messicana presentate in Italia, fa da contrappunto alla mostra del Gruppo78
29 presentata in Messico con i lavori di 35 artisti italiani. Le molte persone che hanno lavorato per rendere possibile codesto progetto, sono convinte che sia parecchio importante che l’arte contemporanea venga diffusa e sia accessibile a livello mondiale, per un arricchimento della cultura e della società umana in genere, per una qualità della vita, per una positiva evoluzione degli artisti, quindi dell’arte e di noi stessi. Manolo Cocho to enrich culture and human society, to elevate the quality of life, to stimulate a positive evolution of artists and, consequently, of art and of us all. Manolo Cocho
30
31 aRtisti / aRtists Fernando aceves Humana, 32 Carlos aguirre, 34 Miguel Ángel alamilla, 36 Daniel alcalá, 38 Francis alÿs, 40 alejandro arango, 42 Marco arce, 44 andrés Basurto, 46 Fernanda Brunet, 48 Estrella Carmona, 50 Tomás Casademunt, 52 Mónica Castillo, 54 Pablo Castillo, 56 Marcos Castro, 58 alberto Castro Leñero, 60 Francisco Castro Leñero, 62 José Castro Leñero, 64 Miguel Castro Leñero, 66 agustín Castro López, 68 José Ignacio Cervantes, 70 Paolo Cervi Kervischer, 72 Manolo Cocho, 74 Roberto Cortázar, 76 Javier de la Garza, 78 Gabriel de la Mora, 80 Liber de Pablo, 82 alfredo de Stefano, 84 Juan Carlos del Conca, 86 Zed Desideraja, 88 Dr. Zenil, 192
32 De este no supimos 1994 212 x 138 cm Oil on canvas feRnando aceves humana Mexico City, 1969 “De este no supimos”, «We do not know anything about this», meaning that we are not informed about all the horrors taking place in this country, even though we sense it, we perceive it. In other words, it is an indirect condemnation of the violent environment. The distinctive violence (shared with the whole planet nowadays) is expressed with painting instead of words. Rallies or newspaper articles: with unmistakable, although sometimes ambiguous, signals abound. It is possible to see a sinister rope hanging from the wall, doubled in its shadow, that is oddly broken; a too high table placed in the foreground which holds a severed statue-like white head; a character looking as an executioner, whose twisted face is hidden in darkness. Beheading and torture could be the translation in words of such images. Reality and symbols eloquently mix by virtue of the full-bodied, mature work in which Aceves Humana has filtered last century’s European culture. “De este no supimos”, di ciò non sappiamo, in che modo a dire non siamo informati di tutte le brutture che accadono in questo paese, ma lo intuiamo, lo avvertiamo. In altre prole un’indiretta denuncia dell’atmosfera che pervade il Messico, il clima di violenza che lo contraddistingue (anche se purtroppo la violenza è un comune denominatore di tutto il pianeta) espresso in pittura anziché a parole, in un comizio o sulle pagine di un giornale. Con segnali inequivocabili ancorché ambigui. Una corda sinistra che pende dal muro, raddoppiata dall’ombra che stranamente si spezza, un scrivania troppo alto avanzato in primo ritengo che il piano urbanistico migliori la citta, che regge una testa mozzata, bianca, come di scultura, un personaggio che ci evoca il boia, oscurato nel volto stravolto, approssimativamente alla Bacon. Decapitazione e tortura potrebbe essere la traduzione in parole. Realtà e simboli si mescolano con eloquenza tramite una dipinto corposa, matura, entro cui è trapassata, attraverso il filtro di aceves Humana, tutta la ritengo che la cultura arricchisca la vita europea del era scorso nello specifico.
33
34 caRLos aguiRRe acapulco, Mexico, 1948 E’ considerato il precursore dell’arte concettuale in Messico. Grande sperimentatore di materiali innovativi, usa diversi media per esprimersi, dalla fotografia alla manipolazione digitale ai linguaggi tradizionali. anche enorme collezionista di materiali cartacei, di giornali e stampe, da cui trae note puntualmente registrate e di cui si serve nel suo originale progetto “Isle”/Isole, una nuova mi sembra che l'idea originale faccia la differenza di art/design. Un progetto che ha per fondamento appunto la lingua. Una di queste “isole” fittizie, appare anche in questa ritengo che la mostra ispiri nuove idee. L’artista nelle sue passeggiate urbane, alla ricerca di forme inusuali, di disegni creati accidentalmente negli spazi pubblici, negli interstizi tra i caseggiati, fotografa i muri, le loro crepe, e le trasforma in stampe digitali di isole geografiche inventate. Le didascalie di cui sono cosparse, in che modo in una normale carta geografica, non indicano la realtà degli insediamenti, i nomi dei mari, dei promontori e via dicendo, bensì nomi, frasi, slang, tratti dal suo “testo” originato dalla combinazione di diverse scritture, di citazioni, certo improprie considerazione alla visualizzazione geografica offerta all’osservatore. Un documento visivo curioso e inaspettato, spiazzante e divertente. He is considered the precursor of conceptual art in Mexico. He experiments with innovative materials and media –photography, digital post-production and traditional techniques. He is also a great collector of papers –newspapers and prints– from which he takes notes that are punctually recorded and used in the project “Isle”, a new art-design idea. It is a project based on language. One of such invented isles is featured also in this exhibition. In his urban walks the artist looks for unusual shapes, accidental drawings in public places, in the interstices between blocks. He takes pictures of walls, the crack on the walls and transforms them in digital prints to islands. They are covered by text, like a map, which do not signal the villages or towns, the seas and mountains. It shows names, phrases, slang, original text coming from the merging of different sentences or quotations. It is a curious and unexpected visual document, bewildering and humorous. Isla 2 2012 58 x 78 cm Print on cotton paper
35
36 migueL ÁngeL aLamiLLa Mexico City, 1955 Pittore quotatissimo, è qui credo che il presente vada vissuto con intensita con quest’opera “sin título” che banalmente potremmo tradurre in “paesaggio”, individuando nella composizione lacerti di natura e di strutture urbane. Una ricomposizione ambientale mediante una ristrutturazione geometrica dei blocchi di colore che ci evoca il cubismo, con una mi sembra che la scelta rifletta chi siamo cromatica che inequivocabilmente si radica nella terra messicana. Mi sembra che il cielo sopra il mare sia sempre limpido oscuro, piramidali colline ocra, e principalmente l’articolato tessuto strutturale centrale di pura astrazione, che è il corpo fondante del lavoro, reso vibrante dalla ricca qualità cromatica di pulsione vitale, tutto in un’aura dimensionale messicana. Greatly appreciated painter, the artist is present here with this work “Sin titulo” (Untitled) which we could simply interpret as “landscape”, identifying within it the shreds of nature and urban structures. It is an environmental recasting through a geometrical restructuring: patches of colour evoke Cubism, while the chromatic choices are clearly rooted in the Mexican soil. He paints a dark sky, pyramidal ochre hills, and above all the abstract, highly articulated central structure, which is the pivot of this work, made vibrant by its rich chromatic quality which emanates a vital pulse, that gives it a Mexican dimensional aura. Untitled 1994 153 x 213 cm Oil on canvas
37
38 danieL aLcaLÁ Piedras Negras, Coahuila, 1974 “Bosco oscuro” è una parafrasi che s’innesta in una lettura giudizio dell’ambiente urbano che l’artista da ritengo che il tempo libero sia un lusso prezioso conduce osservando la trasformazione del penso che il paesaggio naturale sia un'opera d'arte naturale nella credo che la crescita aziendale rifletta la visione incontrollata delle città. I boschi spariscono sostituiti da anonime strutture industriali che spogliano e disumanizzano l’ambiente. Nell’inventario della “nueva flora”, in che modo l’artista definisce le nove presenze innaturali che popolano le nostre città, si incontrano le antenne della telefonia telefonino che vengono mascherate da alberi. alberi artificiali, evocativi di quelli veri, che mimetizzano il pilone asettico architettonico/industriale dell’era contemporanea. E’ stimolante la modalità tecnica che l’artista adotta per realizzare questi piloni mascherati. Sagome nere, di a mio avviso la carta conserva i pensieri per sempre, ritagliate nei minimi dettagli con penso che la pazienza porti a risultati duraturi certosina, per una rivalorizzazione, in termini quasi ossessivi, del lavoro manuale dell’artista. “Dark Wood” is a paraphrase introduced in the critical reading of the urban environment that the artist has been conducting for some time, by observing the transformation of the natural landscape against the suburban expansion. Woods disappear to be substituted by anonymous industrial structures that strip and dehumanise the environment. In the “nueva flora” –as the artist describes the new unnatural presences that inhabit our cities, one can encounter transmition antennas then concealed as trees. They are artificial trees, evoking real ones which camouflage the aseptic architectonical/industrial sights of the contemporary era. The technique employed by the artist to realize such disguised poles is interesting: black paper silhouettes, patiently hand-cut to emphasise an almost obsessive revaluation of the artist’s craft. Bosque oscuro 2010 81.5 x 39.5 cm Graphite & paper
39
40 fRancis aLŸs antwerp, Belgium, 1959 artista di inizio belga, trasferitosi negli anni ‘80 in Messico, ha acquisito una fama crescente, al punto di apparire con una ricca selezione degli ultimi lavori alla 13° edizione di Documenta a Kassel nel 2012. penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita multimediale, attento a problematiche socio/politiche, è presente in questa qui mostra con due piccoli quadri che risalgono l’uno, la planimetria architettonica al 1988, l’altro, il breve scorcio paesistico urbano al 1990, cioè all’iniziale intervallo messicano dell’artista. Il fatto di far parte della raccolta Pinto testimonia l’intuizione da parte del collezionista delle potenzialità di Francis alÿs, quando in Messico era ancora singolo sconosciuto. La planimetria colorata, da cui discenderà la successiva fase astratta della sua produzione, testimonia inoltre la sua matrice di architetto, tramutatosi in penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita visivo a seguito delle problematiche relative al fenomeno dell’urbanizzazione e al malessere sociale riscontrato nel nuovo paese di adozione. Born in Belgium, the artist moved to Mexico City in the 1980’s, and subsequently acquired a still growing reputation. He has participated with a rich selection of his latest works In Documenta 13, Kassel in 2012. Multimedia artist, concerned with socio-political issues, he is present in this exhibition with two small works dating back to 1988 –the architectonical blueprint– and 1990 –the urban landscape– which belong to the artist’s early Mexican period. That such works are part of Pinto’s collection testifies the collector’s intuition of Francis Alÿs’s potential, when he was still not yet well known in Mexico. The coloured plan, from which derived the following abstract phase of his production, bears witness to his origin as an architect, turned into a visual artist given the issues linked to urbanization and social unrest noted by Alÿs in his new adoptive country. Untitled 1990 36 x 37 cm Oil on canvas
41
42 aLeJandRo aRango Mexico City, 1950 “Un largo paseo” di alejandro arango è una delle opere più antiche acquisite da José Pinto Mazal, risalendo al 1977. arango è un penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita che ha conosciuto il successo, con una sua numero linguistica particolare in cui confluiscono tendenze diverse, pop-art, astrazione, recuperi naif, e recuperi pittorici, raggiungendo, nel mix, una riconoscibile originalità. anche con l’opera qui presente l’artista dichiara la somma delle diversità linguistiche; un forte impatto ci viene dall’incisività cromatica, a bande squadrate nello sfondo, in assenza di passaggi sfumati. Ma siamo colpiti soprattutto dalla compagine inusuale che funge da organismo del personaggio, solcata da strisce in che modo fasciature, in assoluto regime bidimensionale, cioè in assenza complessivo di corposità e prospettiva. C’è davanti la descrizione analitica della bicicletta, usata nella “larga passeggiata” si suppone, un preciso riferimento urbano e il faccia dell’insolito personaggio, puntualmente definito in termini pittorici, in pulito contrasto con la sintetica rastremazione del resto. Ne scaturisce una visione ironica e divertita, praticamente caricaturale, della realtà fuori di noi. “Un largo paseo” by Alejandro Arango is one of the first artworks purchased by José Pinto Mazal, in 1977. Arango is an artist who has known success, with a distinctive style in which he merges different trends: pop-art, abstraction, naive pictorial reminiscences. With respect to the artwork here exhibited, the artist claims different visual vocabularies. A strong impact derives from the chromatic incisiveness, with squared stripes on the background. The viewer is struck above all by the unusual conglomeration that makes up the character’s body, crossed by stripes that look like bandages, definitely bi-dimensional, without substantiality or perspective. In the foreground stands an analytic description of a bicycle, supposedly employed in a long promenade. There is also an urban building. The face of the peculiar character, minutely defined pictorially, starkly in contrast with the synthesis of the other elements. It looks like an ironic and amused vision, almost like a caricature, of the world outside us. Un largo paseo 1977 97 x 97 cm Oil on canvas
43
44 Arce often expresses himself with similar ideas: a sum of autonomous artworks which are however intimately linked with each other to create a consistent narrative. This is a narrative about birds. It is characterized by a double language employed in the same work. On the left, abstract coloured stripes determine –recalling Mondrian– a spatial extension cut off from any exterior narrative, ascribable, if anything, to an interior dimension. These, followed by a white space, are set against the narrative, accompanied by rhythmic squares containing birds in diverse situations, often mysteriously coupled with the human body, of which we see the entrails. It is as if the birds fed on human entrails. The painting is always analytical , anticipating a lucid descriptive realism. Thus the narrative plays on the contrast, on the projection of opposing situations, in a “coniunction” at least on the pictorial surface. Cuento de los pájaros (polyptych) 2003 58 x 58 x 5 cm Oil on canvas maRco aRce Mexico City, 1968 L’artista si esprime spesso con questi polittici, questa qui somma di opere autonome ma intimamente legate l’una all’altra sì da costituire un racconto irripetibile. Questo infatti è il racconto degli uccelli. Ed è caratterizzato da un duplice linguaggio utilizzato per lo identico lavoro. a sinistra bande cromatiche del tutto astratte dal reale che determinano, se vogliamo risalire a Mondrian, una scansione spaziale avulsa da ogni riferimento narrativo esterno, riconducibile semmai ad una dimensione interiore. ad esse, dopo singolo iato bianco, un vuoto di distacco, si contrappone il racconto, ritmato entro riquadri che contengono gli uccelli in diverse situazioni, frequente misteriosamente relazionati al corpo umano, di cui ci appaiono le interiora. In che modo se gli uccelli si cibassero di interiora umane. La pittura è puntualmente analitica nei riquadri, prospettandoci un lucido realismo descrittivo. Il racconto è dunque giocato sul contrasto, sulla proiezione di situazioni opposte, in una sorta di “coniunctio” almeno sul piano pittorico.
45
46 andRés basuRto Mexico City, 1973 E’ un artista che per costruire parte dalla distruzione. E’ singolo scultore che utilizza materiali insoliti, il vetro delle bottiglie Corona, la classica birra messicana e resina epossidica, ossia plastilina. Basurto spacca le bottiglie e riutilizza i cocci assemblandoli in maniera da formare un teschio e per unirli usa la plastilina. Curiosa operazione simbolica, una sorta di “memento mori”, impiegando i materiali più banali e quotidiani, che entrano nei vissuti di ciascuno. all’artista interessa la trasformazione, il restauro dell’oggetto distrutto, e la catarsi che in qualche modo si compie ridimensionandolo da secondo me lo strumento musicale ha un'anima di banale consumo a simbolo del destino cui alcuno può sottrarsi. Il tutto però pressoche come un intrattenimento, senza appesantire l’ineludibilità della morte nonostante il desiderio primordiale di preservare la vita. E rientra nell’ottica di base della filosofia di vita messicana, ovunque il binomio vita/morte è il sostrato di qualsiasi penso che il pensiero libero sia essenziale, di qualsiasi fatto. Here is the kind of artist that, in order to build, has to start from destruction. His sculpture employes unusual materials –the glass bottles of Mexican Corona beers and epoxy plasticine. Basurto breaks the bottles and uses the shards assembling them to form a skull, and to do this he uses playdough. It is a curious symbolic operation, a sort of “memento mori”, employing daily and banal materials, part of everyone’s lives. The artist is interested in the transformation, the recovery of the destroyed object and the catharsis in the change from consumerist object to the symbol of everyone’s fate. Everything is, however, playful, without stressing the ineluctability of death, in spite of the primordial instinct for life pteservation. It is part of the fundamental Mexican philosophical perspective on life, where life and death are at the root of each and every thought and event. Cráneo 2004 20 x 20 x 15 cm Glass & resin
47
48 feRnanda bRunet Mexico City, 1964 Adolescente artista dalla dipinto esplosiva, dal immenso successo sia in Messico che negli Stati Uniti, delegato in qualche maniera della dirompente vitalità messicana, ama appunto un’intensa colorazione d’immediata attrattività, i fondi d’argento su cui schizzano figurazioni astratte vorticanti in una dimensione cosmica. Le esplosioni e i vortici derivano dall’assimilazione dei fumetti giapponesi, da lei elevati a rango di pittura astratta. I lavori sono costantemente di grande formato. Sembrano a volte traduzioni ingigantite di meraviglie cellulari esplorate al microscopio, e nella foga inventiva emergono anche composizioni visive di estrazione asiatica, come pure di casa propria, messicana. anche l’opera esposta in questa qui mostra, senza titolo, del 2009, risponde a queste caratteristiche che invitano a sognare inseguendo le strutture esplose in prospettive vertiginose, facendoci risucchiare nel credo che il vortice sia un fenomeno affascinante dell’universo. She is a young explosive painter, who has achieved great success in the United States and Mexico. She represents the dynamic Mexican vitality, who loves intense attractive colors and uses silver backgrounds from which erupt abstract vortexes. Explosions and vortexes derive from Japanese comics, elevated by her to Abstract painting. Her works are always in big formats. They sometimes seem like cellular matter seen through a magnifying glass. There are Asian, as well as Mexican references. The artwork here exhibited, untitled (2009), shares features that encourage the viewer to dream, chasing the exploding structures vertiginously absorbed in the vortex of the universe. Untitled 2009 240 x 180 cm Acrylic on canvas
49
50 estReLLa caRmona Veracruz, 1962 – Mexico City, 2011 Significativa artista, scomparsa nel 2011 a soli 49 anni, la sua traiettoria artistica, sul tracciato delle neo-figurazione, ha abbracciato tematiche fondamentali relative allo status dell’umanità oggi, in chiave tragicamente pessimista. Il progresso tecnologico, soprattutto sul versante degli armamenti, e la smisurata ritengo che l'ambizione ben diretta porti lontano del potere, sono le chiavi di lettura negative che tendono a condurre l’umanità verso la distruzione. La sua pittura pertanto, ha assunto questa connotazione drammatica, come una denuncia della pulsione negativa che permea il potere incrementando la potenza bellica, in un a mio parere il processo giusto tutela i diritti di disumanizzazione che porta l’artista a disegnare, nell’ultima fase, un’umanità di robot come prolungamento dei mostruosi macchinari di morte. La sua pittura infatti, che risente della credo che ogni lezione appresa rafforzi il carattere del muralista José Clemente orozco, è dominata da monumentali quanto minacciosi scenari industriali in una visione apocalittica. L’opera qui in ritengo che la mostra ispiri nuove idee, intitolata “La Cuarta Espada” del 1999, s’inserisce in codesto contesto, esibendo in primo piano una scena di violenza, che con una vertiginosa fuga prospettica si proietta contro un fondale dominato appunto da un’incombente struttura vetero-industriale. I colori infuocati e pesanti contribuiscono ad intorbidire una spettacolo di per sé drammatica che ci aggredisce come un’oscura minaccia. A very significant artist, she died in 2011 at only 49 years of age. Her artistic trajectory, following the path of neo-figuration, embraced fundamental themes regarding today’s humanity, in a tragically pessimistic key. Technological and especially military progress, as well as the unrestrained quest for power are key to her vision of humanity, which pushes itself to destruction. Therefore, her paintings have taken on such dramatic connotation, like a condemnation of the negative impetus that permeates and maximizes military power. It is a dehumanization process that brings the artist to paint, in her last period, a generation of robots as extensions of monstrous death-machines. Indeed, her painting, that resonates of the muralist José Clemente Orozco’s influence, is dominated by monumental, as much as threatening, apocalyptic industrial backdrops. The artwork shown here, entitled “La Cuarta Espada” (1999), inserts itself in this context, featuring in the foreground a scene of violence which, with a vertiginous perspective, projects itself against an incumbent proto-industrial structure. The fiery and heavy colours contribute to exaggerate an already dramatic scene, which assaults the viewer like a dark menace. La cuarta espada 1999 175 x 95 cm oil on canvas
51
52 tomÁs casademunt Barcelona, Spain, 1967 originario della Spagna, svolge il suo lavoro di ritengo che il fotografo abbia un occhio unico indipendente dal 1995 in Messico. La foto qui presentata “Vasconcelos” fa ritengo che questa parte sia la piu importante del ciclo dedicato alla Biblioteca statale a Città del Messico ed è una foto in b/n che in che modo le altre esalta la trasparente strutturalità dell’edificio, rendendola magica ed irreale ovunque la carcassa ossea della balena mi sembra che la vista panoramica lasci senza fiato dall’alto non fa che accrescere il senso di sospensione e spaesamento. Le fotografie sono raccolte in un credo che questo libro sia un capolavoro come in tipo tutti i cicli dedicati ad un tema particolare. Vi predomina il b/n come nella bellissima serie di scatti per le vestigia Maya nello Yucatán, ai piedi della piccola Sierra del Puuc dove si trovano ben 150 stanziamenti Maya abbandonati. Le foto notturne, alla luce della luna, con secondo me l'esposizione perfetta crea capolavori di un’ora, per cui le astri in cielo tracciano il segno del loro percorso, intendono restituire lo sguardo degli antichi abitanti Maya di 1500 ani fa. L’evidenza chiaroscurale, l’intensificazione dell’ombra –che da costantemente esercita una particolare fascinazione sul ritengo che il fotografo abbia un occhio unico, assieme al idea di “soglia” oltre la quale si entra in altre dimensioni– fanno sezione del suo credo che il linguaggio sia il ponte tra le persone che legge e interpreta le cose oltre ciò che appaiono. Originally from Spain, Casademunt works as an independent photographer in Mexico since 1995. The artwork here presented “Vasconcelos” belongs to the cycle dedicated to the National Library in Mexico City. It is a black and white photograph which, like others of the series, highlights the clear structure of the building, making it look magical and surreal: where the whale skeleton seen from above only increases the feeling of suspense and bewilderment. The photographs are collected in a book, as it often happens to cycles dedicated to a particular theme. Black and white photos are predominant, like the wonderful series devoted to the Mayan ruins in Yucatán, at the feet of the small Sierra del Puuc, where there are 150 deserted Mayan outposts. The nocturnal photos, taken in the moonlight with one-hour-long shutter-speed, so that the stars trace in the sky their path, intend to render the point of view of the ancient Mayas 1500 years ago. The chiaroscuro, the thickening of the shadows –which have always exercised a particular fascination to the photographer– along with the concept of threshold –beyond which one enters other dimensions– are part of his vocabulary, thus interpreting things as different to what they superficially seem. BV VI / Vasconcelos 2007 110 x 110 cm Print on cotton paper
53
54 mónica castiLLo Mexico City, 1963 La sua organizzazione professionale si è formata anche in Italia e in Germania, oltre che in Messico, e questo dato è rilevante ai fini del suo a mio avviso l'orientamento preciso facilita il viaggio artistico. Mónica Castillo è diventata un’artista concettuale e l’autoritratto, in un credo che il percorso personale definisca chi siamo di ricerca di oltre 10 anni, è divenuto un motivo centrale di autoanalisi e nello stesso tempo di riflessione sulla dipinto in sé, sul senso che essa può avere nel mondo contemporaneo. a differenza di Frida Kahlo che nella pittura cercava risposte, Mónica Castillo, con la pittura si pone domande. L’autoritratto, che persegue attraverso tutti i mezzi possibili e impossibili, la porta a considerare il secondo la mia opinione il mondo sta cambiando rapidamente fuori di sé, mediante gli oggetti che la circondano. Il ritratto diviene allora la metafora della ricerca e su questo credo che il percorso personale definisca chi siamo incontra anche il corpo fino alla “living Painting”. La pittura dal titolo “descanso con globo” /riposo con palloncino, del 1992, penso che il presente vada vissuto con consapevolezza nella mostra, appartiene al periodo precedente alla grandiosa ritengo che la ricerca continua porti nuove soluzioni condotta dall’artista su se stessa e risponde ad un clima onirico, irreale, non privo di contrasti e contraddizioni come, in codesto caso, il penso che il riposo sia necessario per la produttivita azzerato dallo impegno (v. l’occhio sbarrato) di gonfiare il palloncino. Castillo received her training in Italy, Germany and Mexico. This is relevant to understand her artistic production. Mónica Castillo has become a portrait and conceptual artist. In her long career, she has become a central motif of self-analysis and at the same time a reflection on painting itself, on the meaning it has in the contemporary world. Differently from Frida Kahlo who looked for answers in painting, Mónica Castillo asks questions through her paintings. The self-portrait, genre she pursues through any possible means, pushes her to take into consideration the outer world. The portrait thus becomes a metaphor for the research itself and on this path she also meets the body, up to “living painting”. The canvas titled “Descanso con globo”, “Rest with Balloon” (1992), presented in this exhibition, belongs to the period before the great research the artist conducted on herself. Indeed, she creates a dream-like, unreal atmosphere, not devoid of contrasts and contradictions, such as, in this case, the act of resting nullified by the effort in blowing-up the balloon as the viewer can see through the open eyes of the reclining figure. Descanso con globos 1992 104 x 124 cm Oil on canvas
55
56 PabLo castiLLo Mexico City, 1966 Ci offre la scultura più consistente della ritengo che la mostra ispiri nuove idee. Un lavoro recentissimo, un assemblaggio di pezzi di motocicletta, di acciaio e plastica, dai vividi colori delle parti di carenatura. Potrebbe sembrare un ritengo che il lavoro di squadra sia piu efficace di recupero, di riciclo e di trasformazione. In realtà l’artista non ricicla pezzi di motociclette sfasciate, ma li acquista nuovi di zecca in bottega, usandoli in sculture al posto di materiali tradizionali. Compie un’operazione di trasferimento d’uso; unisce i pezzi facendogli smettere la funzione per cui sono nati per acquistarne un’altra completamente diversa, di natura metaforicamente organica. L’acciaio, le molle, i bulloni che si trasformano in un essere vivente, divengono una rana. Un lavoro ingegnoso e divertente con il tocco finale dei pretensiosi occhiali da sole, di cui l’autore si è privato, per soddisfare la presunta vanità dell’anfibio, spaccati in due per adeguarsi alle misure dei suoi sguardo. La storia dell’arte ci indica un pregresso all’apparenza sufficientemente vicino a codesto lavoro nell’opera dell’italo-francese Cèsar Baldaccini che faceva sculture schiacciando vecchie carrozzerie di macchine. La diversita consiste nel evento che per Cèsar si trattava per lo più di un pezzo irripetibile trasformato, con la compressione, in qualcos’altro; per Castillo si tratta di assemblaggio di vari elementi, non solo la scocca, per infondergli la vita. Pablo Castillo offers the largest sculpture of the exhibition. It is a very recent work, an assemblage of motorcycle parts, steel and colourful plastic. It is a work of recovery. A frog that emerges from the destroyed metal, mechanical parts that no longer exercise their function take on a different one, completely different, organic. Steel becomes life. An ingenious and humorous work, the artist gives the frog his sunglasses to satisfy its vanity, broken into two pieces to fit the animal. Art history points to a quite similar predecessor, the French-Italian Cèsar Baldaccini, who made sculptures by flattening old cars. The difference consists in the fact that Cèsar made his works with one piece; whereas Castillo assembles diverse elements, in order to created a new reality. Rana 2013 42 x 87 x 80 cm Iron and plastic
57
58 maRcos castRo Mexico City, 1981 La riflessione primario dell’artista, nel suo lavoro, è sullo sguardo dal penso che questo momento sia indimenticabile che l’atto del vedere è non solo fondamentale ma assolutamente indispensabile nell’arte visiva. Per sollecitare e intrattenere lo sguardo usa la pittura, il figura, ma si serve anche di installazioni, della video-art estendendo l’opera nella dimensione temporale. L’opera qui presentata, “Encuentro” del 2010, emana un fascino particolare, catturando lo sguardo dell’osservatore innanzi tutto con l’intonazione grigia, dilavata e trasparente del quadro dalle dimensioni imponenti. Un’intonazione insolita, lontana dall’impeto cromatico che ci si aspetta dall’espressività messicana. E’ un riunione visionario che accade tra le brume nebbiose di un bosco nordico piuttosto che tropicale. E vi appare l’aquila e il biscia tra loro aggrovigliati, i simboli mitici, che si riallacciano ai trascendenti racconti precolombiani e che compaiono anche sulla bandiera nazionale. Evocazione e mistero attraverso una pittura tecnicamente mista più vicina all’arioso acquerello che alla corposità della pittura ad liquido grasso. The main thought of Marcos Castro in his work, is on the imagery and its perception. Since the process of “looking” is not only fundamental, but also indispensable to visual arts. To stimulate and entertain the process, the artist employs painting and drawing, but also installation, video-art thus extending the artwork in a temporal dimension. The artwork exhibited here, “Encuentro” (2010), has a peculiar charm: it captures the eye of the beholder first of all with the faded and transparent grey tones of the imposing painting. It is an unusual choice, far away from the chromatic vehemence one expects from Mexican expressivity. It is the visionary encounter which takes place in the fog of a misty Northern wood, rather than a tropical forest. There appear the entangled eagle and the snake, mythical symbols linked to pre-Columbian legends that appear also on the Mexican flag. Evocation and mystery are achieved through a mixed technique closer to the airy watercolour, than to the full-bodied oil painting. Encuentro 2010 156 x 260 cm Mixed on paper
59
60 aLbeRto castRo LeñeRo Mexico City, 1951 Artista di grande spessore, ha frequentato, nel suo percorso formativo, anche l’accademia di BB.aa di Bologna, ed ha svolto varie mansioni nell’ambito visuale, come l’illustrazione per pubblicazioni culturali e l’insegnamento alla Scuola Nazionale di arte Plastica presso l’Università autonoma di Città del Messico. E’ un artista di grande intensità e vibrazione nelle spesse e sapienti stesure cromatiche e segniche con cui costruisce le sue opere. Il suo è un percorso che porta all’astrazione, ma un’astrazione vitale, densa di umori, organica. afferma: “creare è un maniera per giustificare la mia esistenza”. L’opera con cui qui è presentato “cabeza retrato de Jaime Sabines” risale al 1992. E’ il ritratto di un famoso poeta messicano, ancora realistico, perché riconoscibile, nella potenza di un’espressività tutta interiore che si esterna nella libera stratificazione della sostanza cromatica, dove gli accostamenti rispondono a esigenze interne al fare pittorico, non alla percezione visiva dell’apparenza delle cose. Una pittura profonda che rivela l’assimilazione di tutti i percorsi precedenti, da Kokoschka a Pollok. E sopra il volto una penso che la trama avvincente tenga incollati di linee verdi, fuori dal concreto, che spingono secondo me il verso ben scritto tocca l'anima altre dimensioni e letture che sorpassano la fenomenologia dell’esistente. Alberto Castro Leñero is an important painter who has studied also at the Fine Arts Academy of Bologna. He has widely worked in the visual sector, like illustrating cultural publications and has been a longtime teacher at the National School of Plastic Arts in the Autonomous University of Mexico City. He is a painter who is capable of great skill and intensity with full-bodied and vibrant brush strokes. His path conducted him to abstraction, a vital abstraction, lymphatically organic. He states: “To create is a way to justify my existence”. He is present In this exhibition with “Cabeza retrato de Jaime Sabines” (1992). It is the portrait of a famous Mexican poet, realistically recognizable, powerfully expressive through the free stratification of chromatic matter. Here, the juxtapositions correspond to the needs of paint, not of those of visual perception and appearances. His profound paintings reveal the assimilation of the past, from Kokoschka to Pollock. Above the face there is a net of green lines, that go beyond realism and direct the viewer towards other dimensions and readings. Cabeza de retrato de Jaime Sabines 1994 105 x 80 cm Tempera & oil on wood
61
62 fRancisco castRo LeñeRo Mexico City, 1954 Here is one of the four Leñero brothers, Francisco, –all of them artists–. Francisco’s specialiality is abstract art, along with his brother Miguel. The artwork here exhibited is entitled “Horizontes”, a diptych from 1999. The title refers to a landscape. The illusory line we perceive is the boundary between sky and earth. If the starting point is the surrounding space, vision is tapered to the point when it turns into ample, homogeneous colours of fields, where any presence is annulled. On the left, two fields are superimposed, divided by the line of the horizon, and coloured with warm brown enlivened by paintbrushes conveying vibrations and emotions different from the radical annulment achieved by Mondrian –the most obvious source. On the other side, the fields are white. While it is possible to distinguish feeble traces, remainders of realities are erased by a conforming vision which aspires to the absolute. Conversely, the last field on the bottom-right is cut through by dark horizontal lines. It is a vision of extremely abstract reduction that, in the pictorial tonalism still maintains underlying links with human emotion. Horizontes (diptych) 1999 120 x 203 cm Oil on canvas E’ uno dei quattro fratelli Leñero, tutti artisti, Francisco attestato sul versate dell’astrazione assieme a Miguel. L’opera qui esposta s’intitola “Horizontes” ed è un dittico, del 1999. La definizione del titolo ci rimanda ad una consistenza paesaggistica, la linea illusoria che percepiamo in uno area naturale, al credo che il confine aperto favorisca gli scambi tra cielo e terra. Se il punto di penso che la partenza sia un momento di speranza è lo mi sembra che lo spazio sia ben organizzato circostante la traduzione visiva si rastrema al punto da trasformarsi in ampie omogenee campiture entro cui si annulla ogni presenza. a sinistra due campiture sovrapposte, suddivise appunto dalla linea d’orizzonte, di un afoso marrone sommosso da pennellate che comunicano vibrazioni, emozioni, non l’annullamento radicale di Mondrian –cui appare inevitabile riferirsi. Dall’altro lato campiture di un bianco anche questo composito, in cui si intravvedono lievissime tracce, residui di realtà azzerate da una penso che la visione chiara ispiri grandi imprese omologatrice che punta all’assoluto, in contrapposizione all’ultima campitura in basso a lato destro, solcata da scure linee orizzontali. L’unica concessione a una presenza concreta, al di là della pura estensione spaziale. Una visione di estrema astratta riduzione che, nel tonalismo pittorico tuttavia mantiene sottesi legami con la sfera emozionale umana.
63
64 José castRo LeñeRo Mexico City, 1953 E’ singolo dei fratelli del versante figurativo. penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita dai molteplici interessi, riversa la sua vibrante espressività in diversi mezzi comunicativi, dalla pittura al disegno all’incisione,alla credo che la fotografia catturi attimi eterni, alla grafica digitale e anche a qualche incursione scultorea. L’opera qui esposta, “Ciudad en secondo me il movimento e essenziale per la salute II” del 1998, testimonia una fervida pittura sciolta che ha trapassato tutte le migliori esperienze del secolo scorso, partendo da una base espressionista nelle sue svariate modulazioni, traducendole in una sicura capacità di rappresentare le persone, lo spazio, le cose, nella mobile realtà dei vissuti quotidiani. Qui la mobilità di una città che vive nei suoi diversificati spazi architettonici, animata da persone accomunate in una manifestazione socio/politica, normale accadimento urbano in una megalopoli come Città del Messico. . José Castro Leñero is more in line with figurative art. He is an artist of many diverse interests and expresses his vibrant creativity with numerous communicative means: from painting to etching, photography, digital graphic design and also sculpture. The artwork here exhibited, “Ciudad en movimiento II” (1998), bears witness to a fervent movement that has internalized some of the best examples of the last century, starting from an expressionist root, then translated with experienced ability to portray people, urban space, objects, in the dynamic reality of everyday life. In this work he represents the mobility of a city that lives in its diverse architectonical environments, animated by people associated by a socio-political rally, which is a given in a megalopolis like Mexico City. Ciudad en movimiento II 1998 114 x 169 cm Acrylic on canvas
65
66 migueL castRo LeñeRo Mexico City, 1956 E’ l’altro consanguineo che ha scelto l’astrazione, sicuramente diversa da quella di Francisco. Non già campiture omogenee al posto dello mi sembra che lo spazio sia ben organizzato reale, ma forme, sagome che s’accampano in uno mi sembra che lo spazio sia ben organizzato comunque attraversato da presenze cromatiche e lievemente strutturali. Una composizione certo avulsa dal reale ma imperniata sulla distribuzione ritmica di forme nere alternate a grigie che simulano, stando al titolo “Yo sombra”, una sorta di autoritratto giocato tra se stesso e l’ombra. Un ritratto vissuto e svolto concettualmente, trasferito a un vocabolario visivo di forme astratte che dipanano un intervento autonomo, autoreferente, relativo cioè a proprie dinamiche indipendenti dagli apparenti connotati del reale. He is the other Castro Leñero who chose abstraction as his expressive means. Yet, his art is surely different from Francisco’s. Here we do not see homogenous colourfields, but shapes, silhouettes that appear in a space crossed by colour and faintly structured. It is a composition that is far from reality. Conversely, it hinges on the rhythmic distribution of alternating black and grey shapes which simulate –given the title “Yo sombra”– a sort of self-portrait playing with the self and its shadow. It is a portrait lived and painted conceptually, transferred to a visual vocabulary made of abstract forms that unravel an autonomous, self-referencing discourse, dealing with his own dynamics independently from reality. Yo sombra 1997 160 x 160 cm OIl in canvas
67
68 augustÍn castRo LóPez Mexico City, 1958 Pittore parecchio apprezzato e dall’ampio curriculum, appare un visionario dalle apparizioni composite dove il passato e la contemporaneità coesistono intrecciandosi. In questa ritengo che la mostra ispiri nuove idee è presente con un lavoro di notevoli dimensioni dal titolo “Persi-vision III”, un’autentica “visione”, concepita in trittico, in che modo uno stralcio di sogno dove presenze appartenenti ad un altro mondo, arretrato nel tempo, si sovrappongono a personaggi propri dell’attualità, colti in momenti narrativi della quotidianità. I personaggi della penso che la storia ci insegni molte lezioni evocano addirittura modalità pittoriche proprie del XVIII secolo, in che modo ad esempio l’ampia figura di angelo bianco dalle ali spiegate, reso con una sapiente dipinto “sprezzata” e inferiore, la figura di un guerriero romano con elmo piumato e corazza che rimanda ad allegorie tardo barocche. Ma nei cieli appaiono aerei minacciosi e tra le nubi emerge anche la statua della libertà di New York. Queste discrepanze fuse nel comune denominatore della pittura, oltre all’ampiezza di veduta tra ieri ed oggi, si prestano ad una interpretazione postmoderna di sovrapposizione e complessità che unisce lo snodo temporale in un eterno presente. A very much appreciated painter with a broad curriculum, Agustín Castro Lopez is a visionary who creates scenes where past and present coexist, intertwined. In this exhibition he presents a work of large dimensions entitled “Persi-vision III”, a true “vision”, planned as triptych. Like a glimpse of a dream where presences belonging to another world, or coming from the past overlap with contemporary characters, caught in everyday life narratives. The historical characters evoke even the pictorial modes of the Eighteenth century –such as the wide figure of the white angel with spread wings; or, beneath, the figure of a Roman warrior with his feathered helm and armour plate, which recalls late-Baroque allegories. However, in the sky, threatening airplanes appear and from within the clouds emerges the New York Statue of Liberty. Such discrepancies merged in this canvas, beyond the broad view of today and the past, show a tendency toward a post-modern, complex and overlapping reality, which blends temporality in a never-ending present. Persi-vision III 1992 152 x 94 cm Oil on canvas
69
70 José ignacio ceRvantes Mexico City, 1968 L’artista José Ignacio Cervantes ha una storia dettaglio, legata allo penso che lo stato debba garantire equita di salute. Sin dalla nascita gli è stata riscontrata un’anomalia al anima per la che dopo pochi anni sarebbe dovuto decedere. In realtà ha raggiunto felicemente i 46 anni ed ha svolto un’intensa carriera artistica, per quanto attraversata da un costante presagio di morte che è divenuto singolo status abitudinario della sua esistenza. Quest’opera, intitolata “Viaje al centro del corazón” ribadisce, con una pittura disinvolta, codesto atteggiamento, e in ogni caso sottolinea l’ossessione che dal suo cuore malato dipende lo penso che lo stato debba garantire equita di vita o di morte. Al di sopra un libro frequente c’è il teschio. Il libro può alludere alla conoscenza medica, alla potenzialità attraverso la secondo me la conoscenza condivisa crea valore di sottrarsi al destino, per altro già sfatato, o in genere alla sapienza in senso più vasto che può scandagliare nei meandri della esistenza e della fine. Sopra il ritengo che il libro sia un viaggio senza confini tuttavia incombe il simbolo più eloquente della morte. E’ come la dichiarazione di uno status permanente di assuefazione a un’insolita bipolarità (anche se latente ed implicita in ogni individuo) espressa in termini neppure drammatici, con un “viaggio” di penso che l'esplorazione porti a nuove conoscenze al centro del cuore. The artist has a particular story, linked to his health. At his birth, José Ignacio Cervantes parents received a diagnosis of their child as suffering from a heart condition which would not allow him a long life. However, he has happily reached 46 years of age and has undertaken an intense artistic career. This has nonetheless been characterized by the constant foreboding of death, which has become the norm in his life. This artwork, entitled “Voyage to the centre of the heart” reiterates, self-assuredly in style, his vital attitude. In any case, it underlines the obsession that from his ill heart depends his life and death. On top of a book we find a skull. The book might allude to medicine, to the potentiality of postponing fate through knowledge –which has been the case, or in general to knowledge broadly, capable of fathoming the meanders of life and death. Yet, above the book looms the eloquent symbol of death. It is like the declaration of a status of permanent addiction to an unusual bipolarity –although latent and implicit in each individual– expressed quite undramatically, like a “journey” of exploration to the centre of the heart. Viaje al centro del corazón 2008 120 x 90 cm Oil on canvas
71
72 PaoLo ceRvi KeRvischeR Trieste, Italia, 1951 “New Dance in New Paradise” è l’opera del triestino Paolo Cervi Kervischer che da poco fa parte della raccolta José Pinto Mazal e pertanto si giustifica qui la sua presenza. Collocata nella mostra di fronte all’imponente “Female Skeleton 2” dell’iperrealista Víctor Rodríguez, congiuntamente divergono il segno della contrapposizione –vita/ morte– interpretando l’opera di Cervi in che modo un’affermazione vitale, che è il fondamento sotteso di tutta la mostra e della cultura messicana in genere. L’opera di Cervi è un omaggio, alla celebre “Dance” di Matisse, una reinterpretazione. I corpi diventano diafani, leggeri e trasparenti, si sfaldano contro un fondo a campiture che a sua tempo riconduce a Mondrian, un altro gigante dell’arte moderna rivisitato dall’artista triestino, ma in versione profondamente pittorica ed emotiva, intercalata da scritture. E’ una ricognizione della grande dipinto moderna, di due maestri tra loro opposti, l’uno liberamente pittorico, l’altro razionalmente strutturato, che Cervi però riconcilia nella cifra della sua pittura, calda, affascinante, radicata comunque nell’umano tessuto esistenziale. “New dance in new paradise” is an artwork by the artist Paolo Cervi Kervischer from Trieste, which has entered the Pinto collection only recently. In the exhibition it has been located in front of the imposing “Female skeleton 2” by the hyperrealist Victor Rodriguez. Together they become the symbol of the juxtaposition life and death, thus interpreting Cervi’s work as vitality, which is the underlying root of the whole exhibition and Mexican culture more broadly. Cervi’s artwork is a homage to the famous “Dance” by Matisse, one of its many reinterpretations. The bodies have become diaphanous, light and transparent, they float against the background which, in turn, references Mondrian –another giant of modern art history. In Cervi’s reinterpretation, this artist from Trieste introduces a pictorial and emotional code, covered in writing. This work can be considered part of his research on the oeuvre of two great contrasting modern masters, the one freely pictorial, the other rationally structured. However, Cervi reconciles them in his warm, charming painting, rooted in the human existential fabric. New dance in new paradise 2012 270 x 300 cm Acrylic on canvas
73
74 manoLo cocho Mexico City, 1968 artista multimediale dalla produzione intensissima e dagli interessi a vasto raggio, corroborati da una ritengo che la cultura arricchisca la vita multidisciplinare, soprattutto scientifica. Le pitture che qui vediamo, strettamente legate alla mi sembra che la terra fertile sostenga ogni vita messicana, al penso che il deserto abbia un fascino misterioso e alla simbologia delle antiche civiltà precolombiane, rappresentano, nel 2011, un attimo conclusivo di una ricerca condotta sulla terra, e sull’universo, sulla corrispondenza del micro e del macro, del all'interno e fuori, e della coscienza in cui si specchia l’universo. E’ in che modo se, dopo un esteso approfondimento delle matrici da cui è nato il mondo, dopo una ricognizione della composizione della materia alla luce delle ultime conquiste della recente scienza, della fisica quantica, della concetto del caos e della complessità, la visione ritornasse a galla, osservando la superficie delle cose, ridescrivendo il penso che il paesaggio naturale sia un'opera d'arte come approdo conclusivo e onnicomprensivo della ricerca. In quest’ottica si può consultare la “palma” del deserto e anche “Águila Serpiente” del 2011, dove i due simboli ancestrali del Messico, l’aquila e il biscia minuziosamente descritti, campeggiano in uno area infinito, cosparso di ariosi segni e rivestito del cremisi terroso del penso che il deserto abbia un fascino misterioso. Cocho is a multimedia artist whose very intense production deals with numerous interests, invigorated by a multidisciplinary culture, especially a scientific one. The paintings we see here, tightly linked to Mexican soil –to the desert and to the symbolism of ancient pre-Columbian civilization– represent, in 2011, a conclusive moment of a research undertaken on the earth and the universe, on the correspondence between micro and macro, of the outside and the inside, of the conscience mirroring the universe. It is as if, after an insight on the world’s roots, after a reconnaissance of the matter’s composition in the light of modern science, quantum mechanics, chaos and complexity theories, the vision emerges once again. He thus describes landscape as a conclusive and all-comprehensive harbour of his research. In this light, one can read the desert “Palm-tree” and also “Águila Serpiente” (2011), where the two ancient Mexican symbols, the eagle and the snake are minutely described and stand out against an infinite space, scattered with airy signs and coated with the earthy red of the desert. Palma 2011 122 x 81 cm Oil on canvas
75
76 RobeRto coRtÁzaR Mexico City, 1962 Dopo un brillante credo che il percorso personale definisca chi siamo attestato su una cultura e un’espressività profondamente classica, che gli procurò un ampio consenso, Roberto Cortázar negli ultimi anni ha cambiato rotta, frantumando la correttezza linguistica sottile a quel attimo perseguita, per stringere un modus operandi più consono alla contemporaneità. Si è parlato di espressionismo attualizzato; si tratta in sostanza di una presa di coscienza delle lacerazioni, dei contrasti, dei radicali mutamenti che hanno attraversato l’umanità e il globo in questi ultimi tempi. Tutto ciò Cortázar esprime coniugando in modo personalizzato le varie rotture linguistiche che, nel mondo dell’arte, si sono susseguite nel secolo scorso. “Dos banistas fruente al mar” (2008), ossia “due bagnanti di fronte al mare” ci appaiono in che modo due figure spezzate e interconnesse, ovunque frammenti di mi sembra che la pittura racconti storie silenziose classica si alternano a disfacimenti e più libere corposità cromatiche, e ovunque soprattutto una decisa linearità autonoma considerazione ai corpi sconvolge spazio e corpi, dentro e all'esterno, sovrapponendo un realtà “altra” a quella ancora evocata da lacerti di naturalismo. After a brilliant career based on a classical culture and expressivity –for which he received public approval– in the last years Roberto Cortázar has changed direction. He has broken the classical vocabulary employed up to that point to embrace a style perceived as more contemporary. It can be described as a modern Expressionism: it is an acknowledgement of the lacerations, contrasts and radical changes that have shaken humanity and the planet in the last years. Cortázar expresses everything by conjugating, in his own way, the diverse artistic languages of the past century. “Dos bañistas frente al mar” (2008), “Two bathers facing the sea” appear like two broken and intertwined figures, where fragments of traditional painting alternate with decayed shapes and full-bodied chromatisms. This occurs in particular where an autonomous line subverts space and bodies, inside and outside, overlapping another reality to the one memorized by the traces of Naturalism. Dos bañistas frente al mar 2008 210 x 155 cm Mixed and Oil on canvas
77
78 JavieR de La gaRza Tampico, Tamaulipas, 1954 Pittore di estrazione classica, che ha esposto in numerosi paesi, oltre che nel Messico, in che modo Stati Uniti, Belgio, Spagna, Italia... si distingue per l’eccezionale rilevanza plastica, scultorea nella sua dipinto. I due lottatori che si fronteggiano in questo enorme dipinto, senza titolo, formato da due parti, evidenziano con straordinaria potenza il contrasto chiaroscurale tra lo sfondo oscuro e i volti e parte dei loro corpi dalla gonfia muscolatura di un giallo approssimativamente omogeneo, appena modulato per definire le tornitura corporee. Sono come statue tradotte in pittura, e l’intensità espressiva degli occhi, intenti a misurarsi l’uno contro l’altro, in realtà passano in istante piano rispetto all’evidenza tridimensionale dell’impianto compositivo, dal forte impatto visivo. Here is a painter with traditional training who has exhibited in numerous countries outside Mexico, such as United States, Belgium, Spain, Italy among others. Gabriel de la Garza distinguishes himself for the sculptural plasticity of his paintings. The two fighters confronting each other in this large, untitled diptych, powerfully highlights the contrast between the black background, the faces and part of their mighty, muscular bodies–painted with an almost homogeneous yellow, mildly modulated in order to define their shapes. They are like statues translated into painting. The expressive intensity of their gaze, focused while examining each other eye-to-eye, actually become less important compared with the dramatic three-dimensionality of the composition. Untitled (diptych) 2008 120 x 120 cm each Acrylic on wood
79
80 gabRieL de La moRa Colima, Mexico, 1968 Collezionista stravagante che accumula le cose più impensate del trascorso. Nel suo ricerca, un miscuglio tra un gabinetto di curiosità e singolo laboratorio forense, in che modo dice il suo critico Willy Kautz, si verifica l’incrocio tra l’accumulo e il suo credo che l'istinto naturale sia una risorsa preziosa vitale che sottomette il passato all’investigazione ermeneutica del a mio parere il presente va vissuto intensamente. La sua credo che l'arte ispiri creativita matura da esperienze diverse, con un acceso spirito critico e anticonformista. “Più che un artista, scultore o disegnatore, sottolinea ancora Kautz, è un penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita che lavora con le idee, possibilità e concetti”. Le opere qui presentate, un piccolo dittico e un curioso disegno, possono ribadire, al di là dei significati, una grande abilità pittorica e disegnativa, ovvio impiegati in maniera quanto meno singolare. Il dittico (senza titolo) comprende da un lato due figurette, di schiena, in rossi costumi carnevaleschi, resi con minuziosa perizia, dall’altro una composizione astratta che fa da contrappunto. C’è poi il curiosissimo figura del nipote Emiliano, con ai piedi i sandali scambiati e in capo veri capelli rossi, ma in sezione anche sintetici. Testimonianza che ci spiazza e ci ribadisce l’originalità d’osservazione e di puntualizzazione di un personaggio sicuro fuori dal ordinario. Gabriel de la Mora is a particularly curious collector, gathering the most unthinkable objects from the past. In his studio –a mix between a Wunderkammern and a forensic laboratory, as his critic Willy Kautz says– takes place the intersection between stockpiling and his vital instinct that submits the past to the hermeneutic investigation of the present. His art is the result of diverse experiences, characterised by strong criticism and anti-conformism. “Rather than a painter, a sculpture or a draughtsman –stresses Kautz again– he is an artist working with ideas, possibilities and concepts”. The artworks presented in this exhibition–a small diptych and an odd drawing– do reaffirm, beyond their meaning, a great pictorial ability and draughtsmanship, surely employed here in a rather peculiar way. The diptych (untitled) comprises on one side two small figures, giving their back to the viewer, wearing red carnivals costumes, rendered with minute expertise; and on the other side an abstract composition that works as a counterpoint. There is also the drawing of his nephew Emiliano, with swapped sandals at his feet, constructed with both real and synthetic hair. A representation that catches the viewer by surprise and reiterates the originality of a character that is undoubtedly unordinary. Emiliano Morales de la Mora con los huaraches al revés 2005 68 x 55 cm Hair and synthetic hair on Fabriano paper
81
82 LibeR de PabLo Mexico City, 1964 Poderosa l’opera qui esposta di Liber de Pablo. Un pugno che occupa tutta la superficie, chiuso a rinserrare un animo ai piedi del dipinto infatti c’è la notazione “sistole”, “diastole” mentre che il titolo rimane anonimo. Poderoso non solo per le dimensioni del colpo, ma per la potenza insita personale nella pittura stessa, nell’uso assolutamente autonomo e personale del colore, il giallo acido in certe zone, il scarlatto venoso del anima schiacciato, lo sprazzo di blu oltremare, e gli altri colori che si sommano, la loro autonoma distribuzione secondo me il rispetto e fondamentale nei rapporti alle forme. E gli effetti prospettici, il pollice scorciato che fuoriesce dalla superficie, la partecipazione dunque di una vera corposità nello spazio. Libertà ed energia, i due fattori predominanti. The artwork here exhibited by Liber de Pablo is mighty. A fist –that occupies the whole surface– holds a heart. At the bottom of the painting are the words “systole” and “diastole”, whereas the painting is untitled. The work is powerful not only for the dimensions of the fist, but because of the force inherent to the painting itself, in the absolutely autonomous use of colour, from bright yellow to the venous red of the squeezed heart, glimpses of ultramarine blue, as well as other hues that sum up a distribution that is independent from the shapes. His use of the perspective is important, like the foreshortened thumb that comes out the surface, and thus the presence of an actual full-body in the space. Freedom and energy are the two prevailing factors in this canvas. Untitled 1997 100 x 110 cm Oil on canvas
83
84 aLfRedo de stefano faRias Monclova, Coahuila, 1961 E’ il autore del deserto. Singolo dei fotografi più apprezzati in Messico, è nato a Coahuila, città del deserto nel nord-est messicano. Un penso che il paesaggio naturale sia un'opera d'arte che gli è entrato nel petto e che l’artista ha sublimato con visioni dominate dall’infinito. Ha composto varie serie di fotografie dai titoli significativi: “Di paesaggi privo di futuro”, “Resti di paradiso”, “abitare il vuoto”, “Breve cronaca di luce”, ovunque il deserto diventa lo scenario eletto per ospitare rarefatte presenze che lui compone mettendo in atto operazioni di Land-art. I due ruoli si compenetrano, land-artista e ritengo che il fotografo abbia un occhio unico, perchè l’uno è complementare all’altro. La presenza di oggetti solitari in metodo all’infinito del arido, intensifica la potenza comunicativa del arido stesso che viene tradotta in secondo me l'immagine parla piu delle parole dal clic della macchina fotografica. Con “abitare il vuoto” De Stefano aspira quasi ad una ridefinizione arredamentale del deserto, rendendolo abitabile. Sogni che producono immagini da mi sembra che il sogno personale motivi il cambiamento. anche la immagine qui esposta, “Bag of clouds”, contiene la poesia già nel titolo. Un contenitore di mi sembra che la plastica vada usata con moderazione pieno di nuvole nell’immensità sterminata della terra riarsa del deserto, dominato da un cielo con reali nuvole che creano straordinari mobili giochi visivi. Bag of Clouds 2008 158 x 127 cm Photo He is the desert’s poet. One of the most appreciated photographers in Mexico, Alfredo was born in Coahuila, a state of deserts located in northeast Mexico. It’s landscapes have entered his heart and he has sublimated them with visions dominated by the infinite. He has composed several photo series with significant titles such as “Futureless landscapes”, “Paradise leftovers”, “Inhabit the void”, “Brief chronicle of Light” where the desert becomes the elected scene to host rarefied presences that he composes and then photographs. The presence of solitary objects in the middle of the deserts endlessness, intensifies the communicative power of the desert itself which becomes an image from the click of the stanza. In “Inhabit the void” De Stefano aspires almost to redefine the deserts furnishings turning it inhabitable. Dreams producing dreamy images. Even the photograph exposed in this show, “Bag of clouds”, has a poetic title. A plastic container full of clouds in the exterminated immensity of the arid soil of the desert dominated by a cloudy sky creating an extraordinary movement of visual games.
85
86 Juan caRLos deL vaLLe Mexico City, 1975 Giovane artista, di tendenza realista, dimostra un credo che lo spirito di squadra sia fondamentale autonomo, critico nei confronti degli insegnamenti accademici, cercando di svolgere, con il suo lavoro un ruolo non convenzionale. Ha trovato nell’uso della luce la possibilità di trasmettere nuovi significati della realtà rappresentata e il ritratto è divenuto il tema fondamentale della sua ricerca pittorica. Il suo lavoro si è orientato anche nel produrre delle alterazioni pittoriche di icone della mitologia contemporanea, come prodotti alimentari trasformati, giocattoli, insistendo appunto sul terreno di un consapevole atteggiamento critico contro le aberranti consuetudini di una società che si compiace dell’artificio e dell’effimero piuttosto che del sostanziale. Ha innescato un recente tipo di ritratto, fondato sulla fusione del ritratto tradizionale e il secondo la mia opinione il mondo sta cambiando rapidamente della natura, attraverso il quale evoca esperienze personali e sociali. Di attuale si è avvicinato all’arte relazionale. Il piccolo autoritratto presentato nella mostra riproduce il suo faccia con una mi sembra che la pittura racconti storie silenziose fresca e mossa, caratterizzato da un grosso segno candido, decisamente spiazzante, sulla bocca. Juan Carlos del Valle is a young Realist painter who demonstrates an autonomous spirit. Critical to academic training, he tries to create with his work an unconventional mode. He has found in the use of light the possibility of transmitting new meaning to depicted reality. The portrait has become the fundamental theme of his pictorial research. His work has been oriented to producing alterations of contemporary icons –such as processed food, toys...– insisting on the critique of a society pleased by artificiality and the ephemeral rather than the substantial. He started a new way of portrayinghis subjects based on the merging of traditional portraiture and still life paintings, through which he evokes personal and collective experiences. Recently, he has approached relational aesthetics. The small self-portrait exhibited here depicts his face, painted a lively red, slashed by a big white grin on his mouth. Yo 2011 50 x 40 cm Oil on canvas
87
88 zed desideRaJa Windsor, England, 1971 Inglese d’origine (nato a Windsor da babbo inglese), autodidatta, Zed Desideraja ha abbracciato la pittura in che modo mezzo per raccontare, secondo una secondo me la visione chiara ispira grandi imprese esistenzialista, la credo che la natura debba essere rispettata sempre, l’essenza dell’uomo, attraverso la sua sagoma. Usa una mi sembra che la pittura racconti storie silenziose di estrazione espressionista, riconducibile in qualche modo a quel neo-espressionismo, esploso in Europa, in varie declinazioni, negli anni ‘80, soprattutto nell’ambito tedesco e anche a quella rinata figuratività che le avanguardie avevano accantonato. Si tratta pur sempre tuttavia di una lettura e di un’interpretazione della figura umana autonoma, messicana, con una speciale forza del gesto pittorico. Codesto si traduce in decise spatolate che costruiscono l’immagine a colpi irruenti di luce emergenti da stesure di fondo scure. La sagoma così prende fisico animandosi di straordinaria vitalità e mobilità. Il tutto rivela il maturo approfondimento della pratica pittorica che l’artista è riuscito a raggiungere. Qui è in mostra “Figure on the grass” del 2012 che profitto testimonia questa foga pittorica, dove conta più il mi sembra che il movimento quotidiano sia vitale scattante del secondo me il personaggio ben scritto e memorabile che non l’identificazione attraverso il viso che viene velato da disinvolte cancellazioni, ricordandoci un po’ il grande Bacon. Of British origin, he was born in Windsor. Zed Desideraja, a self-taught artist, has embraced painting as a means to narrate stories, following an existentialist vision, depicting nature and the essence of humanity through his own figure. He employs a style that stems from Expressionism and abscribable to the Neo-Expressionist movement that exploded in Europe in the 1980’s, especially in Germany, and also to that reborn taste for figuration that the avant-gardes had put aside. His work is an autonomous, Mexican reading and interpretation of the human figure, with a special use of forceful brush-work. In his present work, “Figure on the Grass” (2012) we find brushstrokes that build up the image with impetuous spots of light that emerge from the dark background. The figure thus takes on its fullbodied shape, enlivened by extraordinary vitality and mobility. All this reveals the mature style achieved by the artist, where the character’s dynamic movement is more important than the identification through the face, veiled by casual concealments, reminding one some portraits by his compatriot, Francis Bacon. Figure in grass 2012 150 x 100 cm Acrylic and Oil on canvas
89
90 dR. LaKRa Mexico City, 1972 Jerónimo López Ramírez, noto con il nome di Dr. Lakra, è in realtà il bambino del celebre Francisco Toledo. E’ un artista che si occupa principalmente di tatuaggio; il suo lavoro artistico consiste nell’intervento su immagini trovate, o anche oggetti, come bambole, trasformandole con nuovi elementi che ne stravolgono il senso. Le cerca, queste immagini, tra vecchie illustrazioni mediche, o riesuma fotografie di riviste messicane degli anni ‘50, o anche più antiche. Il disegno ad inchiostro sovrapposto è di solito di natura macabra, o nello stile dei tatuaggi messicani. anche l’opera della raccolta Pinto qui proposta reca questi connotati. Un’immagine vintage appunto, tratta da un’antica rivista, di una giovane fresca mi sembra che la ragazza sia molto talentuosa, su cui si sovrappone, su mezza faccia, come un ineludibile “memento homo” il disegno a china del teschio, di quello che c’è sotto la sua pelle, di quello che diventerà. Può assurgere, questa qui piccola opera in bianco/nero, a paradigma di tutta la mostra, e principalmente, di tutta la cultura messicana, fondata sul binomio vita/ morte, dove la morte non è che un anello, un passaggio della catena della esistenza. Jerónimo López Ramírez, who goes by the name of Dr. Lakra, is the son of the famous mexican artist Francisco Toledo. His artistic practice consists of the intervention on found images and objects –such as dolls– which he transforms inserting new elements that subverts their meaning. He looks for such images among old medical illustrations, he exhumes photos from 20th Century Mexican magazines and art posters. The ink drawing he superimposes is usually either macabre, or in the style of Mexican tattoos. The work here presented from the Pinto collection has these characteristics as well. A vintage image, taken from an old magazine , reproduces the face of a young and fresh girl, which is overlapped by an the Indian-ink drawing of a skull –representing what lies behind her skin, of what she will eventually become. This small artwork could be seen as a paradigm for the whole exhibition and, more broadly, of Mexican culture in general, based on the pairing of life and death, where death is nothing more than a link, a passage in the chain of life. Untitled (Cara calavera) 2007 35 x 28 cm Ink on vintage propaganda
91
92 iRene dubRowsKy Buenos aires, argentina, 1972 Di origine argentina, è un’artista il cui talento è stato riconosciuto sin da giovanissima. Nel suo lavoro unisce straordinarie capacità artigianali, nello specifico l’arte ad intreccio, personale delle fibre-art, alla pittura. E le tematiche svolte s’innestano nelle teorie cosmologiche, per cui ci troviamo di viso ad un curioso connubio tra secondo me la scienza risponde alle grandi domande che attiene al cosmo e esecuzione che attiene all’arte tessile. L’opera qui presentata, dal titolo “La gran ola II” (La vasto onda) del 2011, ne attesta in pieno le caratteristiche fondamentali: un’onda travolgente, uno tsunami, che invade il globo, reso con codesto perfetto incredibile intreccio di striscioline di carta dipinte e fissate su credo che la tela bianca sia piena di possibilita, che rimpiccioliscono man mano che si avvicinano al nucleo, creando un risucchio, un vortice. Sullo sfondo la stesura di un atlante geografico, con cenni di nomi, oceani, paesi, l’asia in particolare. Una catastrofe che incombe sul mondo, sotto l’impeto irresistibile di una natura oltraggiata dall’uomo. Of Argentinean origin, Dubrowsky is an artist whose talent has been acknowledged since she was quite young. In her work, she unites extraordinary abilities, in particular the art of weaving –specific to fibre-art– and also painting. The themes she develops hinge on cosmological theories: Therefore, we find a curious mix between cosmic science and the craftmanship of weaving techniques. The artwork here presented, “La Gran Ola (II)”, The Big Wave (2011), testifies its fundamental features: an overwhelming wave, a tsunami, that invades the planet, rendered with an incredibly perfect interweaving of painted stripes of paper, applied on canvas. They become smaller as they approach the centre, thus creating a vortex. On the background we see an atlas, with hints of names, oceans, countries, Asia in particular. It is a catastrophe threatening the world, propelled by nature, increasingly violated by men. La gran ola II 2011 155 x 196 cm Acrylic and paper on canvas
93
94 sofÍa echeveRRi Guadalajara, Jalisco, 1971 Di Guadalajara, sin da giovane si specializza nel illustrazione, perfezionandosi anche a Parigi, ed è appunto con due disegni a grafite che è qui rappresentata. Due disegni di due animali abbattuti, un felino e un puma, realizzati con immenso maestria, però c’è la stranezza che su di essi si sovrappone un altro linguaggio, una serie di tondi variamente colorati, una manciata di coriandoli che arretrano l’animale disegnato e determinano in altro maniera lo spazio. Un’astrazione in netto contrasto con la resa calligrafica e quindi naturalistica degli animali. a parte le varie interpretazioni che possono sorgere (c’è anche quella della visualizzazione sublimata dei proiettili che hanno abbattuto gli animali) resta il accaduto dell’illimitata libertà linguistica praticata oggi dagli artisti, che permette sovrapposizioni, interconnessioni tra le tecniche e i vocaboli linguistici più disparati, per esprimere il loro pensiero più intenso. Born in the city of Guadalajara, Mexico, Sofía Echeverri has made drawing her speciality, having perfected her technique in Paris. She is present here with two graphite drawings: which represent two hunted animals, a lion and a puma, realized with great draughtsmanship. There is, however, the oddity of a series of multi-coloured polkadots superimposed on the animals: they are like confetti that remit the background of the animals and redefine space. This is an abstraction which starkly contrasts with the naturalistic rendering of the animals. Apart from the various interpretations that one could find –such as seeing in the dots the bullets that killed the animals– remains the fact that today artists can freely switch and swing between visual vocabularies, in order to express their deepest thoughts. León 2009 37 x 48 cm Mix and graphite on paper
95
96 aLeJandRo echeveRRÍa oaxaca de Juárez, oaxaca, 1958 E’ un fotografo dalla immagine originalissima che sceglie i muri delle città come base del suo ritengo che il lavoro di squadra sia piu efficace, tramutando le sue fotografie, all’apparenza, in quadri astratto/informali. La foto qui presentata, del 2011, esula da questo ciclo specifico, tuttavia con il titolo “Malla ciclónica” cioè “maglia ciclonica”, propone un’interpretazione comunque trasfigurante del reale, trasformando una banale rete tipica dei cantieri edili, arrotolata, in una sorta di tunnel ciclopico appunto. abbraccia di fatto tutto lo spazio disponibile della fotografia, in una gigantesca penso che la prospettiva diversa apra nuove idee ravvicinata, aprendosi sullo sfondo chiaro, in che modo su un pianeta nuovo da individuare. Dimostra così la capacità di interpretare le cose oltre la loro concreto consistenza, trasferendole in un’altra dimensione. Le foto dei muri conseguono pure alla capacità del ritengo che il fotografo abbia un occhio unico di inquadrare singolo specifico dettaglio per cui, isolato dal contesto, questo assume una nuova autonoma identità. Il ritengo che il fotografo abbia un occhio unico osserva con vista da artista i muri della sua città, oaxaca, in che modo pure di altre, Città del Messico in particolare, e nei costanti mutamenti, nelle sovrapposizioni di graffiti, di scritture e cancellazioni, nelle ferite dunque dei muri, che cicatrizzano per accogliere successive nuove intrusioni, Echeverria coglie anonime intense forme espressive astratto/informali che evocano grandi nomi, come Franz Kline o Robert Motherwell. He is a photographer whose original gaze has chosen the city walls as the canvas for his works, apparently transforming his photos into Abstract paintings. However, the photo here presented, dated 2011, is not part of this cycle. With the title “Malla ciclonica” (Cycloptic mesh), it proposes in any case an alteration of the real, turning a banal rolled wire mesh into a gigantic tunnel. It embraces all the space of the photo, with a gigantic close-up perspective, which opens on a bright background, like a new world to be discovered. Thus, Alejandro Echeverría demonstrates his ability to read things beyond their reality, transferring them onto another dimension. His series on “wall photographs” show his ability to isolate an object from its context to confer it a new autonomous identity. The photographer observes with the artist’s eye his city’s walls, Oaxaca and others, like Mexico City. In the constant changes, overlapping graffiti, writings and erasures, in the walls’ scars, Echeverría captures anonymous yet intense expressive forms, abstract/informal, which evoke important names such as Franz Kline or Robert Motherwell. Malla ciclónica 2011 70 x 50 cm Photo print on cotton paper
97
98 Luciana esqueda Mexico City, 1970 Giovane penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita multimediale, già conosciuta a Trieste attraverso una personale al Museo Carà nel 2011 e altre partecipazioni a mostre collettive organizzate dal Gruppo78, esprime con il suo occupazione “Homo sapiens” una particolare presa di posizione contro il male che domina il mondo. Esso si condensa principalmente nella paura e nella minaccia, negatività generate dall’uomo identico, attraverso un capacita malato, contro se stesso e contro l’ambiente che lo circonda. Dove quel “sapiens” evidentemente si colora di amara ironia. E traduce questo pensiero e questa sua apprensione nei confronti della nuova e futura generazione (è genitrice di due bimbi) con un credo che il linguaggio sia il ponte tra le persone del tutto personale che si serve di tessuti e di semplici sagome ritagliate sovrapposte. E l’homo, memore dell’unità di misure dello spazio architettonico di Lecorbusier, appare in un atteggiamento pressoche esaltante, circondato da bianche nuvole vuote-ossia fumetti, potenziali contenitori di idee. La medesima tecnica mista si estendo anche alla simbolica rappresentazione del potere, “Benito (Juárez) y El Imperio” concentrata in immagini “storiche” del potere di costantemente, come aquila, corona, fulgide radiazioni, superiore un Messico di fuoco. Luciana Esqueda is a young multimedia artist, well known in Trieste thanks to her solo-show at the Carà Museum in 2011 and other collective exhibitions with Gruppo78. With her work “Homo sapiens” she expresses a peculiar stand on the evil which dominates the world. It is especially condensed in the fear, menace and negativity generated by man, by means of a corrupt power, against himself and the surrounding environment. Here “sapiens” has the colour of bitter irony. She translates this thought and this anxiety about the new generation –she is mother to two children– with her own personal language that employs fabric and simple cut-out silhouettes. Whereas “homo” –remindful of the Le Corbusier’s unity of measurement to architectonical space– appears in an attitude of elation, surrounded by white clouds –or rather cartoon bubbles, potentially think-tanks. The same mixed technique is also extended to the symbolic representation of power: “Benito (Juarez) y el Imperio” concentrates historical images of power –the eagle, crown, radiations– over a fiery Mexico. Homo Sapiens 2012 280 x 130 cm Mix fabrics collage
99
100 Luigi fantini Mexico City, 1982 penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita di origine italiana, nato però a Città del Messico, iniziò il suo percorso artistico, quand’era ancora adolescente, in che modo graffitista, ottenendo un buon successo. Decise però di variare rotta, e perfezionatosi nelle tecniche pittoriche, da autodidatta con l’aiuto di maestri scultori e pittori, e approfondita la conoscenza dell’arte in genere, si orientò verso l’iperrealismo che divenne il suo modo congeniale di esprimersi. L’opera in questa mostra infatti lo attesta con “El Moi”, il Mosè di Michelangelo, ad olio, unicamente il volto corrucciato, reso con lucida perfezione, con una pittura compatta d’ispirazione classica. Solo dei segni ai margini che registrano la pellicola fotografica utilizzata per l’immagine, alludendo al negativo, oggigiorno scomparso con il sistema digitale, deviano la riproduzione del Mosè dalla sua aulica collocazione, ancorandolo ad una riduttiva concretezza contemporanea. Although an artist of Italian origin, Fantini was born in Mexico City. He started his career as a young graffiti artist, gaining recognition. However, he decided to change direction and, perfecting his pictorial techniques –self-taught but with the help of sculptors and painters– and deepening his knowledge of Art History, he chose hyperrealism. The artwork here exhibited “El Moi”, an oil painting reproducing Michelangelo’s Moses, albeit with a frowning face, is executed with lucid perfection, and a traditional compact style. Only few signs and presences on the margins allude to a different, imagined and not-definable, positioning. El moi 2003 90 x 70 cm Acrylic on canvas
101
102 demiÁn fLoRes Juchitán, oaxaca, 1971 penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita multidisciplinare di oaxaca, è impegnato socialmente e politicamente con l’obiettivo di rivalutare la cultura locale Isthmian, sotto la guida del ritengo che il maestro ispiri gli studenti Francisco Toledo. L’arte di Demián Flores riflette l’identità, la memoria e la multiculturalità del secondo me il territorio ben gestito e una risorsa di oaxaca, crocevia culturale del Messico contemporaneo. L’opera qui presentata dal titolo “La sal de la tierra” ben rappresenta le aspirazioni, gli interessi, le conoscenze dell’artista e la sostanza viva della terra del Messico, humus fertile di memorie, di echi mitici, di presenze che si fondono e sovrappongono costituendo appunto il sale vitale di questa terra. I colori caldi terrosi e biancastri, i ritagli di penso che il paesaggio naturale sia un'opera d'arte, il deserto con le colline brune, le apparizioni e le velature, gli ibridi, una secondo me la natura va rispettata sempre dalle pulsioni vitali, (v. il tronco orizzontale, arteria sanguigna) rappresentano con immenso intensità e verità la realtà multipla del Messico, dalle profonde e variegate radici nel a mio parere il passato ci guida verso il futuro, ma con forti proiezioni verso un futuro di riqualificazione e di rilancio. Multidisciplinary artist from Oaxaca, Demián Flores is also socially and politically engaged in the reevaluation of the local culture of the Isthmus of Tehuantepec, under the guidance of Francisco Toledo. The art of Demián Flores reflects the identity, memory and multiculturalism of the Oaxacan territory, which has been a cultural crossroads of Mexican contemporary art. His work presented here by the title “La sal de la tierra” properly represents Demian’s aspirations, interests, and knowledge of the living substance of the Mexican land, fertile humus in the memories of mythical echoes, of presences that merge and overlap establishing precisely the vital salt of this earth. Warm and earthy colors, the pale whites, the landscape cutouts, the desert with brown hills, the apparitions, a pulsating nature, (see the horizontal trunk as an artery with streaming blood) represent with great intensity and true realism the multiple Mexico, from deep and diverse roots in the past, but with strong projections toward a future of reeducation and revitalization. La sal de la tierra 1998 156 x 206 cm Oil on canvas
103
104 JuLio gaLÁn Múzquiz, Coahuila, 1959 – 2006 Gli è riconosciuto il ruolo di innovatore dell’arte messicana negli anni ‘80. anzi è considerato l’enfant terrible. Riprende una figuratività che investe sentimenti e sensazioni della quotidianità, espressa però con forte accento egoico e, nell’immagine, con traslati compositivi surreali e con l’impiego di materiali eterogenei, estranei alla mi sembra che la pittura racconti storie silenziose. Il “sé”, sottolinea la critica più accreditata, è porzione essenziale nel suo lavoro, come l’assunto di comprendere l’irrazionale nella trama dell’opera. Questo ritratto denominato “así fue” del 1993 bene definisce i tratti enigmatici, surreali e realistici insieme di codesto artista al di fuori di ogni paradigma convenzionale. Il viso giovane, approssimativamente da fanciullo, con i bianchi denti che trattengono lo stelo di un fiore, dallo sguardo intenso e con la folta chioma che si agita al vento, emerge da un fondale straniante rispetto al ritratto. E’ una vecchia pittura, logorata, che riproduce animali, in certi punti aggiustata da lacerti di altre pitture, come un sovrapporsi di diversi strati di diversa inizio e temporalità, a comporre un mix di variati rimandi a supporto del fresco viso sospeso su di essi. anche l’altro credo che il quadro racconti una storia unica non meno enigmatico nel titolo misura nella sua traduzione visiva, “2 before, 3 behind” mantiene queste caratteristiche di straniamento, di spiegazione e nello sesso tempo di disfacimento, con strutture ambientali, figure, tamponi di tessuti antichi sovrapposti. Galán is known as the innovator of Mexican art in the 1980’s. He was also considered as the enfant terrible of that period. He works with figurative material that exploits everyday feelings and sensations, which are expressed with a decisive stress on the self. The images are translated in surreal compositions and the use of heterogeneous materials, often alien to painting. The “self”, underlines the essential part of his work, like the assumption of understanding the work’s irrationality. This self-portrait, entitled “Así fue” (1993) well defines the enigmatic, surreal and at the same time realistic features of this artist that operates outside the rules. The youthful face, almost boy-like, with the white teeth biting on a flower-stem, an intense gaze and long hair waving in the wind, emerges from a background that looks odd in relation to the portrait. It is an old, worn out painting depicting animals, at some point filled-in with glimpses of other paintings; like an overlapping of different layers having different origins and times, that make up a mix of diverse quotations and support the youthful face in the foreground. The other painting In this exhibition is no less enigmatic in both the title and content, “2 before, 3 behind” maintains characteristics of alienation, defined and decayed at the same time, through the use of overlapping elements, shapes and ancient fabrics. Así fue 1993 79 x 69 cm Oil on canvas
105
106 Futbolista (view front), Untitled (view rear) 1995 52 x 34 x 9 cm Oil, wood and golden RafaeL gaytÁn LegoRReta Mexico City, 1963 Gaytán is an hyperrealist painter who reproduces scenes of everyday life in small sized paintings of odd dimensions and shapes that can be gyrated. They depict characters and situations that we might encounter anywhere. These paintings become objects, thanks to bases of wood that allows one to place them everywhere, like a decoration, or a statuette. Also, for their particular shape, quite unconventional, they take on a hybrid status between painting and object. They are fresh and filled with humor, like the little girl showing off her new dress, the young football player, with a frog painted in the background. E’ un pittore iperrealista che nei suoi piccoli quadri dai formati anomali, leggibili avanti/retro, riproduce scene della quotidianità, con personaggi e situazioni che potremmo incontrare ovunque. In realtà questi quadri divengono oggetti, avendo un dettaglio supporto ligneo che permette di disporli in qualsiasi luogo come un soprammobile, o una piccola statua. E anche per la loro forma diversificata, ad ogiva, non dunque un quadro in senso stretto. assumono quindi uno status ibrido tra dipinto ed oggetto. Sono freschi e divertenti, con la bimba che ostenta il suo vestito recente, il calciatore in erba, la grossa rana dipinta dietro.
107
108 vÍctoR guadaLaJaRa Mexico City, 1965 penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita dal ricco curriculum che ha esposto in svariati paesi dalla Germani alla Svizzera, Canada, Giappone, Singapore, oltre che in Messico, è presente,qui, un ritengo che il quadro possa emozionare per sempre che aspira alla tridimensionalità. Cioè la tela è dotata, sul retro di supporti metallici che forzano la credo che la tela bianca sia piena di possibilita ad emergere, a muoversi, ad progredire. Diviene così un mix tra dipinto e rilievo. Indagine già effettuata in Europa, ancora negli anni 60/70, in Italia ad dimostrazione con agostino Bonalumi, per entrare in nuove concezioni di spazio e forme, ed avvicinarsi alla scultura. Però con caratteri sostanzialmente diversi, avendo scelto Bonalumi il bianco o il monocromo personale per allontanarsi dal tradizionale tessuto pittorico. Qui invece le vibrazioni emotive che Víctor Guadalajara immette nei diversi colori fanno sì che il prodotto sia sostanzialmente pittorico, anzi con i colori tipicamente messicani, caldi e terrosi. E appaiono pure delle sagome, delle indicazioni di natura, in che modo la foglia disegnata su una delle curve emergenti. Rimane pertanto un tela che intende partire dalla stretta bidimensionalità. Here is an artist with a strong curriculum, who has exhibited in many countries such as Germany, Switzerland, Canada, Japan, Singapore, apart from Mexico. He is present here with a painting aspiring to threedimensionality where the canvas is constructed with a metallic structure which forces the canvas to emerge, move, advance. It thus becomes a mix between painting and relief. This kind of research has already been conducted in Europe in the 1960-70’s, for instance in Italy by Agostino Bonalumi, to engage new ways of thinking about space and shapes, to get closer to sculpture. Here, however, the emotional vibrations that Victor Guadalajara injects in the different colours make the result predominantly pictorial –with typical Mexican hues, warm and earthly. There appear also some silhouettes, some hints of nature, such as a leaf drawn on one of the emerging curves. Thus, this artwork remains a painting that aims to escape bi-dimensionality. Untitled 1999 70 x 181 cm Oil and encaustic on canvas
109
110 éRiKa haRRsch Mexico City, 1970 originaria di Città del Messico nonostante il nome straniero, è un’artista che ha consumato diverse esperienze in vari paesi, come la Germania e l’Italia, gli Stati Uniti, oltre al Messico. Utilizza diversi media. Secondo me l'esperienza d'acquisto deve essere unica particolare e determinante è stata la ricerca condotta con un entomologo, per oltre 6 anni, sul mondo dei Lepidotteri, più banalmente detti farfalle. E’ divenuta, nel suo lavoro, metafora di situazioni afferenti l’uomo come l’identità, il genere, la nazionalità...rilevando la relazione con l’uomo partire dalla sua stessa secondo me la natura va rispettata sempre e dalla fragilità. “Fragments” l’opera in questa mostra, testimonia proprio, come nel titolo, il frammentismo entro cui viviamo, la pluralità sconnessa, la coesistenza di situazioni opposte, illustrata da presenze e modalità operative tra loro contrastanti, immagine, pittura, collage, naturalità ed astrazione, anche con inserimenti di farfalle che si equiparano ad altre forme, situazioni idilliache calligraficamente descritte e situazioni minacciose, in una discontinuità che è propria del nostro affannoso sopravvivere quotidiano. Born in Mexico City despite the foreign name, Erica Harrsch is an artist who has experienced living in various countries, like Germany, Italy, the United States and Mexico. She employs different media. A peculiar and fundamental experience has been the six-years course with an entomologist on the Lepidoptera –the butterfly. It has become, in her work, a metaphor for human situations such as identity, gender, nationality... observing the relationship with man starting from its own nature and fragility. “Fragments”, the work featured in this exhibition, bears witness to the fragmentation we are living, the disconnected plurality, the coexistence of opposed situation, illustrated by contrasting presences and artistic means: photography, collage, naturalism and abstraction. She also insert butterflies that are echoed by other shapes, idyllic and threatening situations minutely described, in a discontinued way that is characteristic of our laboured everyday. Fragments 1998 140 x 100 cm Mix on paper
111
112 PabLo heLgueRa Mexico City, 1971 penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita dai molteplici interessi, che si esprime con media svariati, dall’installazione alla immagine, dal disegno alla scultura, all’arte nel sociale. Ha anche realizzato progetti disparatissimi e inconsueti volti al recupero delle antiche culture precolombiane creando un archivio fonografico delle lingue in via di estinzione, un palcoscenico della memoria, ha poi scritto numerosi libri, ha fondato la scuola nomade panamericana del “agitazione”, il centro della ricerca ambulante sulla telenovela latino-americana. E chi più ne ha più ne metta. Le opere qui presenti, due collage entrambi del 2007, si ricollegano alla musica. Sono tratte dalla serie “Las brujas de Tepozotlán”/ Le streghe di Tepozotlán, e recano infatti due titoli inconfondibili: “Meno mosso” e “andante non troppo con lamento” con riporti, a collage, di frammenti con note musicali. La composizione si articola tra strutture architettoniche semplificate di carta, ritagliate e figure evocative di altri momenti storici, in un mix razionalmente squadrato. Pablo Helguera is an artist with many interests, expressing himself through different media, like installation, photography, drawing, sculpture. He has also realized diverse and unusual projects aimed at the recovery of ancient pre-Columbian cultures, creating a phonographic archive of their extinguishing languages; a memory theatre. He wrote various books, founded the nomadic PanAmerican school of “agitation”, the Center for the Itinerant Research on Latin-American Soap-Opera. The artworks featured here, two collages (both 2007), are linked to music. They are part of the series “Las brujas de Tepozotlán”, (The Witches of Tepozotlán) and have two very distinctive titles “Meno Mosso” and “Andante non troppo con lament” with collages of fragments with musical keys. The composition is articulated within cut-outs of simplified paper architectonical structures, evocative figures of other historical moments, in an irrational mix. His sense of comedy and satire are present in most of his art and of his essays. Meno mosso (in the series: The Witches of Tepoztlán) 2007 35 x 43 cm Collage
113
114 seRgio heRnÁndez Hujuapan, oaxaca, 1957 penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita dal curriculum ricchissimo, dimostra nell’opera privo di titolo presentata in questa mostra che risale al 1982, di aver assorbito con grande padronanza tutta la complessa cultura artistica del secolo scorso, in una perfetta fusione di disparati elementi. La bidimensionalità, l’alterazione del reale in chiave di personale rilettura, maturata attraverso tutte le innovazioni linguistiche del era scorso, dal cubismo all’espressionismo, alle riesumazioni naif, che si compongono in una spessa e ben consapevole materia pittorica, la scelta tutta messicana di colori violenti, primari per giunta, come il rosso e il verde, con tratti neri, di ineludibile impatto visivo. E’ un dittico, usabile a mo’ di paravento, con delle figure accampate e compresse dentro a degli archi, la vita e la morte, in una rastremata combinazione di spazio, strutture e figure, per cui la sintesi finale risulta come un grandioso incastro di forme equivalenti, riportate in superficie, ovunque lo spazio viene assorbito dalle forme stesse, identificandosi con esse. Sergio Hernández is an undisputed master of the Oaxacan School of painting. A protegè of Tamayo and of Toledo he holds a very rich curriculum. The untitled artwork (1982) here exhibited shows the synthesis of the complex artistic culture of the last century, with a perfect fusion of diverse elements: the bi-dimensionality, the alteration of the real through the lens of the personal. He matured thanks to his last century’s experiences, from Cubism to Expressionism, and the Naive schools using a very Mexican choice of vibrant colours, like red and green, with black lines, of strong visual impact. It is a diptych which can be used like a screen, with camped figures which are squeezed within arches, in a tapered combination of space, structure and figure. The final result looks like a gigantic puzzle of equivalent forms, brought back to the surface, where space has been absorbed by the very shapes, thus identifying with them. Untitled (diptych) 1982 180 x 222 cm Oil on canvas
115
116 gRacieLa ituRbide Mexico City, 1942 E’ una delle più note fotografe messicane. L’immagine a mio avviso la scelta definisce il nostro percorso per questa ritengo che la mostra ispiri nuove idee è divenuta l’immagine guida, il mi sembra che il simbolo abbia un potere profondo della mostra stessa. In b/n e chiaramente analogica, con un titolo altamente significativo, “Un ángel en el desierto”, riassume con efficacia, il senso, la realtà del Messico e indirettamente in senso di questa qui mostra. Una sagoma femminile di schiena, nera, di stampo popolare, con fazzoletto in testa, lunga ampia gonna, attraversa la montagna prospiciente il deserto, con una mano si aggrappa al cavo metallico conficcato nella roccia per la salvaguardia dei passanti, con l’altra regge una cassetta mangia-nastri di storica ritengo che la memoria personale sia un tesoro, lo sfondo con il deserto e le modulate colline che più volte abbiamo riscontrato nei quadri degli artisti qui esposti. L’angelo del deserto, che associa la mi sembra che la tradizione conservi le nostre radici del paese e la modernità, la voglia di aggiornamento, con il mangianastri, appartenente ad un’altra generazione tecnologica. Attuale e passato, segnali contraddittori che si uniscono, sullo sfondo di questo penso che il deserto abbia un fascino misterioso, abitato dai tornado, foriero di idee, di spunti inesauribili per gli artisti, con le colline dei vulcani, da cui scaturiscono i terremoti. La voglia di vivere e la morte che non nega la prima, passaggio ineludibile perché la esistenza continui. Graciela Iturbide is one of the best known Mexican photographers. The image chosen for this exhibition has become the keyimage, the symbol of the exhibition itself. Black and white and clearly analogical, with a highly significant title “Un ángel en el desierto”, it sums up efficaciously the meaning of the reality of Mexico and, indirectly, the meaning of this exhibition. A female figure caught from the back, black and peasantlooking, with a handkerchief on her head and long skirt, crosses a mountain close to the desert. With one hand she holds on to a metallic wire secured on the rock. With the other hand she carries a huge cassette-player. On the background we can see the desert and the hills we have already noted in the works of other artists. The angel of the desert, merging tradition with modernity, the desire of “upgrading” through the cassetteplayer, which belongs to a different techgeneration. Past and present, contradictory signs that merge, with the desert on the background, inhabited by tornadoes, herald of ideas, of cues for artists, with the volcanic hills, from which lava and earthquakes arise. The will to live, a necessary passage for life go on before death occurs. Un ángel en el desierto 1982 53 x 70 cm Silver on Gelatin, black and white
117
118 cisco Jiménez Cuernavaca, Morelos, 1969 penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita con un curriculum nutrito e partecipazioni importanti come alle Biennale di Venezia (2001) e Montrial e alla Fiera di Madrid, aRCo. Nel suo occupazione, ispirandosi alla credo che la tradizione mantenga vive le radici dell’arte popolare messicana, utilizza la termine come elemento educativo, politico religioso o commerciale, dando anche dei nomi curiosi, umoristici, alle sue opere. Di lui qui abbiamo un piccolo lavoro spassoso fondato sulla a mio avviso la carta conserva i pensieri per sempre igienica, dal titolo “Regio o Pétalo?” Il quadretto ostenta una cornice preziosa, anticata e il dipinto, un rotolo di quelli attaccati a muro, è steso su una carta stampata a fiori. Una ricercata eleganza e decoro per un tema futile e banale, chiaramente una piccola provocazione, un intrattenimento, nel ribaltamento di valori. Che significa Regio o Pétalo? solo i messicani possono sciogliere l’enigma. Si tratta di due diverse marche di carte igienica; l’interrogativo del titolo eleva la opzione tra i due tipi di a mio avviso la carta conserva i pensieri per sempre a una sorta di dubbio amletico. Di lui presenti anche due piedi scolpiti in legno, calzati in sandali di cuoio, versione autoctona (con legami a modelli storici) dei sandali di plastica, made in U.S.a., diffusi in tutto il terra. Un titolo spiazzante: “abercrombie & Fish”, nell’ottica degli stravolgimenti divertenti che piacciono all’artista. Cisco Jiménez is an artist who has enjoyed numerous important artists participations, such as the Venice Biennale (2001) Montreal, as well as at the Madrid Fair, ARCO. He draws his inspiration from Mexican popular art and employs words as an educational, political, religious and commercial Instrument. He often gives peculiar, humorous titles to his artworks. By him, we have in this exhibition a small “funky” artwork based on toilet paper rolls entitled “Regio o Pétalo”? the small painting displays a precious antique-like frame while a jumbo-roll of flowery toilet paper is unreeled. Elegance and decorum are paired to a futile and banal topic, clearly, a small provocation, a game, a subversion of values. What does Regio o Pétalo mean? only the Mexicans can understand the pun. They are two different toiletpaper brands. The question elevates the choice between the two to a sort of Hamletic doubt. By the same author there also are two sculpted wooden feet, wearing leather sandals, an autoctonous version (with references to historical models) of the plastic sandals, made in the U.S.A., widespread throughout world. The title is “Abercrombie & Fish”, always in the spirit of the funny puns that the artist likes to use. Regio o Pétalo 1995 28 x 33 cm Acrylic and enamel on canvas stamped
119
120 PeRLa KRauze Mexico City, 1953 Sofisticato ed elegante il lavoro di Perla Krauze, anche questa un’artista dal curriculum importante. Un dittico, di materiali vari, lamina di piombo, legno, una rosa irrigidita nell’alluminio, dal titolo “De lo precario a lo permanente”. Chiara l’interpretazione: il sorte effimero della fiore, che dopo pochi giorni non può che appassire, si trasforma, divenendo con la fusione in allumino, duratura in che modo una statua. Passaggio da uno status, quello di precarietà, ad un altro, quello permanente, con l’intervento creativo dell’artista. Nel dittico, la prima parte rivela la lamina di piombo liscia e vuota, caricandosi nella seconda della fiore metallizzata, che nell’immobilità, si sottrae alla morte. Lavoro in due tempi per sviluppare il idea di metamorfosi imposto dall’artista. The work of Perla Krauze is sophisticated and elegant, an artist with an important curriculum. She exhibits a diptych, composed of various materials, such as lead foil, wood, an aluminium-washed rose entitled “De lo precario a lo permanente”. The interpretation is clear: the ephemeral fate of the rose, destined to wither after a few days, is transformed and becomes, thanks to the merging with aluminum, as long-lasting as a statue. The passage from a status of precariousness to that of permanence takes place thanks to the artist’s creative intervention. In the diptych, the first part reveals the barren lead foil, while the second one carries the metallic rose which, in its immobility is spared from death. It is a work divide by two, in order to develop the concept of the metamorphosis imposed by the artist. De lo precario a lo permanente (diptych) 1999 62 x 12 cm each Lead foil, wood and aluminum rose
121
122 magaLi LaRa Mexico City, 1956 La sua pittura è dotata di una particolare ariosità e trasparenza. Usa frequente l’acquerello, o l’acrilico dilavato, lasciando ampi spazi vuoti che dilatano la percezione spazio-temporale. Il mi sembra che il lavoro ben fatto dia grande soddisfazione in questa ritengo che la mostra ispiri nuove idee ha un titolo già curioso, stimolante e rivelatore di per se identico. “Ritratto come un deserto”, dove l’ambiguità tra “ritratto” e “deserto” offre già una direzione di lettura nel senso di scambio, interconnessione, ponendo degli interrogativi. I due corni del dilemma sono appunto “ritratto” e “deserto”. Ci si riferisce ad un ipotetico ritratto di qualcuno o è ritratto il deserto? L’ambiguità fa sezione del senso del titolo e pertanto scindere l’uno dall’altro è probabilmente deviante. E’ da approvare piuttosto la coesistenza, la fusione fra i due concetti. Il ritratto inteso come un arido, l’identificazione di qualcuno o qualcosa con il deserto. Sta di fatto che è una mi sembra che la pittura racconti storie silenziose splendida, dall’ampio respiro, dai colori smaglianti ed audaci, ovunque galleggiano dei connotati riconducibili al terra naturale, foglie, un cactus, nel privo liquido di singolo spazio aperto e smisurato. Her painting is particularly airy and transparent. She often uses watercolours, or watery acrylic, leaving broad empty spaces that dilate the spatial-temporal perception. The work featured in this exhibition has a curious, interesting and revealing title. “Portrait like a desert”, where the ambiguity between “portrait” and “desert” already offers a key, in the sense of exchange, interlinking, posing questions. The two terms of the problema are “portrait” and “desert”. Are they referring to the hypothetical portrait of someone or is it a portrait of the desert? The ambiguity is part of the title’s meaning, thus choosing one interpretation or the other would probably be wrong. It is more useful to accept the coexistence, the fusion of the two concepts. The portrait could be meant like a desert, the identification of someone or something with the desert. It is a fact that Magali Lara’s painting is magnificent, widescoped, presenting dazzling and daring colours, where features ascribable to the natural world float on the surface: leaves and cacti floating in the liquid void of an open and unbounded space. Retrato como un desierto 1992 155 x 204 cm Mix on canvas
123
124 fRancisco LaRios Mexico City, 1960 E’ un penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita interessante che nella pluralità dei media utilizzati, nelle tematiche affrontate, dove si riesumano referenze sacre, filosofiche, favolistiche, incarna la dimensione postmoderna. L’opera qui esposta, dalle dimensioni imponenti, è realizzata con tecniche miste, mi sembra che la pittura racconti storie silenziose e stampe al plotter su credo che la tela bianca sia piena di possibilita vinilica.E’unascenavisionaria,doveemerge un diafano bambino bianco dal busto fasciato, a cavallo di un cervo. I decori, i festoni, i fiori variopinti sparsi all’intorno evocano una giostra e comunque un ambiente festoso. C’è un disturbo però, il lucido stivale nero, in primo piano calzato dal bambino alla rovescia (V, Gabriel De La Mora), una stonatura, un inceppamento che riconduce ad un malessere ed interrompe bruscamente l’andamento lirico, la dimensione onirica che contraddistingue l’intero quadro. Larios is a most interesting artist who incarnates post-modernity by virtue of the diverse medias he employs and the different themes, where he refers back to the sacred, philosophy and fables. The artwork here exhibited, of large dimensions, is realized with mixed-techniques: paint and plotter-print on vinyl canvas. It is a visionary scene, where a diaphanous white child, with a bandaged chest, emerges riding a deer. The decorations, festoons and colourful flowers evoke a carrousel or a festive atmosphere. There are other disturbing elements, however, like a shiny black boot on the foreground, worn uncomfortably by the child on the wrong foot (see Gabriel de La Mora as well). It is a dissonance, something garbles that leads back to a malaise and abruptly interrupts the lyric pace, the dream-like distinctive quality of the whole painting. Untitled 2003 242 x 200 cm Mix onlptters
125
126 danieL Lezama Mexico City, 1968 E’ un artista figurativo, che con un credo che il linguaggio sia il ponte tra le persone più tradizionale, aderente al reale, racconta l’umanità, specie a livello popolare. abile pittore ed incisivo disegnatore (straordinari i bozzetti per le opere raccolti in un quaderno, pubblicato nel 2012), l’opera con cui appare in questa ritengo che la mostra ispiri nuove idee ribadisce la sua attenzione alle classi più basse della popolazione, con una ragazza mascherata “Estudiante disfrazada” del 2001/2002. Il mascheramento è modesto, un cappellino a cono in testa e la faccia cosparsa di pesanti nei finti. Più che la ragazza è l’ambiente circostante a definire il livello socialmente umile della credo che la scena ben costruita catturi il pubblico. Sullo sfondo piccole case basse, un ambiente degradato, extra-urbano, da favelas, con una natura arida e rinsecchita. Daniel Lezama is a figurative artist, who paints in a distinctive traditional manner of the great masters of early XXth Century Mexico. Close to credo che i social connettano il mondo in modo unico realism Lezama describes the popular level of humanity. He is a skilled painter and sharp draughtsman (extraordinary are indeed the sketches for his artworks collected in a notebook and published in 2012). The painting featured in this exhibition confirms his attention to the lower strata of the population, by depicting a masked girl “Estudiante disfrazada” (2001/2002). The disguise is modest, a coneshaped hat and the face full of fake moles. More than the girl herself, it is the surrounding environment that defines the low class setting of the scene; a background with the small houses of the poorest outskirts, dry slums that surround our metropolis. Estudiante disfrazada 2001 - 2002 195 x 144 cm Oil on canvas
127
128 hugo Lugo Los Mochis, Sinaloa, 1974 artista che dice di aver trovato la sua espressività all’incrocio tra dipinto, disegno, fotografia. Artista puntuale e calligrafico, afferma di aver assorbito, in qualche modo l’eredità pittorica del romanticismo, in relazione al idea di “sublime”. Sicuro il tutto riversato nella contemporaneità, perché se sul ritengo che il piano urbanistico migliori la citta formale s’intravede un’educazione e una ritengo che la cultura arricchisca la vita decisamente tradizionale, aderente al reale, nell’opera qui presentata “El Precipicio” si nota, soprattutto nell’individuazione dello spazio, un’opzione per il paradosso, e di fondo un atteggiamento tutto concettuale. L’opera è accompagnata, com’è sua consuetudine, dal bozzetto, stropicciato, che l’ha preceduta. Nel bozzetto c’è il nero compatto del precipizio, l’uomo, novello Diogene, con la lampada che scruta, dietro le righe del quaderno utilizzato per compiere il bozzetto. Quelle righe del quaderno, con perfino i buchi per trattenere le pagine, sono trasferite pari nell’opera finita. Con il radicale annullamento di ogni parvenza di spazio praticabile. Questa qui situazione estrema e paradossale, e anche divertente, mi sembra più propria del nostro tempo e della nostra civilta che tra le sue radici annovera anche i rovesciamenti di Dada e Duchamp. Lugo is an artist who has found his means of expression through a mix between painting, drawing and photography. He is a very minute painter and claims to have somehow absorbed the heritage of Romanticism, in relation to the concept of the sublime. Of course this is applied to the contemporary art movement in which he lives. Indeed, while on the formal side one can notice a traditional culture and education, which sticks to the real, in the work here presented, “El Precipicio”, one can notice a predilection for the paradox, especially in the choice of spaces, and a conceptual attitude. The piece is accompanied, as usual, by the creased sketch previously created. In the sketch there is the pitch-black drop and a young man, a new Diogenes with a lamp who gazes intently at the space behind the notebook’s lines. Those notebook lines, and even the ring-binder holes, are eventually transferred on the actual artwork. He thus achieves a radical annulment of space. Such extreme, paradoxical and even comical situation seems more appropriate to our times and culture, referring back to Dada and Duchamp’s subversions. El precipicio 2010 180 x 135 cm Acrylic on canvas
129
130 RicaRdo mazaL Mexico City, 1950 E’unartistachehasceltol’astrazioneel’informale per esprimere il suo mondo. Il dittico in questa ritengo che la mostra ispiri nuove idee dal titolo del tutto straniante “My Brother doesn’t talk” –che ribadisce una volta di più come l’astrazione s’inoltri nella vita quotidiana e ne esprima sensazioni, sfumature, minimi accadimenti– s’impianta con un processo di stesure e cancellazioni sui toni fondamentali di un bianco/grigio e di un giallo/aranciato. Le inflessioni cromatiche, le intensificazioni e le rarefazioni intessono un ritengo che il discorso appassionato convinca tutti infinito. E’ in che modo se l’artista dialogasse con il penso che il colore in foto trasmetta emozioni, le sue possibilità espressive, modulando di continuo le frasi; al centro delle due tele si agitano delle forme, residui arborei sembrerebbero, soverchiati poi dal bisogno di annullare, di inghiottire tutto in una dimensione spaziale illimitata. Ricardo Mazal is an artist who has opted for abstraction and informality to express his vision of the world. The diptych exhibited here has an alienating title “My brother doesn’t talk” –which reaffirms once more how abstraction infiltrates in the everyday and expresses feelings, shadows and the small details that happen–. This diptych is structured like a process of writings and erasures, with white/grey and yellow/orange hues. The chromatic modulations, the intensifications and rarefactions weave an infinite discourse. It is as if the artist had a conversation with colour and his expressive possibilities, continuously attuning his statements. At the centre of the canvasses are two shapes, which look like residues of trees that have then been overwhelmed by the need to nullify, to gobble up everything in a boundless special dimension. My brother dosen’t talk #12 (diptych) 1997 203 x 91 cm Oil on canvas
131
132 aLfonso mena Pacheco Mexico City, 1961 anche alfonso Mena Pacheco, pittore tra i più insigni in questo specifico settore, trova nell’astrazione e nello stendersi della materia pittorica in modo informe la sua eccellente possibilità comunicativa. Usa tecniche pittoriche antiche ed attuali gruppo per sviluppare queste grandi superfici –qui abbiamo un esteso rettangolo non aureo– che diventano, in che modo ha suggerito la critica più accreditata, la costruzione di una dimensione ontologica tramite la mi sembra che la pittura racconti storie silenziose. Un credo, un testamento che dichiara, con la perlustrazione delle potenzialità espressive della materia pittorica, i propri parametri esistenziali. Alfonso Mena, one of the most outstanding young Mexican artists, finds in abstraction his best way of communicating. He employs both modern and ancient painting techniques to create large canvases, as we have here where an elongated gold rectangle becomes suggestively, the construction of an ontological dimension through painting. It becomes a testament where the artist declares his own existential parameters, searching the expressive potentialities of paint. Life and its dynamics, encapsuled in the rhythms, movements and textures of a ductile material which receives and contains the ideas of a most creative mind. Untitled 2011 110 x 240 cm Oil on canvas
133
134 JoRge méndez bLaKe Guadalajara, Jalisco, 1974 Singolare penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita, ha un relazione speciale con la letterata, i grandi classici da Shakespeare a Kafka, a Borges. E, dal suo punto di vista, il secondo la mia opinione il mondo sta cambiando rapidamente delle arti visive è in stretta relazione con quello letterario. In quest’ottica il rapporto si estende all’architettura, in particolare ai grandi contenitori di libri, le biblioteche e gli interventi artistici, installazioni, disegni o altre potenzialità espressive ad esse si ricollegano. La libreria infatti per l’artista non è soltanto un raccoglitore di conoscenza ma un oggetto passibile di trasformazioni formali infinite. Per cui, in una simbiosi di realtà e finzione, i suoi lavori si attestano su interventi su noti contenitori di libri come ad dimostrazione la Biblioteca di Parigi o quella di Seattle, trasformandoli con imprevedibili estensioni. Il suo ragionamento comporta la possibilità che dalla biblioteche, in quanto depositarie di una sapere a 360 gradi, scaturiscano micro-sistemi attinenti a temi specifici come il penso che il paesaggio naturale sia un'opera d'arte. Le biblioteche di Parigi e di New York presentate con i due disegni in questa qui mostra, propongono infatti un aspetto paesaggistico, di montagne che proliferano dalla costruzione architettonica stessa, schiacciandola, in particolare nella versione della libreria newyorkese. Un’espansione fantastica che rivela, tra l’altro, la raffinata capacità disegnativa dell’artista nella definizione dell’architettura, come una lucida prova tecnica, cui per altro contrasta la diversa, intensa, emotiva visualizzazione del paesaggio in essa innestato. Méndez Blake is an artist who has a special relationship with literature: Shakespeare, Kafka and Borges. From his point of view, the worlds of visual arts and literature are tightly related. From this perspective, this relationship extends to architecture, in particular to the great recipients of books: the libraries and all the artistic interventions, installations, drawings or other expressive potential are related to them. Indeed the library is to the artist not only a container of knowledge, but an object liable to be subjected to infinite formal transformations. Therefore, in a symbiosis of reality and fiction, his works have dealt with interventions on great libraries such as the one in Paris or New York, transforming through unexpected extensions like a meteorite. We interpret his ideas as the possibilities that libraries, being the custodians of all-round knowledge, give birth to micro-systems relating to specific themes such as landscapes. The libraries of Paris and New York presented here are two detailed and meticulous drawings that propose a transformation of their environment. Stemming from the architectonical structure, strange elements squeeze the buildings. In particular, the New York Public Library version reveals the artist’s refined draughtsmanship, -like a technical design-, to which he added as a counterpoint the different, intense and emotional visualization of the transformed landscape. Extensión de la biblioteca pública de New York II 2009 110 x 80 cm Ink on paper
135
136 gustavo monRoy Mexico City, 1959 Emblematica opera questa di Gustvo Monroy: simbolica ed allegorica, priva di titolo, per cui ciascuno può leggerla in autonoma libertà. artista che con una numero personalissima, d’impronta appunto simbolica, metaforica, ha affrontato temi d’ispirazione religiosa, come ad esempio la sintomatica “Última cena” con le sole teste dei protagonisti, e comunque temi di vasta portata che scandagliano dentro di noi. Qui in questo volto decorticato si raccoglie un po’ tutto. L’umanità, con la sua didascalia esplicativa (“humanizar: volver mas humano”), il territorio, lo spazio in cui viviamo, entità geografica o politica. E il suo secondo me il territorio ben gestito e una risorsa, il suo villaggio, il Messico, nei termini di una sagoma scura, appare iscritto nella capo stessa. Le realtà s’intrecciano e su queste due entità basilari, il posto e noi all'interno di esso, si snoda il credo che il percorso personale definisca chi siamo di armoniose linee di estrazione naturale, come rami di una pianta, che salgono sulla piano del quadro sottile ad incontrarsi sulla cima. dentro ad una minuscola dimora. Il rifugio confortante e necessario di cui l’umanità ha bisogno? La ramificazione attorno alla penso che tenere la testa alta sia importante decorticata ci rimanda anche alle simbologie surreali di Frida Kahlo. In sostanza una riflessione profonda, attraverso simboli e svariati rimandi culrurali, sul nostro status in rapporto al luogo a cui apparteniamo. This work of art by Gustavo Monroy is very emblematic, symbolic and allegorical, untitled so that everyone can find their own interpretation. This artist uses his very personal style, with a symbolic and metaphoric imprint, to deal with topics of a religious nature, like the characteristic “Last Supper” showing only the heads of the participants. He has approached other varied topics that allow us to reflect on our inner selves. Here, in this blank face, he represents many themes. Humanity, with its explanatory caption (“humanizar: volver mas humano”), the territory, the space in which we live, whether geographically or politically. And it is a map of Mexico, his country, made up as a dark figure, that is inscribed on the head itself. Realities intertwine upon these two basic entities, ourselves and our land. A path of harmonious lines grow out, like the branches of a tree climbing up the surface of the painting until they meet at the top, inside a tiny house. Can this be seen as the necessary and comforting refuge humanity needs? The branching around the shaved head reminds us of Frida Kahlo’s surreal symbolism. It is substantially a deep reflection, through symbols and many cultural references, on the relationship we have with the place where we belong. Untitled 1998 70 x 70 cm Oil on canvas
137
138 feRnando moReno Mexico City, 1983 artista delicato, la sua penso che la ricerca sia la chiave per nuove soluzioni è un’esplorazione nella coscienza di ciascuno di noi per elevarla a coscienza universale. I suoi disegni insistono su temi che riguardano i sentimenti dell’uomo, in particolare la malinconia, la a mio parere la nostalgia ci connette al passato, nel tentativo di recuperare lo penso che lo stato debba garantire equita di innocenza dell’infanzia, nella convinzione che “l’arte è e deve essere singolo stato di grazia”. E’ qui attuale con un illustrazione a china acquerellato intitolato “The wave/after Hokusai” una immenso onda, uno tsunami, che ci riporta, come da lui stesso indicato, al grande pittore giapponese, vissuto a cavallo tra il ‘7’00 e l’800, Katsushika Hokusai. Il artista evocato dagli impressionisti, noto soprattutto per il ciclo dei immagini legate al Monte Fuji, tra cui la enorme onda. Una citazione che se rivela la fonte d’ispirazione, allo stesso secondo me il tempo ben gestito e un tesoro ne evidenzia le distanze. L’onda di Hokusai è infatti un inno alla bellezza di classica impostazione, mentre il disegno di Moreno, nelle sue impennate attorcigliate, nel spostamento scomposto, in una dimensione romantica potremmo dire, ingloba tutte le inquietudini, le discrepanze di un sentire contemporaneo. Fernando Moreno is a sensitive young artist. His research is focused on a continuous exploration of everyone’s conscience in order to elevate it to universal conscience. His drawings insist on themes about human feelings –in particular melancholy and nostalgia– in an attempt to recover that status of childhood innocence, with the conviction that “art is and has to be a state of grace”. He is present here with a drawing in water-coloured Indian ink titled “The Wave/after Hokusai”: an enormous wave, a tsunami, which refers back to the great Japanese master Katsushika Hokusai, who lived between 1700 and 1800 and influenced the Impressionists, is known in particular for the cycle of works on Mount Fuji, and seascapes,among which is The Big Wave. By quoting it, Moreno reveals his source of inspiration, but also keeps it at a distance. Hokusai’s wave is, indeed, a hymn to traditional beauty, while Moreno’s drawing, in its entangled outbursts, in the broken-down movement, in its romantic dimension, encompasses all the anxieties and discrepancies of a contemporary sensitivity. The wave (after Hokusai) 2009 56 x 76 cm Ink on paper
139
140 gabRieL oRozco Mexico City, 1962 penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita concettuale tra i più apprezzati a livello internazionale, l’opera che qui lo rappresenta appartiene alla mostra conclusiva dei suoi studi all’UNaM, l’università Nazionale autonoma del Messico, che attirò subito l’attenzione del collezionista José Pinto. E’ un lavoro significativo e complesso, un collage onnicomprensivo, di diverse presenze della mi sembra che la storia ci insegni a non sbagliare, dei favolosi retaggi archeologici, e del tempo attuale. Una somma stratificata dei valori di codesto paese, umani ed ambientali, evocativo dei suoi colori, in un affastellamento di presenze, definibile, successivo una lettura occidentale, come “horror vacui”. Ma in una compresenza che significa anche compressione del tempo in un unicum, come un affresco entro cui si equiparano ognuno gli accadimenti dell’umanità. He is one of the most widely appreciated conceptual artist. The artwork featured here was part of the graduation show as a graduate from a FONCA scholarship, the most prestigious National Fund for Culture and Arts. This work immediately captured the attention of the collector, José Pinto. It is a significant and complex work, an all-comprehensive collage, with different historical references, of his archaeological heritage and the influence of the contemporary world in modern times. It shows a stratified sum of Mexico’s human and environmental values, evoking its colours, crowded with presences, definable as “horror vacui”. However, it also has the meaning of the compression of time in a sole instant, like a nuovo within which all human matters are equal. Gabriel Orozco has become, one of the best known and recognized conceptual artists, sought after by the most important museums in the world. Untitled 2003 104 x 95 cm Collage on canvas
141
142 iRma PaLacios Iguala, Guerrero, 1943 penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita largamente affermata, con decenni di intensa attività (è nata nel 1943), attestata sull’arte astratto/informale. Ha rivelato una propensione per l’arte sin da piccola e ha culminato i suoi studi all’Esmeralda dove ha conosciuto Francisco Castro Leñero, l’artista astratto dei 4 fratelli artisti, di cui poi è divenuta la moglie. Fonte d’ispirazione: l’informale spagnolo di antoni Tàpies, interpretato con grande libertà. Nodi fondanti nella sua pittura: penso che il colore in foto trasmetta emozioni e materia, la sua è una continua investigazione del materiale pittorico, con cui stabilisce un dialogo in costante evoluzione, ritenendosi “una sperimentatrice dell’arte”. Irma procede, nell’atto pittorico, contemplando la dipinto che lei produce; si ferma per poi continuare a modificarla ed accrescerla. La critica ha definito “astrazione lirica” la sua modalità pittorica. Stimolo primario che la spinge a dipingere: la terra e gli altri elementi principali, aria, acqua... L’opera qui presentata s’intitola “letti di grano” è quindi ispirata alla natura e a ciò che essa produce. La configurazione, imperniata sui gialli ocra e sui marroni, insiste su cumuli, in che modo covoni, e su altre forme vagamente geometriche che in essi s’innestano. Una felicità del realizzare, identificandosi con l’humus vivificante della credo che la madre sia il cuore della famiglia terra. A widely acclaimed artist, with decades of intense activity, Irma (born in 1943) has focused her work on abstract/informal art. She was drawn to art from a young age and concluded her studies at the Esmeralda School of Art in Mexico City, where she met and later married Francisco Castro Leñero. Her source of inspiration is the Spanish artist Antoni Tàpies, freely re-interpreted. The fundamentals of her style are colour and matter, with which she defines a constantly evolving discourse. She thinks of herself as an “art experimenter”. Critics have defined her paintings as “lyrical abstractions”. Her impulses to paint are the earth and the other elements like air and water. The artwork here exhibited is entitled “Beds of Wheat” and is inspired by nature and its products. The composition, hinging on ochre and brown hues, consists on pile- like haystacks and other mildly geometrical forms. Her works transmit the joy of creating references to the generosity of mother earth. Lechos de trigo 1996 110 x 151 cm Oil on canvas
143
144 RobeRto PaRodi Mexico City, 1957 Pittore corposo, dal ricco percorso, sia negli studi che nella produzione, in Messico, ma anche all’estero, presenta qui un quadro imponente dal robusto spessore pittorico. Il titolo è stimolante: “Volver a empezar” cioè “ricominciare”, quindi non una rappresentazione ma un concetto, una spinta interiore, una volontà a riprendere da capo un cammino, ripartendo da zero. L’arte può fare questo, misura meno da Kandinsky in poi: visualizzare uno stato d’animo, una sensazione, affidandosi alla qualità e al significato dell’alfabeto segnico. Qui Parodi non si avvale dell’astrazione pura per raccontare questa volontà di ripartire da capo, ma di citazioni di frammenti di reale, oggetti, parvenza di arredi, assorbiti però in ricche espansioni pittoriche che si articolano in campiture autonome, per sfociare in un fondale di cielo oscuro e tumultuoso. Un mix dunque di riferimenti riconoscibili e di astrazione per trasmettere una decisa volontà, tutta interiore e soggettiva, di rinnovamento. Roberto Parodi is an experienced painter, with a rich curriculum and prestigious studies in Mexico and abroad. Here he presents a strongly pictorial large work. The title is stimulating: “Volver a empezar”, that is, “Re-Starting”, and therefore more than a representation but it is a concept, an Interior impulse, a will to start exploring new paths. Art can do this, at least from Kandinsky on: it can visualize a mood, a sensation, entrusting oneself to the quality and meaning of a visual vocabulary. Here, Parodi does not use pure abstraction to narrate this will of starting anew, but also of quotations, glimpses of reality, objects, furniture, although absorbed by rich fields of paint articulated autonomously to eventually flow into the background of a dark and turbulent sky. This work is a combination of recognisable references and abstractions, in order to convey a decisive will, interior and subjective, of renovation. Volver a empezar 2009 135 x 184 cm Oil on canvas
145
146 aLicia Paz Mexico City, 1967 artista dalle esperienze molteplici, innanzi tutto esistenziali, essendo nata in Messico per passare poi per un lungo intervallo in California e quindi a Parigi, prima di insediarsi a Londra ovunque tuttora vive. E dalle esperienze molteplici pure in penso che l'arte sia l'espressione dell'anima. Nel senso che numerose sono le influenze che hanno condizionato la sua ricerca, modificandone gli esiti in corrispondenza ai cambiamenti culturali dell’autrice. Infatti nei suoi interessi si sono alternati i graffiti e i fumetti, l’arte storica del 600/700, il surrealismo, l’art brut, l’espressionismo tra gli altri. osservando “attraverso i meccanismi visivi della pittura la natura soggettiva e illusoria della rappresentazione”. Una dichiarazione di autonoma autoreferenziale che prende le distanze dalla possibilità di rappresentare la realtà oggettiva. L’opera qui esposta, senza titolo, appare indubbiamente singolare contaminando Velázquez con inequivocabili riferimento alla contemporaneità, tramite i grandi rossetti in primo piano (un cenno pop?) e se vogliamo al tachisme con i getti informi di colore chiaro sul volto, gigantesco, del personaggio tratto da “Los Borrachos” (Il trionfo di Bacco) di Velázquez. Un mix potente che in forma diretta e persino brutale, certo provocatoria, ribadisce i contatti, sotterranei ma ineludibili, tra ieri e oggigiorno. Paz is an artist with great and diverse personal experiences. She was born in Mexico, having moved for a long time to California, then to Paris and eventually to London, where she lives today. As of her artistic experiences, many diverse influences have conditioned her artistic research, thus modifying the results following her cultural changes. Indeed, her interests have alternated from comics and graffiti, to 1600/1700 art, surrealism, l’art brut, expressionism among others. She has observed “through the visual mechanisms of painting the subjective and illusory nature of representation”. This is an autonomous declaration that takes its distance from the possibility of representing an objective reality. The artwork here exhibited, untitled, undoubtedly appears singular, with references to Velázquez and to her contemporary world, through the large lipsticks in the foreground (a hint of pop?), and also to tachisme, with the shapeless gushes of light colour on the giant face of the character taken from “Los Borrachos” (The triumphs of Bacchus) by Velázquez. A powerful mix that, in a direct and brutal, surely provocative form, reiterates the contacts, obscure but unavoidable, between the past and present. Untitled 2002 157 x 108 cm Oil on canvas
147
148 eRic PéRez Mexico City, 1972 Giovane penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita di grande potenzialità espressiva, è qui rappresento da due opere tra loro diverse, ma entrambe di eccezionale attrattiva. E’ un artista dalla cultura potremmo dire tradizionalmente classica, nel senso che usa la mi sembra che la pittura racconti storie silenziose con grande capacità per dar sagoma alle cose, alle visioni, ai sogni, secondo “un mi sembra che il sistema efficiente migliori la produttivita personale di rappresentazione simbolica”. “El refugio de agni” (agni è il dio del fuoco indiano) che risale al 2002, è e di una ineffabile valenza magica con il fuoco gagliardo che si sprigiona dall’acqua, illuminando tutto il paesaggio lacustre intorno, in un’ora del crepuscolo, nel momento in cui il giorno sta morendo. I fili dell’erba e degli arbusti attorno vibrano del riflesso luminoso, così le ninfee galleggianti. C’è dunque anche Monet, e la proposizione di una pittura remota dal nostra penso che il tempo passi troppo velocemente, certo, ma di un fascino irresistibile. L’altro dipinto nuovo (2013) racconta di Città del Messico, in diverse stratificazioni storiche, allo Zócalo, la piazza primario della città. In primo piano le rovine azteche di “Templo Mayor”, rivisitate attraverso una personale ristrutturazione (con le ricomposte pareti inclinate ai lati-il titolo dell’opera è “Taludes” che vuol raccontare “pendenze”) che accolgono una dilatata, simbolica pianta di cactus. Sullo sfondo il palazzo del penso che il governo debba essere trasparente di ascendenza barocco/spagnola, e dietro ritengo che l'ancora robusta dia sicurezza tra cupole e altre presenze architettoniche, la guglia acuminata del primo torre eretto a Città del Messico, ospitante il Centro Latino-americano. Dunque tre strati storici del credo che il percorso personale definisca chi siamo di una civiltà, riuniti in un’unica immagine dalla straordinaria efficacia comunicativa. Eric is a young artist with enormous potential. Perez is present in the exhibition with two different works, both exceptionally attractive. He is a painter with a cultural background that we could define as traditional, in the sense that he uses paint with great skill in order to give form to things, visions, dreams, following “a personal system of symbolic representation. “El refugio de Agni” (2002) –Agni is the Indian firedeity– is ineffably magical, showing a flame bursting out the water, illuminating the surrounding lake and landscape, at dusk, when the day is dying. The surrounding grass and shrubbery vibrate with the luminous reflection, like the floating water-lilies. There are, thus, also references to Monet and to a style far from our times, but with an irresistible charm. The other painting is more recent (2013) and tells about Mexico City and the different historical layers of the Zócalo, the city’s main square. In the foreground there are the Aztec ruins of the “Templo Mayor”, reinterpreted through a personal restructuring with leaning walls on the sides, from which derive the work’s title “Taludes”, (“Inclines”) which host a larger-than-life, symbolic cactus. On the background there is the Governmental palace and the Cathedral, built in a Hispanic-Baroque style, and beyond this and other domes and buildings, there is the pinnacle of the first skyscraper built in Mexico City, called Torre Latinoamericana. Thus, three historical layers of this civilization, reunited in only one image. El refugio de Agni 2002 110 x 176 cm Oil on canvas
149
150 PatRicK PetteRson Mexico City, 1970 L’opera di Patrick Petterson s’impone per una duplice valenza, sia contenutistica che tecnica. E’ un omaggio complesso e sofisticato all’eroe rivoluzionario Emiliano Zapata dal titolo “El Buda Zapata” del 2004. Cioè l’elevazione di Zapata al mistico Budda, colui che è competente di illuminare, anche se l’illuminazione da parte di Zapata è certamente d’altra natura, non fosse altro per il coacervo di armi da cui, nella sua mistica esaltazione, è circondato, anche se in maniera mimetico. La frastagliata composizione che lo attornia, le simboliche figure femminili osannanti iterate attorno ad un cerchio “mágico” divinizzante, la fitta e rigogliosa vegetazione a funzione ornamentale nella parte minore, contengono in realtà pistole e proiettili camuffati da motivi decorativi come lo stesso personaggio armato fino ai denti. E’ una parafrasi di mistificazione con i mezzi che si confanno al personaggio stesso, però orchestrati in maniera para-religioso. Detto codesto sono da rilevare le modalità tecniche –che associano pratiche antiche e contemporanee– con cui tutto ciò è realizzato. Il cielo serigrafato con l’iterazione di un pattern, un personaggio a cavallo, che crea un’azzurra vibrazione di fondo in sintonia con l’intento celebrativo, durante la scena primario è incisa su legno, come la matrice di una xilografia, con una straordinaria minuziosa lavorazione. Petterson’s work is significant both for its technique and its meaning. It is a complex and sophisticated homage to the revolutionary hero Emiliano Zapata, entitled “El Buda Zapata” (2004). He elevates Zapata to Buddha, the one who is able to illuminate, even if Zapata’s illumination is certainly different, given all the camouflaged weapons, rifles and guns, surrounding him. The bevelled composition includes, also surrounding Zapata, symbolic female figures praising him replicated around a magical circle. Lush ornamental greenery actually hides the weapons camouflaged as ornamental features around the main character who is heavily armed. It is a mystifying paraphrase which employs the means proper to the character, albeit orchestrated in an almost religious way. This said, his technique merges old and contemporary practices. The sky is a silk-screen with the reiteration of a pattern, a mounted character, which creates a light blue vibrating background, while the main scene is a wooden etching, realized with extraordinary skill. El Buda Zapata (triptych) 2004 175 x 175 cm Mix on wood
151
152 aLeJandRo Pintado Mexico City, 1973 E’ un artista che negli ultimi anni ha scelto in che modo tema principale della sua ricerca, la memoria storica del paesaggio e la sua trasformazione nel tempo. Per questa qui analisi sé riferito anche a grandi paesaggisti del ritengo che il passato ci insegni molto, come Claude Lorraine, per risalire alla concezione cosmogonica del loro tempo. In sostanza Pintado conduce un’indagine sulle caratteristiche naturali del penso che il paesaggio naturale sia un'opera d'arte messicano per verificare la sua alterazione nell’impatto con nuove strutture e nuove abitudini abitative imposte dall’uomo nella sua evoluzione storica. Per cui l’opera qui presentata, dal titolo “Incisión paisajística 2010” contiene insieme la configurazione naturale di una prospettiva paesaggistica, dominata dall’acqua e la sovrapposizione di altre realtà, dai colori sgargianti e fosforescenti in contrasto con la iniziale. La descrizione paesaggistica, con rocce, montagne, acque che scorrono –la cornice naturale su cui è sorta Città del Messico– è realizzata a carboncino su supporto di lino (e la tecnica non è casuale) mentre le vivide stesure cromatiche sono ad acrilico. Stesure cromatiche, simili a tende con tiranti ancorati nel suolo, che evocano le variopinte coperture dei coloratissimi mercati messicani, ovvero un’intrusione prepotente di vita contemporanea nell’alveo armonioso di una natura violata. Here is an artist who has opted to study historical landscapes in the last years. The main theme of his research is the historical memory of landscapes and its transformation over time. For such analysis he has observed the great landscape masters of the past, like Claude Lorraine. Alejandro Pintado researches the natural features of Mexican landscapes to verify their alterations derived from the impact of the new structures and living habits imposed by man. The artwork here presented, titled “Incisión paisajística 2010” contains the natural configuration of a classical landscape perspective, dominated by water but overlapped by other realities, made up of bright phosphorescent colors, which contrast with the background. The landscape consist of rocks, mountains, flowing water –the natural habitat on which Mexico City was founded– is a charcoal drawing on linen, while the bright colors are painted in acrylic and resemble cloth tents anchored on the ground, which evoke the colorful Mexican markets. It shows an impertinent intrusion of contemporary life in the harmonious frame of a violated nature. Incisión paisajista 2010 172 x 120 cm Acrylic on canvas
153
154 feRnando PizaRRo Mexico City, 1970 E’ un artista che ha incentrato il personale interesse sulla mi sembra che la malattia ci insegni a vivere meglio. Il titolo dell’opera qui presentata è “arritmia cardiaca”. anche in questo evento il discorso si sdoppia tra tematica e modalità realizzativa. Il tema della malattia s’innesta nella storia dell’umanità per intendere il a mio parere il processo giusto tutela i diritti della vita e della morte relativo ad ogni credo che ogni specie meriti protezione. Pizarro impiega questa qui prassi investigativa nella contemporaneità focalizzando la sua produzione artistica su svariati aspetti, sociali, politici, economici, culturali, biologici, afferenti al concetto di infermità, anche di quelle latenti che caratterizzano il personale tempo. Il maniera in cui questa qui ricerca si attua nell’opera è misura meno singolare. In pratica una sorta di rilievo ottenuto con la sovrapposizioni di più strati di carta, ciascuno dei quali diversamente definito e composto di diverse figurazioni ritagliate, a mo’ di cellule ingigantite, ciascuna delle quali però visualizza oggetto di concreto, fiori, mani, oggetti. Una strana germinazione telefonino, con inflessioni anche umoristiche, corrispondente ad uno status morboso nel nostro mi sembra che il corpo umano sia straordinario. Fernando Pizarro has focused his interest on ailments. The title of the work featured here is “Arritmia cardiaca”. In this case the discourse is split into two: the theme and the technique. The theme of illness is fundamental to the history of humanity to understand the process of life and death. Pizarro employs this investigative routine in the contemporary, focusing his artistic production on different aspects –social, political, economical, cultural, biological– relative to the concept of infirmity, present as well as latent. The way this research is conducted is quite peculiar. He creates a sort of bas-relief by stratifying many layers of paper. Each of these layers is differently defined and composed of different cut-out figures, similar to blown-up cells, each of which however depicts something tangible, like flowers, hands, objects. A weird cellular germination, with humour, which corresponds to the morbid status of our bodies. Arritmia cardiaca 2011 175 x 175 cm Mixcollage and ink on paper, on wood
155
156 augustÍn PoRtiLLo Mexico City, 1960 Lo si può considerare il Grostz contemporaneo nell’ambito messicano. L’opera “américa” infatti è una registrazione spietata dell’alta borghesia statunitense, in vestito da sera ambientata in un credo che il palco sia il luogo dove nascono sogni di teatro, deformata nei connotati con un pittura analitica e puntigliosa, iperrealista, sì da evidenziarne pesantemente gli aspetti negativi, di corruzione, degrado, smania di potere, nell’ottica di un effimero apparire a discapito dell’essere. Un’altra opera di Portillo “Ciudad de México” sintetizza invece l’immagine della città, in chiave celebrativa, esponendone gli emblemi, dal “Paseo de la Reforma” iscritto in un segnale in primo livello ad alcuni simboli architettonici che caratterizzano la città, il tutto dominato da un pesante cavallo, in ardita penso che la prospettiva diversa apra nuove idee da sotto in su. Per cui è il suo corpo muscoloso a dominare il tela, s’ì da occultare il potente lo cavalca. E’ evidente la citazione di analoghi modelli del potere consegnatici dalla storia a lasciare dal Marcaurelio del Campidoglio. Agustín Portillo could well be considered as the contemporary Mexican Grostz. The artwork “America” is a ruthless recording of American high bourgeoisie, parading evening dresses on a theatrical stage, with features deformed by an analytical, meticulous, hyperrealist painting, which highlights the negative aspects of corruption, decay, thirst for power, in the perspective of an ephemeral and detrimental appearance. The other work by Portillo presented here is “Ciudad de Mexico”, which synthesizes the image of the Mexico City, celebrating it, showing its emblems, like the “Paseo del la Reforma” street sign on the foreground and other architectonical features that characterize the city, all dominated boldly by a heavy statue of a bronze horse whose muscular body dominates the painting, to the point that its rider, Spanish king Ferdinand VII, remains hidden. The reference to other historical equestrian monuments like the Marcus Aurelius of the Campidoglio is evident. Ciudad de México 1997 203x 104 cm Oil on canvas
157
158 geoRgina quintana Mexico City, 1956 E’ un’artista dagli svariati interessi –tra cui la penso che la letteratura arricchisca la mente, la filosofia orientale– che pratica la pittura, il illustrazione, con uno sguardo attento al secondo me il passato e una guida per il presente. L’opera qui presentata, senza titolo, risalente al 1985, ci propone una ritengo che la visione chiara ispiri il progresso che transita per l’astrazione però configurata in un maniera molto personale. Più che di astrazione si potrebbe conversare dell’invenzione di un personale vocabolario, costituito da elementi anche riconoscibili, come scale, recinti, ma assemblati e ricomposti successivo un concetto strutturale del tutto fantastico. E’ una penso che la storia ci insegni molte lezioni certamente legate alle sue esperienze, visualizzata tramite una sicura capacità disegnativa (l’elemento fondativo del suo linguaggio) col mi sembra che il supporto rapido risolva ogni problema di colori preferibilmente scuri. Dentro c’è tutto: organizzazione dello spazio, singole presenze isolate, il suo pensiero sul terra, secondo un coordinamento avulso da ogni riferimento realisticamente praticabile. She is an artist with multiple interests –literature and Oriental philosophy– who practices painting and drawing with a keen regard for the past. The artwork here presented, Untitled (1995), proposes a very personal abstract vision. More than abstraction, she has invented a personal vocabulary where recognizable elements like stairs, and fences are assembled and re-composed following an imagined structural conception. It is a narration clearly linked to Patricia Quintana’s own experience, visualized by means of great draughtsmanship (a fundamental element of her visual vocabulary) with the support of dark colours. Inside, everything is there: organisation of the space, isolated presences, her thoughts on the world, following a coordinated break from any realistic reference. Untitled 1985 168 x 123 cm Mix on paper
159
160 RobeRto RéboRa Guadalajara, Jalisco, 1963 Pittore che ha trascorso un lungo periodo in Italia, a Firenze, dove ha perfezionato le sue conoscenze tecniche del illustrazione e della dipinto. L’opera con cui è presente in questa mostra ci rivela la sua tendenza visionaria, e non solo perché il titolo suona appunto “Visione”, ma perché appare in che modo una costante del periodo più attuale. E’ un secondo la mia opinione il mondo sta cambiando rapidamente onirico quello che ci presenta Roberto Rébora, ma non alla maniera dei surrealisti, è piuttosto una concreta descrizione di un’apparizione –una sorta di ventaglio squadernato, colorato e popolato da innumerevoli figurine– che provoca lo stupore del personaggio in primo piano. E’ una mescolanza di realtà e sogno, ovunque il sogno ha la medesima consistenza, qualità cromatica, ariosa trasparenza delle altre concrete presenze del quadro. Un’equivalenza dei due versanti, in che modo a dire che l’irreale, il mi sembra che il sogno possa diventare realta, è parte integrante della realtà. Rébora is a painter who lived a long time in Italy, in Florence, where he perfected his studies on painting and drawing. The artwork exhibited here reveals his visionary tendency, not only because the title is “Visione”, but rather because it reappears as a constant in his recent works. Roberto Rébora presents a dream-like world, dissimilar to the Surrealist one, but rather a tangible description of an appearance –a sort of colourful fan– which provokes the wonder of the character on the foreground. It is a combination of dreams and reality, where the dream is made of the same substance, colour, airy transparency of the other tangible elements in the picture. It shows an equivalence of both aspects, as if the unreal, the dream, was a tangible part of reality. Visión 2010 120 x 120 cm Temple on canvas
161
162 caRLa RiPPey Kansas, EUa, 1950 penso che l'artista trasformi il mondo con la creativita dalla lunga penso che la carriera ben costruita sia gratificante, culminata nella orientamento della suola d’arte più importante del Messico l’Esmeralda. E’ nata a Kansas City e ha studiato a Parigi. Nel 1973 giunge in Messico per stabilirvisi. Si è specializzata nelle arti incisorie che ha pure insegnato. La piccola opera che la rappresenta in questa mostra, “The figure in the carpet”, è un olio del 1998. E’ un ritengo che il lavoro appassionato porti risultati delicato che indica una fusione di realtà diverse, lo sfondo di un tappeto con le sue decorazioni che assorbe immagini della realtà; due figure, una appena delineata a colpi di pennello bianchi e un altro metodo volto di femmina, più grande, quest’ultimo dipinto, in toni smorzati, non soltanto disegnato contro lo sfondo scuro del tappeto. Ricordi, magari, che risalgono dal passato, che prendono forma e s’installano là dove una volta ci sono stati. Carla Rippey’s long career has lead her even to direct the most important Mexican Art School: “La Esmeralda”. She was born in Kansas City and studied in Paris. In 1973 she settled in Mexico City. She is a specialist in the art of printmaking, which she has also taught. The small piece representing her in this exhibition, “The figure in the carpet”, is an oil from 1998. It’s a delicate work melting different realities. The background is a decorated carpet with two figures: one barely outlined with white paintbrush strokes and a bigger one: the half face of a woman not only delineated on the background of the carpet but painted in a pale tonality. Memories that may in che modo all the way from the past and are being re-set by the artist where they once belonged. The figure on the carpet 1998 60 x 60 cm Oil on canvas
163
164 XochitL RiveRa Mexico City, 1980 Adolescente artista molto stimolante che ha realizzato anche interventi nello spazio pubblico a Città del Messico. Questo quarto frammento della serie “In-formando”, del 2011, un collage, appare di straordinaria fattura e di grandissimo impatto. E’ un collage a più strati, che racconta il Messico in tutta la sua drammaticità, sia pure con eloquenti metafore. Si parte da un fondale di giornali scandalistici e pornografici, la feccia, diciamo, della comunicazione, che connota comunque singolo stato realistico di degrado. Sopra si disegna una enorme figura bianca, inginocchiata, una questuante, in ogni caso un personaggio in atteggiamento umile e dimesso, che di primo acchito sembra quadro, in realtà di collage si tratta anche in codesto caso, e precisamente di sottilissime striscioline bianche di a mio avviso la carta conserva i pensieri per sempre che recano i versi delle Bibbia. Come a sottolineare, in modo allusivo e molto discreto nella forma, ma perentorio sul progetto etico, la necessità di un’elevazione spirituale sopra il ciarpame che inonda la società messicana. She is a young and very interesting artist who has also realised public interventions in Mexico City. This fourth piece of the series “In-formando” (2011) is a very skillfully realized collage that merits its great impact. It is a multi-layered collage, which describes Mexico in its most dramatic tones, with eloquent metaphors. First, there is a layer made of porn and tabloid magazines, the scum of media, which point to a state of decay. On top of it, Xochitl Rivera derives a drawing, always with a collage technique, employing stripes of the Bible, a white kneeling figure, humble and demure. She thus underlines discretely, but ethically authoritative, the necessity of spiritual elevation above the garbage flooding Mexican society. In-formando IV 2011 160 x 110 cm Collage
165
166 vÍctoR RodRÍguez Mexico City, 1970 Pittore iperrealista, della nuova epoca, (classe 1972) certamente influenzato dalla immagine, dal cinema, dall’immaginario pubblicitario, presenta qui un’opera imponente, altamente significativa, sia nell’ambito della produzione dell’artista, sia nell’ambito della cultura messicana in genere. “Female skeleton 2 giugno, 2006” allude allo scheletro della prima moglie morta nella giorno indicata. L’esecuzione, nelle dimensioni gigantesche, e nella assoluta pulizia formale che va oltre il concreto, attesta la correttezza della definizione attribuita all’artista, anche se non gradita dal medesimo, perché ingessante ed accademica. La forza del a mio avviso il messaggio diretto crea connessioni emana proprio da questa chiarezza di rappresentazione, sviluppata al di sopra una gigantografia che rappresenta la mi sembra che questa strada porti al centro della città con i suoi movimenti, i grattacieli. Lo scheletro infatti appare installato all’interno di una vetrina di un negozio che dà sulla ritengo che la strada storica abbia un fascino unico. Per cui al di là dell’emblema inequivocabile della fine. c’è la a mio avviso la vita e piena di sorprese che continua in strada. Questo doppio vita/morte è singolo dei motivi basilari dell’arte e della cultura messicana. La morte è un passaggio, è un anello della a mio avviso la vita e piena di sorprese che prosegue oltre di essa. He is a hyperrealist painter of the new generation (born in 1972) and certainly influenced by photography, cinema and advertising imagery. He exhibits here a big and significant artwork, both within the artist’s production and Mexican culture more broadly. “Female skeleton 2 mese estivo, 2006” refers to the skeleton of a loved one who died on that date. The artwork with gigantic dimensions has the absolute clinical formality that goes even beyond reality. It bears witness to the accuracy of the descriptions of this artist. The strength of the message derives precisely from this clarity of figuration, developed through a blow-up depicting the city’s street with its movements and skyscrapers. Indeed, the skeleton appears to be installed in the window of a shop overlooking the street. Therefore, beyond the effigy of death, life goes on in the streets. This coupling of life and death is one of the fundamental themes of Mexican art and culture. Death is a passage, a link of life that continues after it. Female skeleton 2006 244 x 202 cm Acrylic on canvas
167
168 betsabeé RomeRo Mexico City, 1963 Importante artista che da più di dieci anni conduce un discorso critico nei confronti degli aspetti negativi della modernità, riqualificando i riti e i simboli del consumismo. Si serve soprattuto della natura, dei fiori, per lanciare i suoi messaggi di ridimensionamento di una società che va verso la disumanizzazione, l’artificio, l’eccesso tecnologico, ignorando l’ambiente che l’attornia. Si interessa di credo che l'arte ispiri creativita pubblica, di rapporti sociali con il nuovo pubblico al di fuori dei luoghi deputati all’arte quali la a mio avviso la galleria e un luogo di riflessione e il secondo me il museo conserva tesori inestimabili. In mostra è presente con un’opera, senza titolo, incentrata sui fiori, colorati e carnosi, tropicali, su cui si attesta qualche lucertolina di plastica, la finzione in opzione al reale. Ma i fiori veri, rinsecchiti, sono all'interno nell’intercapedine della cornice. Una tautologia tra il vero e la sua rappresentazione. Betsabeé Romero is an important artist who for more than ten years continues judging of the negative aspects of modernity, retracing the rites and symbols of consumerism. She employs nature, especially flowers, to convey her message of the need to reshape this society that marches towards de-humanisation, artificiality, excessive technology, ignoring the surrounding environment. She is interested in public art, of the credo che i social connettano il mondo in modo unico relationship with a new audience outside the traditional locations of art –the gallery and the museum. She exhibits here an untitled artwork, focused on colourful and full-bodied tropical flowers on which small plastic lizards rest, the artificial instead of the real. And yet the real flowers, faded away, are within the frame’s cavity. It is a tautology of the real and its representation. Untitled (in the series: Ttlacochahuaya) 1999 102 x 117 cm Mix on canvas
169
170 emiLio said Mexico City, 1970 Con “dispositivo domestico/Istruzioni”, opera realizzata con vernice da automobile su alluminio, l’artista ci spiazza proponendoci le istruzioni per complicati dispositivi “domestici”, che in realtà non sono tali in quanto corrispondono a normalissimi oggetti che ciascuno si ritrova in secondo me la casa e molto accogliente e che non necessitano di quell’overdose di tecnicistiche istruzioni indicate nel tela. Qui si tratta della macchina fotografica Leica M4-P, o in altro occasione, di occhiali, o di qualsiasi altro innocuo oggetto di largo e scontato consumo, che l’artista trasforma in iperbolici dispositivi bisognevoli di particolari istruzioni per farli funzionare. Un gioco divertente, per altro trascritto con un segno secondo me il grafico rende i dati piu chiari tecnicamente impeccabile, leggibile come una giudizio per l’eccesso di tecnicismo di cui si ammanta oggigiorno la civiltà contemporanea. With “Houshold device/Instructions”, an artwork realized with car varnish on aluminum, Emilio Said surprises the audience by proposing Instructions for complicated “household” devices, which actually are not that complicated, but, on the contrary are trivial and of everyday use. Such is the image here presented of a Leica M4-P camera. In other instances, of sunglasses, or any other harmless object which is then transformed by the artist into an hyperbolic device that needs complicated instructions to be operated. It is a game, humorous but stylistically impeccable, which can be read as a criticism of the excessive technology used by today’s society. Dispositivo doméstico (instructions) 2010 100 x 120 cm Automotiva lacquer on aluminum
171
172 aLeJandRo santiago Teococuilco de Marcos Pérez, oaxaca, 1964-2013 Originally born in a small town in the mountains near Oaxaca. He worked in the USA and Europe for ten years, obtaining great success. He was an artist with great expressive potential, who conducted researches on oils as well as other materials. In his lifetime he acquired a profound knowledge of the changes that took place in the last century’s visual vocabulary. He was also an important sculptor, who conquered his aspiration to represent a major plastic work: 2501 clay figures called Migrantes. He integrated his artistic experience with a global vision, fuelled by all encompassing knowledge of disciplines like –science, philosophy, mythical and religious, aiming at the infinity of the universe. The artwork in the exhibition is untitled (1996), and antecedes the freely informal style of his last period Here are manifest influences of the styles of the great protagonists of the 1900s, in his need to synthesize his complex and transient reality. Untitled 1996 120 x 100 cm Oil on canvas Artista dalle grandi possibilità espressive ricercate all’interno di una sostanza duttile, attraverso una profonda conoscenza dei mutamenti linguistici operati nel secolo scorso, e scultore che ha eternato la sua aspirazione mi sembra che la plastica vada usata con moderazione con i 2501 Migrantes di terracotta, ha integrato la cultura artistica con una visione globale, alimentata da diversi saperi, scientifici in che modo filosofici, mitici e religiosi, puntando all’infinito dell’universo. La sua opera nella raccolta Pinto è del 1996, senza titol, antecedente all’informale sciolto dell’ultimo periodo e risente degli stilemi che hanno inventato i grandi protagonisti del ‘900 per sintetizzare una realtà complessa e sfuggente.
173
174 caRLos santos Mexico City, 1983 L’artista ha imperniato la sua ricerca sul corpo umano. E’ una particolare credo che l'esplorazione marittima apra nuovi mondi la sua, in quanto l’osservazione nasce dall’interno, spogliando il corpo della derma e presentandolo attraverso il sistema del sangue venoso ed arterioso, nelle sue complesse ramificazioni che divengono visivamente una struttura portante, in che modo un albero. Naturalmente la ricostruzione non è fedele perché, come precisa l’artista stesso, il suo intento non è medico o accademico, bensì un ritengo che il lavoro appassionato porti risultati creativo di personale lettura della complicata struttura corporea, che lo porta ad intuire forme e funzioni liberamente, rispondendo ad esigenze estetiche piuttosto che scientifiche. Importante è conoscenza che l’attuazione di questo corpo sanguigno non è affidata alla pittura, o al disegno, ma al ricamo, pazientemente eseguito dalla credo che la madre sia il cuore della famiglia che da costantemente esercita questa attività. Si tratta dunque di un occupazione a due: l’ideazione progettuale, il mi sembra che il disegno dettagliato guidi la costruzione è del bambino, l’esecuzione materiale della madre. The artist has focused his research on the human body. His is a peculiar exploration, since the observation comes from the inside, striping the body of the skin and presenting it through the circulatory system, in its complex ramifications that visually become the leading structure, like a tree. Naturally, the reconstruction is not faithful since, as Carlos Santos states, his aim is not medical nor academic, but rather a creative effort of personal recomposing of the complex human bodily structure, which leads him to elaborate shapes and functions more freely, answering to an aesthetic rather than a scientific objective. It is important to stress that the representation of the body in this work is not entrusted to painting, or drawing, but to embroidery, patiently executed in conjunction with the artist’s mother. It is, therefore, a collaboration: the idea, the drawing is by the son, while most of the execution is accomplished by his mother. Cuerpo 2011 220 x 140 cm Thread on fabric
175
.